Alexandre Pomar

Jorge Almeida Lima

Arquivo, EXPRESSO, Cartaz de 06-09 -1997  (nota sem título)

JORGE ALMEIDA LIMA
Museu do Chiado

A exposição surge em circunstâncias que parecem corresponder à iminência de mudanças decisivas (decapitação?, desmantelamento?) numa entidade que nunca existiu mas que deixa obra feita. Mistérios da política e da orgânica do aparelho de Estado que aguardam melhor oportunidade para serem esclarecidos. Diga-se apenas que é a quarta exposição promovida pelo Arquivo Nacional de Fotografia (Instituto Português de Museus), depois das que apresentaram Frederick Flower, pioneiro e calotipista, o retratista lisboeta San Payo e João Martins («Os Putos»).

«Jorge Almeida Lima - Fotógrafo Amador» revela um autor praticamente desconhecido (1817-1934) que é um curiosíssimo exemplo de um período da história da fotografia em que esta é em grande parte entendida como um «bello ramo de sport». Além do «sport photographico», próprio de elegantes amadores, J.A.L. cultivou rosas, grangeando com a produção hortícola mais medalhas do que como fotógrafo, e também a caça, a esgrima, a gastronomia, ao mesmo tempo que foi dinâmico empresário agrícola e industrial. Como fotógrafo, terá estado activo entre 1887 e o início dos anos 20, apresentando-se agora uma produção tematicamente muito diversificada e marcada pela experimentação sucessiva dos progressos técnicos, caracterizada em geral pela apetência documental e o gosto do registo realista sem particular ambição estizante. À prática da paisagem e da observação de figuras populares soma-se alguns registos da vida social do tempo, mas também uma série dedicada a retratos de mendigos e alguns levantamentos de embarcações, a par da prática da reportagem, que viria a ter publicação na imprensa.

Nozolino, Suspiros de Chumbo, 1997

EXPRESSO Cartaz 22 Mar. 1997

Nozolino no Teatro S. João / «Jogos de poder em Veneza»

O que Nozolino procurou em Veneza  foi fotografar um século XVII que poderia ter sido o da peça que Ricardo Pais encenou no Teatro S. João — é também este, aliás, que assina o projecto da exposição. E ter-lhe-á agradado poder não ver a cidade actual, que detesta, suspendendo o que é a atitude previsível do fotógrafo. A encomenda, condição de trabalho normal e tantas vezes favorável, foi diferente de outras oportunidades que tem tido para, por exemplo, fotografar Madrid (Miradas Fin de Siglo, Madrid Visto por..., vol. 2, ed. Banesto, 1993) ou Tóquio (Tokyo Today, ed. EU Japan Fest Japan Committee, 1996). Nesses casos, habituais para um «jet-set» fotográfico a que ascendeu, trata-se principalmente de fazer variar o cenário onde os autores se auto-retratam ou de reproduzir as marcas de um estilo próprio em território alheio, seguindo as regras necessárias de muita da fotografia de viagem ou de estrada, que isso mesmo exige.
 A propósito de (Ensaio Para) A Salvação de Veneza, adaptado de Thomas Otway, um contemporâneo de Shakespeare, Nozolino aproxima-se dos terrenos de uma mais rara fotografia ficcional que, não sendo a ilustração de um texto, dele colhe inspiração e «pretextos». O próprio título do pequeno album onde as imagens se publicam, Suspiros de Chumbo, distancia-se da secreta concisão de outras obras mais pessoais (Limbo, Kuan, Penumbra, Solo, a seguir, ou, a primeira, Para Sempre) para ganhar (?) outra dimensão mais literária.

O preto e branco que se poderá dizer implacável, porque o que as sombras sempre ocultam intensifica o desvendar de uma permanente instabilidade do mundo, é o que conhecemos no trabalho de Nozolino. Mas o seu trânsito é agora entre pedras marcadas por homens antigos, estátuas, uma tela onde um reflexo de luz parece movimentar a composição e, por uma vez, dar vida a personagens, entre fachadas patrimoniais, árvores igualmente fúnebres, um céu de tempestade. Trata-se aqui, ao contrário de outras viagens, mais livres, de fazer reconhecer Veneza, de construir um espaço e um tempo precisos, como se fossem, talvez (a estreia estava marcada para ontem), adereços do mesmo espectáculo prolongado do palco ao salão nobre.

Embora sem a dimensão ficcional que esta encomenda aconselhava ou impunha, as fotografias recordam uma outra obra menos conhecida de Nozolino, «Regard sur le Musée Fenaille» Avant Travaux (Rodez, 1993). Aí, o tempo que se inscrevia nos objectos, observando com respeito uma degradação carregada de memórias («Há uma fissura em tudo.../ É assim que a luz penetra», versos de Leonard Cohen tomados como epígrafe), construía um mundo habitável na companhia de fantasmas fraternais. Os fragmentos de história do museu francês mantinham então uma proximidade humana que está agora ausente no tempo congelado de Veneza.

A montagem das fotografias de Nozolino no Teatro segue também critérios inéditos na apresentação do seu trabalho. Pela primeira vez, os habituais pequenos formatos deram lugar às provas ampliadas até aos 180 centímetros, condição evidente para as expor no salão nobre sem alterar, com a construção de um espaço próprio, o cenário dos dourados e veludos. Facilmente se verá, no confronto com a edição em livro, que se trata aqui só de uma questão de formatos (a dimensão das provas de exposição) e não de escalas — conforme os problemas de construção e visibilidade que Gérard Castello Lopes vem interrogando.
A «instalação» é assinada por João Mendes Ribeiro, enquanto João Nunes fez o design gráfico da edição, que inclui ainda um poema de Al Berto («...esta poeira brilhante/ que se desprende dos cedros e cai/ na fissura entre a máscara e o rosto»). No espaço de poder que este teatro é com evidência, a exposição refere na sua montagem teatralizada uma intriga de poder e sexo sob o signo da morte. Mas esta é ainda mais poderosa, mais cruel para todas as máscaras e rituais do poder, na sequenciação das imagens do livro, onde se acrescentam outras sete imagens às dez que são expostas. No album, Veneza não se salva.

Encontros de Coimbra 1997

EXPRESSO Revista de 15-11 - 1997

«A Ideia de Europa»

Encontros de Coimbra

Cartaz de 08 - Nov - 1997 (notícia)

"De Coimbra para a Europa"

Depois da volta a Portugal, com extensão às memórias do Império, os Encontros de Fotografia de Coimbra apontam à Europa. Às digressões paisagísticas das três últimas edições sucede-se uma mudança de direcção e o programa geral das exposições propõem-se agora abordar as transformações e os conflitos que marcam a construção da identidade europeia. O projecto é ambicioso e promete prolongar-se por três anos, até ao final do século, de modo a aprofundar, pela imagem, o inquérito a respeito dos  «problemas da nova geo-política, da relação do indivíduo com o outro e com o Estado, da perspectiva de si mesmo, das expectativas, do imaginário e das utopias».

Braga 1997: "O imaginário do quotidiano"

EXPRESSO/ Cartaz de 15-5-97

Encontros da Imagem, Braga

Intimidades públicas

Há uma forte unidade temática nesta edição dos encontros de fotografia de Braga, em torno do quotidiano e das suas possíveis abordagens. As exposições parecem prolongar-se ou responder-se entre si, através dos diferentes espaços e lugares, acentuando uma um aspecto preciso, variando outra a atitude da observação, comparando-se ainda noutros casos olhares distanciados no tempo sobre um próximo tema. Recordando anos anteriores, notar-se-á também que o que agora é «O Imaginário do Quotidiano» — o espaço doméstico e íntimo, a festa, a rua, os transportes — vem secundar o que noutra passada edição foi especialmente atenção ao trabalho, e o que este ano é predomínio do enfoque documental sucede ao carácter ficcional e construido da generalidade das fotografias mostradas em 96. Para quem siga sucessivas edições, torna-se possível entender a fotografia na sua infinita diversidade, desdramatizando oposições de práticas e conceitos. E também observar que nenhum modelo de evolução linear da fotografia, importado do universo das artes plásticas, deve substituir o que é um «puzzle» permanente de autorias, géneros, direcções.  

 O real quotidiano começa no programa por ser a vida familiar e em especial os filhos pequenos, nas exposições associadas de Nicholas Nixon, Sally Mann e Gerrit Fokkema. Deixando o modelo do álbum de família, as crianças («Os Putos» — anos 30 e 40) de João Martins, nas imagens de rua certamente inéditas <não eram, como depois explicou a Emília Tavares numa oportuna monografia> propostas pelo Arquivo Nacional de Fotografia, e o quarto dos adolescentes no projecto de inventário documental de Adrienne Salinger, «In My Room: Teenagers in their bedrooms», dão-lhes sequência possível. Por outro lado, a nudez infantil, que é oferecida com um «glamour» certamente equívoco pela mesma Sally Mann (com a alegada mitificação de um paraíso rural americano), surge friamente retratada por Pere Formiguera, num projecto de registo cronológico sistemático que a montagem não chega a fundamentar, enquanto Michael von Graffendried visita um campo de nudistas na Suiça — outra vez a família, mas na tradição naturista dos «Friens of Light». Nu au paradis, com edição Falguière, Paris, prefaciado por Harald Szeeman e Charles-Henri Favrod, sucede a dois notáveis livros sobre o Sudão e a Argélia do mesmo autor (quotidianos de guerra para uma próxima edição).

Arco 1997

Expresso Revista  de 21-2-97

1 "A feira das vaidades"

A Arco é uma gigantesca operação que pretende conciliar as duras realidades do mercado de arte, marcadas pela crise, com as actuais incertezas estratégicas das instituições artísticas e, acima de tudo, com a grandiloquência dos propósitos políticos e promocionais madrilenos. Ao contrário do que se poderia supor, a mudança de governo em Espanha não se traduziu em qualquer opção liberalizante que deixasse o mercado à sua sorte, e foi um intervencionismo estatal acrescido que voltou a suportar a ficção de uma feira de ambição internacional e vocacionada para a chamada «arte jovem».

Mónica Machado

Expresso Cartaz 12-04-97, pp 14-15

"Memória e imaginário do objecto quotidiano"  <Uff!!> 
"Uma jovem escultora portuguesa de Paris, Mónica Machado, inventa a escultura-mosaico: o objecto comum e o lixo encontram uma nova vida"

Bienal Arte Jovem, Fórum Maia

 

MÓNICA Machado foi, até há pouco tempo, apenas o nome de uma artista portuguesa de formação parisiense que se sabia ter sido premiada no Salon de Montrouge (um «salão» anual de jovens artistas na periferia de Paris) e feito uma primeira exposição com apresentação de Yves Michaud (filósofo e crítico, director da Escola Superior de Belas Artes de Paris, onde M.M. se diplomou em 92 e de onde ele se demitiu em 95).
Depois, a uma pouco vista 2ª Bienal da AIP, em Outubro, em Santa Maria da Feira, Mónica Machado trouxe duas obras, um grande e inquietante carrinho de bebé — Le Landau (Salomé Dolores) — e um corpo feminino que se abria no desvendar do seu interior — O Ovo (Petite Anatomie du Désir). Nos seus barrocos revestimentos de cerâmica e na montagem obsessiva de objectos e fragmentos, animados com movimentos mecânicos, som e luz própria, eram sedutoras e repulsivas «máquinas delirantes», insólitas esculturas de invenção original e carregadas de memórias artísticas.
A emoção dessa descoberta, proporcionada pela selecção do crítico Carlos França, levou a apontá-la aqui como a mais forte revelação de 1996.

Croft e Susana Solano em Serralves

"Objectos enigmáticos"

Expresso Revista  8-3-97

A EXPOSIÇÃO  intitula-se  «A Céu Aberto», mas não se usaram os jardins de Serralves. O título pretenderá significar uma instabilidade intrínseca à prática actual da escultura, desabrigada (desobrigada) do que seriam antigas funções e convenções — cerimoniais ou especulativas. Croft, num entrevista ao «Público», associou a condição dubitativa do fazer da escultura com as condições de vida dos ciganos.
Invocando o espaço da natureza, mas contrariando o possível programa de um «jardim de esculturas», acentua-se o facto de se ocupar uma galeria que é igualmente uma casa, e à qual se começaram a retirar os painéis que tentavam transformá-la num espaço «moderno» e neutro de exposições. Aí, num lugar fechado e rasgado pelas imensas janelas agora reveladas, a escultura confronta-se com a arquitectura e com a ideia ou função do mobiliário que, em condições habituais, a ocuparia. Essa é outra pista, que, para além de propiciar a reflexão sobre o que na escultura actual é arquitectura e mobiliário (industrial em S. Solano, artesanal em Croft), determinará a revelação do confronto físico entre o objecto escultórico e o visitante que o observa e circunda com todo o seu corpo, sem o efeito distanciador que o pedestal conferia à estátua.

Picasso - Suite Vollard

Mais ou menos há dez anos, mais Picasso exposto em Cascais, cujo Centro Cultural iria em seguida apresentar as outras grandes séries de gravuras, cedidas pela Fundação Bancaja:
a "Suite 156", de 1968-1972, exposta em Cascais em Abril de 1998
a "Suite 347", de 1968
e "El contemplador activo", de 1966-68.

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Expresso Cartaz de 11 Outubro 1997, pp 16-17

"Da luz às trevas"
A "Suite Vollard", a monumental série de gravuras que Picasso realizou entre 1930 e 1937, apresenta-se pela primeira vez em Portugal. Obra prima

A FALTA de conhecimento directo da obra de Picasso é certamente uma das marcas distintivas da cultura visual portuguesa — corrija-se para incultura e aponte-se o exemplo recentíssimo de um catálogo oficial onde se atribui a Warhol a condição de «primeiro ou único artista do século XX»... Não pode deixar de ter consequências (porque um cromo não é o mesmo que uma pintura) que a primeira exposição monográfica dedicada a Picasso de que há memória tenha decorrido apenas em 1993, dedicada à colaboração com a Companhia de Serge Diaghilev e promovida pelos Encontros Acarte < ver abaixo>.

Este mês, porém, a Câmara de Cascais traz-nos a série de cem gravuras, de 1930-37, que ficou conhecida como «Suite Vollard» e o Museu do Chiado anuncia para dia 28 uma outra exposição sobre obras mais tardias («Picasso e o Mosqueteiro, 1967-72»). Serão preciosas contribuições para que um artista que marcou incontornavelmente três quartos do século XX e tem sido objecto de constantes abordagens temáticas originais — que, com a sua obra desmesurada, é toda uma outra história da arte do século — deixe de ser um pintor «conhecido» mas não visto.

Há dez anos, Picasso no Museu

A 1ª exposição da pintura de Picasso em Portugal foi há dez anos. As obras datavam de 1967 a 1972 (circa 68, como dizia o outro). No mês anterior, a "Suite Vollard" tinha sido inaugurada em Cascais.

Expresso Cartaz de 1 Nov. 1997 (capa)

"Picasso contemporâneo"
Museu do Chiado

O MOSQUETEIRO foi o último personagem a entrar na galeria das criações de Picasso. A gola de renda, a cabeleira encaracolada, a barbicha afiada, o bigode espetado — e, eventualmente, o chapéu de plumas, a espada e os sapatos de fivela — definem a sua figura vinda do passado, da Espanha do Século de Ouro e da Ronda da Noite de Rembrandt. Aparece em desenhos dos finais de 1966, quando Picasso começava a sair da demorada convalescença que se seguira à intervenção cirúrgica do ano anterior (ablação de dois terços do estômago), e vai acompanhá-lo ao longo de mais cinco anos de trabalho. Sem contar com as gravuras, o mosqueteiro reconhece-se em 450 pinturas e desenhos, na produção torrencial e tumultuosa que realiza entre os 85 e os 90 anos (Picasso deixa de trabalhar no Outono de 72 e morre em 8 de Abril de 73).
É o último Picasso que está presente no Museu do Chiado, na primeira exposição da sua pintura que desde sempre se mostra em Lisboa. Não se tratou, agora, de fazer a impossível síntese de uma obra desmedida, que pretendesse recuperar de uma vez a «falha traumática que impediu gerações sucessivas de artistas e amadores do contacto directo com uma das mais impressivas revoluções do imaginário do século», como escreve Raquel Henriques da Silva no catálogo, referindo-se, em geral, à «invisibilidade nacional» da arte moderna. Na realidade, esta exposição de obras afinal muito recentes — note-se que são posteriores à quase totalidade das que apresentam no CCB os anos Pop de 60 — tem também o mérito de fazer vacilar as cronologias simplificadas que parecem sujeitar a arte a um devir evolucionista de curtíssimos ciclos, quase sempre redutor e niilista, ao mesmo tempo que nos faz participar da lenta e mais recente ainda descoberta da importância da obra tardía de Picasso (desta vez quase sem atraso, portanto).

Anatomias e «Maneirismos»

Apresentou-se como «a produção plástica mais relevante dos anos 90»

Anatomias contemporâneas
Fundição de Oeiras
Comissários: Paulo Cunha e Silva e Paulo Mendes

EXPRESSO / Cartaz de 22 11 1997

A imagem da promoção, tomada a Bronzino (Alegoria do Triunfo de Vénus), recorda o maneirismo mais oficial e precioso da Toscânia do século XVI para apresentar outros maneirismos que se instalam como actual arte da corte. Outra imagem, A Origem do Mundo, de Courbet, a fechar o catálogo, repõe a questão decisiva: o que resta do «real»? A «forte intervencão autoral dos gráficos» (de Paulo Seabra e Dr. Mabuse)  faz a crítica de uma exposição sustentada na «convicção» dos comissários de que, «paradoxalmente, há cada vez mais corpo e cada vez menos corpo».

Vasarely 1906-1997

A utopia Vasarely

Expresso/Cartaz de 22 -03-97

«Quanto tempo foi preciso para fazer desaparecer o mito da mão do artista...» — dizia Vasarely, em 1967, no auge da popularidade da Arte Op. Trinta anos depois, ao morrer quase com 90 anos, a sua obra continua muito presente no mercado dos múltiplos, em capas de livros e obras públicas, mas a notoriedade de Victor Vasarely no âmbito da história da arte contemporânea quase se desvaneceu por completo.
O pintor que recusava a ideia do artista como «ser Único» e preconizava o desaparecimento do criador como executante — «se a arte queria ser, antes, 'sentir e fazer', ela pode ser hoje 'conceber e fazer fazer'» — parece ter sido vencido pelo seu próprio êxito. 

Roy Lichtenstein 1925-1997

A Pop erudita

Expresso/Cartaz 04-10-1997 (Actual)

Roy Lichtenstein foi, com Andy Warhol, falecido em 1987, o artista que mais estreitamente ficou associado às imagens de marca da arte Pop. As suas ampliações de «quadradinhos» de banda desenhada, mostradas pela primeira vez em Fevereiro de 1962, na galeria Leo Castelli de Nova Iorque, asseguraram-lhe um lugar fixo entre os fundadores do movimento, e no momento da sua morte, aos 73 anos, são ainda essas imagens que mais insistentemente se recordam. No entanto, foi apenas durante os primeiros quatro anos da sua carreira como artista Pop que Lichtenstein praticou a apropriação directa de imagens de BD, passando a seguir, desde 1965 e durante mais três décadas, a desenvolver uma obra muito mais complexa e sofistificada.

Joaquim Rodrigo 1912-1997

1
Expresso/Cartaz de 25-1-97 (Actual)

Morreu no passado sábado, com 84 anos, o pintor Joaquim Rodrigo. Nascera em Lisboa, em 1912, e foi agronómo de formação e profissão, durante cerca de 40 anos. No início dos anos 50 começou a dedicar-se à pintura como amador, expondo logo regularmente nos salões da Sociedade Nacional de Belas Artes /EGAP/, e prosseguiu até data recente, com uma última mostra individual em 1994, uma carreira sempre reconhecida pela generalidade da crítica nacional.
Efectivamente, a obra do pintor Joaquim Rodrigo esteve associada em três momentos sucessivos a situações conjunturais de revisão de orientações críticas ou foi considerada como representativa de novos entendimentos formais e estéticos.

De Kooning 1904-1997

Arquivo (há dez anos)

De Kooning, um continuador

EXPRESSO/Cartaz de 28-3-97, pág. 3 (Actual)

Se de Willem de Kooning se podia dizer que era o maior pintor vivo, o último qualificativo tornara-se há muito o mais problemático. Como escreveu Philippe Sollers, no «Le Monde», de Kooning não morreu, apenas se acabou de extinguir, muito velho e como que já ausente de si próprio. A doença de Alzheimer dominara-o ao longo da década passada, embora tivesse continuado a pintar talvez até 1990. Faleceu com 92 anos, no dia 19, na casa-atelier que construira em East Hampton (Long Island, N.I.) e foi recordado como o último mestre do expressionismo abstracto ou o último dos grandes pintores, como se diz sempre.

"Ano zero"

Expresso Cartaz Actual 11-01-97, pág. 4

ESPERAVA-SE mais da defesa do Ministério da Cultura por Alexandre Melo («Cartaz» de 4/1/97), quando múltiplos aspectos da sua actuação são objecto de crítica pública. Mas A.M. só descortinou «polémicas pontuais, movidas pela intriga político-partidária, mais ou menos encapotada, ou pelas obsesssões persecutórias de algum jornalismo». É demasiada displicência, designadamente a respeito do que se foi escrevendo no EXPRESSO.
Prefere dialogar com fantasmas que ele próprio inventou: com «o liberalismo selvagem», que não tem expressão política na área cultural nem caracterizou a gestão do anterior governo; com a «demagogia populista», que confunde com a «cultura pimba», em vez de a referir ao revanchismo anti-cultural e aos ataques à liberdade de expressão que, por exemplo, a Frente Nacional protagoniza em França; com «o nacionalismo salazarento»...

A multinacional Guggenheim

Foi há dez que abriu o Guggenheim de Bilbau.  O modelo não deu frutos, embora tenha resultado no País Basco por se incluir num programa muito mais vasto de reabilitação urbana. Abu Dhabi é já outra história... E o Pompidou em Xangai já está com problemas.

As comemorações fazem-se com o  blockbuster ``Art in the USA: 300 Years of Innovation''

Ver O efeito Bilbau
e O mercado dos museus

1
Expresso/Cartaz de 18 de Out. de 1997 ("Actual", pag. 4)

A multinacional Guggenheim

O Museu Guggenheim de Bilbau é hoje oficialmente inaugurado, sem que se tenham extinguido as numerosas polémicas que o envolveram. O acordo negociado entre o Museu de Nova Iorque e o governo basco, que goza da mais mais ampla autonomia entre as regiões espanholas, inaugura a entrada do modelo gestionário das multinacionais na área dos museus, com a adopção do sistema de «franchising».

Sérgio Santimano, 1997

arquivo, fotografia em Moçambique

in EXPRESSO/Cartaz de 09-08-97

SERGIO SANTIMANO
"Moçambique e Índia", Arquivo Fotográfico de Lisboa, 29 Jul.- 6 Set. 1997

"Um olhar próximo"

Sérgio Santimano recusa que as fotografias de África mostrem apenas a guerra e a fome. Revolta-se com a facilidade com que muitos fotojornalistas, confrontados com um mundo que apenas conhecem de passagem, ou os distantes editores fotográficos à procura do exotismo da violência, reduzem o seu país à imagem das vítimas indefesas. Essa é apenas outra variedade, actual, do conformismo das fotografias que se esperam de África, depois dos tempos dedicados ao mito do «bom selvagem» e às paisagens paradisíacas. 

O Zero oficial

(À Isabel com admiração e amizade,... mas noutra onda)

Abaixo, o artigo publicado em EXPRESSO/Cartaz de 05-07-97 "QUESTÕES ALTERNATIVAS", por ocasião da exp.: «Perspectiva: Alternativa Zero» na Fundação de Serralves

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Para dar algum gosto polémico ao 30º aniversário da Alternativa Zero que se comemora na Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (dias 28-30), trata-se de entender a «Alternativa Zero» como momento fundador da burocratização das chamadas (neo)vanguardas no contexto nacional. Das margens ao centro do poder.
O melhor Ernesto de Sousa é o de "Presépios, o Sol, Loas & Etc", ed. Bertrand, 1985

Oito anos depois de «Quando as atitudes se tornam forma» (Szeemann), a Alternativa Zero era retardatária e provinciana: outras coisas iam acontecer muito brevemente e mais outras, recalcadas, viriam à superfície, ou continuam a vir. No rescaldo das animações revolucionárias pós-1974, encerrando o ciclo "circa 1968", a AZ já era duplamente fúnebre. 
Desaparecidos o mercado e o «povo», os objectos de arte e a agitação político-cultural deixavam de ter destinatários. Recentrar a prática artística sobre si própria (e sobre si próprios), sobre a «essência» e o conceito de arte, a forma e a anti-forma, as suas convenções e anti-convenções, a atitude e a intenção do artista (um círculo viciado), seria uma resposta ainda com uma aparência festiva para os agentes e "operadores" envolvidos. Uma resposta autista e rapidamente esgotada, como veio comprovar a breve prazo a vaga «pós-moderna» - e vários "discípulos" iam procurar tutelar "um novo paradigma".

Interessa-me o Ernesto de Sousa que tentou ser crítico de arte nos anos 40 e depois por várias vezes com intermitências, entre êxitos e falhanços como crítico de cinema, cineasta e cineclubista, encenador de teatro e animador cultural em geral. A trajectória mais do que a "obra", os livros apenas esboçados, os estudos sobre arte popular ou escultura, os projectos fotográficos. Quando se tornou artista, a arte conhecia um dos seus períodos de grande decrepitude, era anti-arte, na miragem convivial (já a estética relacional?") de um "zero" que era também o fim anunciado. Descartável mas por isso mesmo disponível para ser burocraticamente governada, isto é, negociada. Por uma nova academia (já não a do prof. França e discípulos) em que se associam os papéis e os poderes administrativos, escolares e "operativos".

São agora os gestores artístisticos (os candidatos e os iniciados - já um 3º grupo ou geração desde os tempos da SEC de Calhau, Sarmento e Cerveira Pinto, com João Vieira e Victor Belém), não os artistas, que orquestram as celebrações. Como em Serralves há dez anos.

Outros restos ou memórias estão disponíveis para celebrações, depois da exposição "Itinerários", de 1987; da "Perspectiva" de Serralves em 1997, e da retrospectiva parcial de ES em 1998 na Gulbenkian.
Nos anos 9 (2009 já) teríamos o Encontro no Guincho (com Noronha da Costa).
Em Vigo comemorem-se o Estúdio Quid de Carlos Gentil-Homem, as Jornadas Galaico-Portuguesas e o Centro Português de Vigo.
Em 2010 os 40 anos da sessão na galeria Ogiva, Óbidos, onde ES se manifestou com projecções de margarina e repetição do nome "Joseph Beuys" (sic. cat. "Itinerários).
É preciso recuperar as contribuições activistas de Jaime Isidoro, Espiga Pinto, José Aurélio, Dulce d'Agro, Túlia Saldanha, Egídio Álvaro, etc, para a construção das nossas vanguardas. Janas sim, mas também Valadares (a Casa da Carruagem) e Cerveira, a Ogiva/Nova Ogiva, Almada (os festivais de Arte Viva), etc.  Há matéria para muitos mestrandos.

1997 Francisco Capelo e o Museu do Design

Inaugurado o Museu Berardo em Sintra Francisco Capelo começa a falar no Museu do Design. O projecto é então o de ir para a Gare Marítima de Alcântara, para onde estivera prevista uma extensão do Museu do Chiado, entretanto posta de parte...
A estreia do Museu do Design foi no Expresso, e tratava-se então de "pressionar" uma solução rápida

EXPRESSO/Revista, de 20 Junho 1997, p. 84-92
"Um museu para o Design"
A colecção está reunida e o edifício já foi adaptado a um destino museológico que não se concretizou. Francisco Capelo propõe inaugurar antes da Expo

Depois de inaugurado o Museu Berardo — oficialmente, Sintra Museu de Arte Moderna - Colecção Berardo — está já na calha outro museu. O acervo a expor existe e o espaço também, falta apenas a decisão política de anunciar a instalação do Lisboa Museu do Design na Gare Marítima de Alcântara. O assunto está em estudo.

1997 Ainda a Pop (5)

E ainda
«Pop», de popular
Faltou à exposição do CCB o apoio informativo indispensável

Expresso/Cartaz de 15-11-1997

Antes que chegue ao fim (dia 17) a exposição «Pop'60s. Travessia Transatlântica», convém propor algumas interrogações sobre o modo desinteressado e desinformativo como algumas entidades — e neste caso, o CCB — (não) promovem as suas próprias iniciativas. Estamos perante um dos primeiros casos de apresentação em Portugal de um movimento ou período da história da arte, de que antes se teve apenas indirecto conhecimento, e, mais do que isso, perante uma exposição que participa de um recente processo de revisão da história arte Pop, de que o seu comissário, Marco Livingstone, tem sido um dos principais agentes.

1997 Portugal Pop (4)

portugueses na exposição da Pop

EXPRESSO/Cartaz de 20 – 09 – 1997

The Pop’60’s – Travessia Transatlântica – CCB
Sintra Museu de Arte Moderna – Colecção Berardo

(Três mais três artistas dos tempos da Pop. Situações de invenção e influência)
Três artistas portugueses integram a exposição «Pop'60s» do CCB: René Bertholo, Lourdes Castro e Eduardo Batarda. A nenhum deles a classificação Pop se pode aplicar sem reconhecer a dimensão imprecisa de um movimento ou ambiente internacional que não tem as características habitualmente atribuidas a um estilo definido. Mas é exactamente essa a proposta da exposição e do seu comissário, logo expressa por um título que se refere à década de 60, os anos Pop, e não estritamente à «arte Pop». Sendo inglês, Marco Livingstone está bem situado para avaliar a diversidade das «travessias transatlânticas» que então ocorriam, a partir de situações específicas que tiveram por origem independentes manifestações norte-americanas, britânicas e francesas. E também para escapar à conflitualidade com que Paris viveu a perda da sua anterior supremacia e para se desligar da resistência da crítica francesa em abandonar a velha oposição entre abstracção e figuração, então tornada caduca — temas com reflexos directos em Portugal.

1997 Dicionário Pop (3)

Dicionário Pop
por ocasião da exposição Pop no CCB

EXPRESSO/Revista de 27-09-1997

Assemblage / Automóvel / BD / Califórnia / Cool / Começo / (Fim) não publ / Independent Group / Neo-dadaismo / Novo Realismo / Paris / Pin-up / Política / Pop / Ruptura

1997 Pop e vida moderna (2)

“Pintores da vida moderna”

Expresso/Cartaz de 13-09-1997 , pp. 18-19

The Pop’60’s – Travessia Transatlântica
Centro Cultural de Belém

A escala da exposição é inédita entre nós, ou quase. E o gigantismo está, neste caso, associado à originalidade de um propósito que não se cumpriria numa versão sintética. Com mais de 240 obras e a representação de 87 artistas, ocupa toda a grande nave inferior do CCB e espaços anexos nunca utilizados, numa sequência de mais de 15 salas por onde se distribuem núcleos dedicados à produção dos Estados Unidos, da Grã-Bretanha e da Europa continental.

1997 Os anos Pop (1)

Foi a primeira grande mostra do CCB organizada a partir da Colecção Berardo, contando com o seu núcleo de obras Pop e aparentadas. A Pop continua a ser um dos núcleos principais da Colecção

EXPRESSO/Cartaz de 06-09-1997

The Pop’60’s – Travessia Transatlântica – CCB
Pop, Fluxus e Fotorrealismo – Museu Berardo, Sintra
e Alain Jacquet – Gal. Hugo Lapa

A temporada das exposições abre cedo e sob signo Pop (abreviatura de popular), com a inauguração da próxima quarta-feira no Centro Cultural de Belém. A Pop Arte foi «o primeiro estilo acessível do modernismo internacional», como sublinha Robert Hughes na sua recentíssima história da arte norte-americana, American Visions. The Epic History of Art in America (com versão televisiva BBC/Times em oito episódios, que se recomenda vivamente à atenção da televisão pública), e, enquanto se prolonga ainda o êxito da exposição de Paula Rego, esta será uma favorável oportunidade para manter o nível de interesse público — e popular — sobre as programações institucionais. As oportunidades são, em geral, escassas.

Berardo 1997 - ambição de Estado (6)

Francisco Capelo, entrevista: "Paixão privada, ambição de Estado"
17-5-97, EXPRESSO/Revista, pp. 113-116

versão longa

«Sempre que Francisco Capelo é visto nas salas dos leilões já se prevê o entusiasmo com que licitará as obras para a colecção Berardo», lia-se há tempos numa crónica do «The Art Newspaper». Antes da entrevista, é ainda com a mesma excitação que Capelo exibe, no catálogo do leilão da Christie's realizado na véspera, em Londres, as duas obras que disputou pelo telefone: uma tela de David Salle e uma escultura de Carl André, dois artistas americanos de quem já havia outras peças na colecção.
No caso de Salle, trata-se de uma tela de explícito erotismo que ele perseguia desde Janeiro de 95, quando soube que um novo casamento do anterior proprietário determinara a intenção de venda, mas então por um preço excessivo. É um bom exemplo da persistência usada para alcançar as peças desejadas, mas o «record da sedução» continua a pertencer à galerista parisiense Denise Renée que levou três anos para aceitar desfazer-se de três peças históricas da abstracção geométrica. Para além do dinheiro (seis, sete milhões de contos para 400 obras), uma colecção faz-se com um projecto, com determinação e com olho.

Berardo 1997 - o Museu (5)

Museu Berardo: «Para entrar no século XX»
EXPRESSO/Revista 17-5-97, pp. 110-112

AINDA acontecem milagres. Não se pode classificar de outro modo a abertura ao público, amanhã, do Museu de Sintra e a instalação em Portugal de uma colecção de arte da segunda metade do século XX — já a ser prolongada, aliás, com significativos recuos aos anos 30.
Projectos de pequena escala arrastam-se em hesitações de décadas (Serralves), paredes colossais inauguram-se sem conteúdo (Belém) e, de repente, um particular propõe-se fazer o que se tinha já por inimaginável. Que tenha sido também necessária, e possível, a determinação de uma Câmara, graças ao empenhamento de Edite Estrela, é algo que reforça ainda o mesmo milagre.