Alexandre Pomar

Figuras de Lisboa, Victor Palla (1958-2010)

Uma das coisas curiosas (e bem feitas) da exp. "Histórias de Lisboa no Museu da Cidade" (10 Fevereiro - 31 de Março) é a presença de Victor Palla, arquitecto, fotógrafo e designer (e tb. pintor, tradutor, editor, etc). E essa comparência tem a qualidade adicional de acrescentar um dado importante sobre a divulgação do livro que realizou em parceria com o tb arquitecto Costa Martins e publicou em fascículos depois de duas exposições de promoção do mesmo livro, em Lisboa e no Porto, na Gal. Diário de Notícias e na Divulgação do Porto.

(provas impressas a partir de negativos cedidos pela família de Victor Palla)

Isto que parece uma "obra conceptual" (para citar um repetido disparate) é a sobreposição de três fotos da montagem da exp. na Diário de Notícias em 1958 (de 21 a 28 de Outubro de 58 - está mal datado na tabela), onde se reconhece a "paginação" das fotografias ao longo de um suporte contínuo, em cima de quatro imagens do programa televisivo de David Mourão Ferreira, com a presença dos dois arquitectos-fotógrafos.

desenho de João Fazenda

1900 na Royal Academy

ARQUIVO EXPRESSO Actual 11 Março 2000

«(Os) 4 na encruzilhada»

«1900 – Art at the Crossroad», Royal Academy

Quatro artistas portugueses estão representados na exposição «1900 – Art at the Crossroad», actualmente exibida pela Royal Academy de Londres (até 3 de Abril). São eles António Carneiro (1872-1930), com o tríptico A Vida: Esperança, Amor, Saudade, de 1989-1901, pertencente à Fundação Cupertino de Miranda, de Vila Nova de Famalicão; Aurélia de Souza (1866-1922), com o seu justamente famoso auto-retrato de cerca de 1900, do Museu Soares dos Reis; Columbano Bordalo Pinheiro (1857-1929), com A Chávena de Chá, de 1898, e Luciano Freire (1864-1935), com Perfume dos Campos, de 1899, estas duas últimas obras cedidas pelo Museu do Chiado.

Luciano Freire (1864-1935), Perfume dos Campos, 1899, do Museu do Chiado

1900, lá fora e em Lisboa

Antes de  CEM ANOS ANTES, na Gulbenkian (EXPRESSO Revista 08-07-2000), tinha saído

2 - EXPRESSO Actual 01-07-2000

"Fim de século"

PORTUGAL 1900, Fundação Gulbenkian (Até 10 de Setembro)

OS PAÍSES próximos, Espanha, França, Grã-Bretanha..., dotaram-se de estruturas para organizar as celebrações do milénio, com festejos, inaugurações de equipamentos, exposições e congressos que repensam as marcas iniciais de uma era moderna que não se sabe se ainda continua ou não. Por cá, a data não escapou ao Museu Gulbenkian, que esta semana inaugurou uma exposição evocativa da anterior passagem do século em Portugal. É uma abordagem multidisciplinar que procura apresentar uma imagem abrangente e sintética do que eram a sociedade e arte em 1900, onde o panorama artístico aparece focado, na segunda metade do percurso, sobre a representação então enviada à Exposição Universal de Paris.

Aberta pelos retratos de D. Amélia e D. Carlos, a mostra ocupa-se de arquitectura e urbanismo, economia, teatro (que tinha lugar destacado na vida cultural e social), mobiliário, literatura (é o ano da morte de Eça de Queiroz), ao longo de uma sequência de pequenos núcleos, e tem uma presença muito forte da documentação fotográfica, em painéis ampliados - embora a fotografia, no que diz respeito a provas originais, esteja totalmente ausente. Rafael Bordalo Pinheiro é certamente a figura mais marcante, através da sátira política desenhada e da criação cerâmica. Um extenso catálogo completará a exposição, incluindo um grande número de sínteses sectoriais.

Mudar de século: 1900 na Gulbenkian

ARQUIVO EXPRESSO Revista 08-07-2000

CEM ANOS ANTES

Portugal como era em 1900, recordado numa exposição apresentada pelo Museu Gulbenkian. Um panorama sintético da sociedade e do quotidiano, seguido pela evocação da presença da arte nacional na Exposição Universal de Paris daquele ano

Luciano Freire, «O Perfume dos Campos», de 1899

Logo no átrio de acesso à exposição, duas esculturas, dois corpos femininos - «A Dor», de António Teixeira Lopes, e «A Vaga», de António Fernandes de Sá -, servem de emblemas complementares e contraditórios do país de há cem anos que se recorda na Fundação Calouste Gulbenkian. A primeira é uma imagem monumental e verista do sofrimento, criada em 1898 para o jazigo da família Pinto da Fonseca, no Porto, e tida como a mais dramática das esculturas tumulares portuguesas. Foi apresentada (tal como a outra) na Exposição Universal de Paris, em 1900, e o crítico José de Figueiredo, no seu relato sobre a presença nacional no certame, associou-a à impressão que lhe causaram a Vitória de Samotrácia e a Vénus de Milo - o carácter excessivo do comentário é também uma marca do tempo, tão pronto a colocar as obras portuguesas no Olimpo da arte universal, com manifesta desproporção, como a denegrir com a maior virulência as figuras públicas, responsabilizadas pela miséria e o atraso do país.

«A Dor» pode ver-se como um retrato nacional da prostração, e «A Vaga» é uma afirmação de elegância cosmopolita que nos aproxima da memória da «Belle Époque», à qual ficaram associados a exposição de 1900 e os anos anteriores à I Guerra Mundial. Com uma qualidade erótica rara na produção portuguesa, «A Vaga», de 1890, conjuga o corpo nu da mulher com a ondulação do mar, numa herança galante das Vénus dos Salões que, «lá fora», se renovava então no imaginário simbolista «fin-de-siècle», com maior ou menor decadentismo, e também nos estilos decorativos da Arte Nova, fundindo as formas humanas com os ritmos do mundo vegetal e aquático.

Teixeira Lopes e Fernandes de Sá são dois escultores do Porto, mestre e aluno, o primeiro discípulo de Soares dos Reis, e ambos tiveram formação parisiense, que era, na altura, comum à generalidade dos artistas nacionais. Dois outros artistas portuenses, António Carneiro e Aurélia de Sousa, também têm, mais adiante, presenças destacadas na exposição, mas ambas, por sinal, distanciadas da academização predominante nos meios artísticos lisboetas.

Warhol em Serralves (2000)

Arquivo EXPRESSO Actual 21-04-2000

Crónica "Exta-catálogo" nº 6 (e última)

Warhol em Serralves

"Arte de massas"

«Hoje, o artista é contemporâneo quando se transforma num produtor de vanguarda de massas. É um sub-humano e um pós-humano, cuja destreza reside na capacidade de se adequar à 'moda' e para o qual a fantasia não é mais do que um armazém do qual surge o negócio» - Germano Celant, catálogo «Andy Warhol: a Factory»

«Acabada a economia política, só existe a política económica escorada na pornografia da quantidade» - Vicente Verdú, «A cultura emigrou de si própria», in suplemento «Século XX», «Público-El País», 17-4-2000

O NOVO museu, dito de arte contemporânea, mostra a sua ambição: bater recordes de público, mesmo que à custa de festas nocturnas semanais com «disk jokeys» e bebidas. Trata-se, com Andy Warhol, de afirmar o museu como um lugar da «cultura de massas dos nossos dias», a par da televisão e dos «shoppings». O propósito não tem nada a ver com a velha ideia de democratização da arte e da cultura, ao contrário do que pensarão os mais ingénuos, porque essas duas palavras vão perdendo o sentido que lhes deu a tradição iluminista e não ganharam qualquer outro. A ambição é mesmo a de destituir de qualquer significado as palavras arte e cultura, continuando a usá-las como meras marcas de um incerto sector de actividades, plenamente integrado no universo do espectáculo da política, do consumo e do «entertainment». Se as imagens de Warhol não se distinguem das da circulação mediática, da moda e da publicidade, porque é que o consumo do museu pelas «massas» não se há-de medir por recordes?

2000, o marasmo, Serralves e outras histórias inactuais

Crónicas "Extra-catálogo" (2000): Serralves e outros museus
3/2000: "Navegar à vista"
4/2000: "O marasmo"
5/2000: "O contrato"

Expresso Actual 12 - 02 - 2000

"Navegar à vista"

O TEMPO que decorrerá até à substituição próxima da maioria do Conselho de Administração da Fundação de Serralves (no qual só poderão permanecer Teresa Patrício Gouveia e António Gomes de Pinho, ambos ex-secretários de Estado da Cultura, o segundo representante do Estado no CA, mais António Sousa Gomes e Luís Valente de Oliveira, ex-ministros), poderia dar lugar a uma reflexão que viesse a permitir aperfeiçoar o enquadramento estatutário da Fundação e do seu Museu de Arte Contemporânea.

2000, histórias antigas, Serralves, IPM

Dez anos depois, episódios, circunstâncias, análises e argumentos datados (Crónicas "Extra-catálogo": 1 / 2000: "Mudanças em Serralves"; 2/2000: "Mais IPM")

Arquivo Expresso Actual 29-01-2000

"Mudanças em Serralves"

A FUNDAÇÃO de Serralves vai ter de renovar este ano o seu conselho de administração e de substituir o respectivo presidente, devido às normas estatutárias que impedem a eternização dos mandatos. Além de João Marques Pinto, saem Bernardino Gomes e Vasco Airão. Terá também de ser substituído Belmiro de Azevedo, que se demitiu, e falta preencher o lugar de um dos dois representantes do Estado no mesmo CA. Esse processo, que envolve cinco lugares em nove, poderá decorrer segundo diversos cenários.

Uma das hipóteses é que venha a prolongar-se um estado de tensão e ausência de diálogo que já conduziu, pelo menos, à falhada nomeação pelo ministro da Cultura (Manuel Maria Carrilho) de Francisco Capelo como administrador por parte do Estado, para ocupar a vaga deixada em aberto por Artur Santos Silva (o qual, entretanto, ficou outra vez disponível para assumir o seu anterior mandato). Foi na sequência deste episódio que Belmiro de Azevedo bateu com a porta.

sobre Manuel Zimbro

Arquivo, Expresso- A propósito da exposição de Serralves (Lourdes Castro e Manuel Zimbro) 1995. 1997. e 2003

MANUEL ZIMBRO, Liv. Assírio & Alvim, 11-03-95
Numa «disposição» de guaches sobre papel sobre mesas-vitrinas, M.Z. mostra «Torrões de terra» que se acompanham com a edição de um pequeno livro, em formato CD, de «notas de um lavrador para encontrar o céu e a terra». Existe aqui, nestas «imagens» e neste exercício escrito de atenção-reflexão sobre a vida, uma atitude de deliberado afastamento dos códigos habituais que regem as práticas da expressão plástica e literária. M.Z. pinta com meticulosa exactidão (?) torrões que pairam na folha branca como num céu, sem suporte nem direcção, e nos quais reconheceremos uma amálgama de terra, rocha, minerais, raízes e incrustrações de metais. «Não se trata — diz — de aprofundar uma observação, mas de estender o espírito até ao que está à frente/ deslocar o 'meu' centro, sem tensão e sem afrouxamento/ sem tirar conclusões». Exercício de atenção e de silêncio que se recusa a ser mais uma «visão 'privada' do mundo» e que deveremos ver sem propósitos de classificação e avaliação para também «estender o espírito até ao que está à frente».

25-03-95 Uma primeira exp. (aliás, disposição) tardia: exercício de imitação — torrões de terra pintados a guache — vivido como atenção e como fazer, como «atenção ao que se faz», e ainda como acto de reflexão que se prolonga na edição de um texto paralelo. Nas margens das práticas regulares da arte, questionando-as com rara eficácia.

#

Manuel Zimbro, Porta 33, 29-8-97 (in, "Marcas permanentes" - Marca, Madeira)
«História Secreta da Aviação», acompanhada por um livro com o mesmo título, exibe desenhos a lápis e esculturas «aeromodeladas» (de materiais de aeromodelismo) que dão notável sequência aos «Torrões de Terra», os guaches vistos em 95 na Assírio & Alvim, em Lisboa. Mantendo na aparência da cópia uma radical excentricidade aos códigos da produção corrente («as "delicadezas artísticas", as "poéticas afectações"»), o desenho minucioso das sementes voadoras ou a sua construção em volume torna a atenção silenciosa ao natural um acto de vida, para além da observação e da réplica. É a suspensão do conceito e do sentimento que numa asa da semente do pinheiro sustenta essa outra dimensão da sensibilidade «que liga as mãos-cérebro-coração no nascente acto de fazer, ou de não-fazer», como escreve M. Zimbro.

7-06-2003

Manuel Zimbro, artista e divulgador do budismo zen, morreu no Funchal em 22 de Maio, vítima de cancro. Nascido em Lisboa em 1944, frequentara a Escola António Arroio e instalou-se em Paris no final dos anos 60. Na década seguinte começou a colaborar nos espectáculos de teatro de sombras de Lourdes Castro, criando novos dispositivos de iluminação e assumindo a co-autoria das obras As Cinco Estações, 1976-80, e Linha de Horizonte, 1981-85. Tendo passado a partilhar a vida da artista, foi também autor de diversos textos publicados nos seus catálogos, nomeadamente quando da sua retrospectiva, na Gulbenkian (Além da Sombra, em 1992) e da recente exposição no Museu de Serralves (Sombras à Volta de um Centro, 2003).
A respeito da sua actividade como artista, Manuel Zimbro afirmava a prioridade da arte de viver e recusava a ideia de seguir uma carreira, tendo-se limitado a raras aparições públicas. Em 1994 expôs «Torrões de Terra», minuciosas micropaisagens pintadas a guache, na livraria Assírio & Alvim, e em 1997-98, na Galeria Porta 33 do Funchal e no mesmo local em Lisboa, apresentou «História Secreta da Aviação», desenhos e objectos escultóricos em madeira realizados a partir da observação de sementes. Os dois projectos foram editados em livro com textos da sua autoria. Recentemente traduzira o livro Folhas Caem, um Novo Rebento, de Hôgen Yamahata (Assírio & Alvim), e coordenara com Nuno Faria a edição do volume colectivo Desenho, da iniciativa da Fundação Carmona e Costa.

Arte popular africana

Razões várias que se foram conjugando levaram a interessar-me por um campo antes desconhecido. Não só desconhecido como em si mesmo e reconhecidamente enigmático: a arte popular africana, obviamente com muito diversas manifestações localizadas (e sem invocar uma qualquer essência africana). Tinha havido alguma aproximação aos pintores populares do Congo, depois o desafio de uma colecção de artistas "100% africanos" (a col. Jean Pigozzi no Guggenheim de Bilbau - www.caacart.com, vista em 2006 , aqui ), e surgiram depois outras oportunidades.

A classificação como popular não simplifica nada, e não se sabe bem o que delimita, para além de significar que os artistas que assim são designados não tiveram formação académica reconhecida como tal. Mas, de facto, os artistas europeus que se formavam nos ateliers profissionais, de mestres familiares ou não, legitimados corporativamente, antes da generalização das academias, encontravam-se em circunstâncias muitíssimo semelhantes, embora, se se designaram como "primitivos" os pintores dos séculos XIV-XVI, não seja legítimo chamar-lhes populares. Primitivos europeus e populares africanos têm também em comum trabalharem para o mercado, satisfazendo encomendas de patronos ou intermediários, o que para os primeiros se aceita como meritório, por se tratar de satisfazer cortes religiosas e civis, enquanto para os segundos se usa a expressão depreciativa de "arte de aeroporto" (arte para turistas, desde meados de 1950) por o seu consumo ter deixado de ser aristocrático e ser agora também ele popular - não popular no seu contexto de origem, democratizadamente, mas sim popularizado em contextos culturalmente distantes. Mais do que uma perspectiva eurocêntrica, é uma abordagem elitista.

2002, Tate, Lucian Freud

Não é daqueles pintores de quem se pode dizer que é conhecido, está visto. Mas por enquanto releio o que escrevi por ocasião da anterior grande retrospectiva em Londres (com digressão por Barcelona, La Caixa, e Los Angeles, MoCA)

Reflection with Two Children (Self-Portrait), 1965 / Reflet avec deux enfants (autoportrait), 1965
© Madrid, Museo Thyssen Bornemisza / photo : José Loren / Lucian Freud

EXPRESSO Revista 10/8/2002

"Em carne viva"

No século da abstracção e dos corpos desfigurados ou fragmentados, a pintura de Lucian Freud levou mais longe que nunca a observação da realidade humana. A Tate Britain expõe a sua obra (Room Guide: http://www.tate.org.uk )

Desde há várias décadas que a pintura de Lucian Freud é classificada como chocante, perversa, cruel ou mórbida, e o seu autor referido como um terrível e misterioso personagem. Hoje, perante a sua mais extensa retrospectiva de sempre, no ano em que vai fazer 80 anos, discute-se se é ou não o maior dos pintores vivos e é admirado como o último dos «Old Masters». Mesmo se há agora menos lugar para o escândalo, a pintura de Freud não deixou de ser perturbante pelas razões de sempre - a presença real (mais do que realista) da figura humana nos seus quadros, a excessiva veemência física dos corpos representados como carne, a nudez crua dos seus modelos femininos e masculinos observados sem complacência e sem pudor, a desmesura e a deselegância de algum desses modelos, a relação pessoal do pintor com os corpos devassados e expostos das suas mulheres, amantes, filhos e amigos. Vê-lo como um pintor consagrado não deverá significar um olhar distanciado e reverente sobre as obras, que continuam a ser incómodas e nos interpelam como um desafio irresolúvel.

 

mais 10 páginas a meu cargo e ainda 4 sobre a "Família Freud" pela Isabel Margarida de Sousa

Freud, 2002 - 2

ARQUIVO: EXPRESSO Revista 10/8/2002 - 2

"O retrato ausente"

Três quadros brilham pela ausência na Tate Britain.

Um deles é o retrato da Rainha, pintado para as celebrações do jubileu e agora exposto em Buckingham Palace. Só a coroa distingue o rosto de uma idosa mulher comum, penetrantemente sondada para além da máscara oficial, para escândalo de muitos súbditos. Avesso a retratos de encomenda, Freud recusou-se a pintar o Papa, o príncipe Carlos e Diana. Desta disse que nunca lhe adivinhara a personalidade sob a imagem pública. Kate Moss candidatou-se com mais sorte. Ainda não chegaram ao fim as sessões de pose, acompanhando a gravidez da supermodelo, mas anunciou-se que o quadro se juntará à retrospectiva se for terminado a tempo. A expectativa dos tablóides, e não só, é imensa.

 Francis Bacon  1952, Oil on metal, 178 x 127 mm © Tate (TATE ONLINE: o retrato está agora em rede sem referência ao roubo)

1940: arte popular e arte portuguesa

A História de Portugal coordenada por Rui Ramos é eloquente quanto às lutas de tendências e de pessoas no interior do regime de Salazar, que em geral se considera autoritariamente uniforme. Mas é significativo que mesmo no quadro oficial da Exposição de 1940 os campos se degladiem tão à superfície, opondo os espaços temáticos de Belém. Henrique Galvão voltou a ter a exposição colonial, como em 1934, organizou os cortejos históricos, e não se coibiu de atacar a aliança entre arte popular e arte moderna que o SPN punha em prática.

A Secção Colonial contra o Centro Regional, Henrique Galvão contra António Ferro, o director da  Emissora Nacional contra o Secretário da Propaganda Nacional.

Dois, três novos pintores

A ideia de novos média, contrapostos aos velhos média, é totalmente idiota embora com largo curso (ou por isso mesmo). Cada fala que começa é uma nova voz, e ninguém se lembraria de classificar como velha a prosa ou a poesia, a música, o canto, etc. Com cada novo pintor, começa a pintura, por maiores que sejam as referências ou inspirações ou aprendizagens que os animem. Começa e também continua...

Com Rui Jorge ("Portuguese Man-of-War", na 111) e com Tiago Baptista ("Um dia destes...", na 3+1 Arte Contemporânea) as primeiras individuais são uma boa surpresa, no caso do primeiro, e uma confirmação. E a terceira individual de Mariana Gomes ("Erro", na Módulo) tem também a frescura das primeiras aparições.

Rui Jorge: "Lenga lenga que é longa pá", acrílio e óleo sobre papel, 212 x 143 cm - http://www.111.pt/#/pt/exhibitions/detail/ruipedrojorgeportugueselisboa/

Tiago Baptista

Mariana Gomes, pintura sem título

 Como se vê, tratando-se de pintura, são três pistas de trabalho totalmente diversas. Três pinturas. Mais três pinturas e não a continuidade de uma suposta natureza, condição ou essência da pintura.

CAM 1985, Lourdes Castro

Não fui a Serralves, hei-de ir. Entretanto, do Arquivo em 1985, no âmbito da Exposição Diálogo, a abrir o programa de performances, happenings e espectáculos, quando a abertura do CAM parecia poder ser um acontecimento internacional. Lourdes Castro e Manuel Zimbro, "Linha do Horizonte"

 

Arquivo, Expresso Revista, 5 Abril 1985, pág. 28.

O tempo de ver

RAROS percursos criativos testemunham uma tão grande coerência interna como o de Lourdes Castro,
prosseguindo desde 1962 um trabalho com sombras, que foram primeiro impressas em serigrafia, depois pintadas na tela, recortadas em plexiglás, bordadas em lençóis e agora são projectadas num écrã e dadas em espectáculo, tornadas movimemtos e acção.
Poderá falar-se na utilização de um achado - se através deste chegarmos ao «ready-made» e daí a uma atitude dadá que está presente em Lourdes Castro como esteve nos novos realistas dos anos 60 em que se afirmou, e como se reactualiza também de vários modos nestes anos 80. Não é no entanto a permanência de uma inspiração que importa sublinhar a propósito de Linha do Horizonte, estreado em Lisboa a abrir o programa de acções complementares da "Exposição-Diálogo", mas o efeito próprio dessa forma particular de performance que, como as suas homólogas, inscreve o corpo e a acção do artista num objecto efémero, que retoma uma prática infantil e uma arte oriental de teatro de sombras, além de aprofundar a direcção particular da criação visual de Lourdes Castro.
Poder-se-ia, inserindo o espectáculo na sequência já formada pelos de Mauricio Kagel e Jan Fabre, interrogar qual é o lugar de Lourdes Castro (e Manuel Zimbro, co-autor) nesta amostragem de criações contemporâneas que fazem da inexistência de fronteiras entre géneros uma marca decisiva, e do excesso, da violência e das referências culturais a via de regresso a emoções originárias.    
Esse lugar é, primeiro, o da radical diversidade actual dos produtos em circulação, negando de forma que se espera decisiva uma crença positivista da ultrapassagem dos efeitos ou do isolamento progressivo dos elementos. Nessa diversidade se inscreve tanto uma obra como a de Jan Fabre, que explicitamente refere as que lhe servem de necessário fundamento, como a de Lourdes Castro, onde são as imagens de um quotidiano familiar e não as de um universo cultural que constroem o discurso. Diria, aliás, que o colocar-se como presente e o não justificar-se como história se configura como manifestação de uma diferença particularmente sugestiva.

Depols, se a sombra é a marca de uma ausência, ela é evidência de um artifício que aqui em manifestar-se se basta: o seu movimento dá-se como ficção que nenhuma narração suporta. Esse artifício, produzldo por recursos técnicos que o écrã oculta, contido num plano puramente visual (onde alguma música apenas surge como «companhia", sem produção de outros sentidos), alimenta uma ficção que de simples gestos não-artísticos, banais, se serve para inspirar uma forma de estar. Presença, afinal, de quem vê - e é ainda através do écrã, preservando a ausência fundadora do espectáculo, que Lourdes Castro responde à tradição dos aplausos finais.
Uma linha é horizonte, é corrimão ou cana de pesca, é parede, moldura, eixo onde se definem planos de luz e de cor. Ou uma figura, segundo uma duração regida por uma estrita economia do tempo de ver, e de fazer dessa visão um modo de presença que é disponibilidade para acolher uma intensificação de emoções, repete actos tão usuais como subir uma escada, folhear um livro (de imagens), comer, dançar, dormir, entrar em casa. etc. Actos mínimos, recolhidos e não representados - e ao contrário da tradição do happening não desmontados ou denunciados mas ilusoriamente preservados para um efémero momento repetível.
Conquista-se assim uma dignidade plena do ver (como noutros retornos ao suporte bidimensional do quadro), num percurso pela acção. Visão em acto, portanto já não marcada por qualquer fatal transgressão que praticas de crueldade antes encenaram. Apenas ver, sem mácula e sem medo.

Clara Martins

A Galeria António Prates inaugura hoje, 5 de Março, pelas 22 horas, uma exposição de Clara Martins.  A exposição contará com cerca de 20 pinturas, além de uma instalação de grande escala intitulada “Heads Full of Sand” (Cabeças Cheias de Areia). 

'Mihanovichi ', pastel de óleo, tinta da china e acrílico s/ papel s/ tela, 140 x 115 cm, 2009

 

"Don't sit on me", 86 x 300 x 230 cm, 2001

Rui Serra

© Rui Serra, “Faster than light”, Acrílico sobre tela, 170 x 190 cm

Hoje pelas 22h00, a Galeria Graça Brandão inaugura uma exposição de Rui Serra, intitulada “Pelo Buraco da Agulha”.

Raymond Mason, escultor

1922-2010, n. Birmingham - Paris (dd 1946), um escultor nada canónico e pouco conhecido por cá (mas foi na Artacapital que sobe da sua morte)

«La tendance actuelle voudrait qu’on mette le moins possible dans une œuvre d’art. Ma réponse serait plutôt qu’on y mette tout.»

"Le départ des fruits et des légumes du coeur de Paris, le 28 février 1969" /“The Departure of the Fruits and Vegetables From the Heart of Paris, 28 February 1969”. Baixo-relevo de Raymond Mason (Église Saint-Eustache) junto às antigas Halles

Um escultor hors-normes ou singular (sem o sentido habitual de outsider) - como devem ser todos os grandes artistas: aquele que faz as suas próprias regras. À margem ou em oposição, ou em diálogo livre, com a a tradição escolar (académica). A versão canónica da história do séc. XX (autoritária, académica ou oficial - ver Foster, Krauss, etc) a escultura passa (tem de passar) pela abstracção, a forma pura e mínima (um reducionismo), e pela apropriação do objecto real (da colagem e do object trouvé à mise-en-scène ou instalação - outras explorações que são depois reduções do fazer artístico). Há mais mundos, outras pistas.

Admirador e amigo de Giacometti (tb de Cartier-Bresson e Jean Clair), Mason era por vezes incluído entre os artistas da "Escola de Londres" por continuar uma tradição figurativa que se afirmou no 2º Pós-guerra. Era também um artista da Marlborough