Alexandre Pomar

1 Kokoschka 1

exposto no CAM*
Há pouco tempo veio ao MNAA um quadro de Rembrandt, um retrato do filho (Titus sentado à secretária, de 1655 - ver aqui: 1-rembrandt-1 ). Agora aparece-nos um auto-retrato de Kokoschka, de 1971-72. Afinal, nem tudo são desastres nos museus portugueses.  E com obras únicas desta qualidade, já vai sendo um ano memorável (levando à prática a famosa norma oficial do fazer mais com menos).

Time, Gentlemen Please. / Tempo, Senhores Por favor, 1971-2.
Oil on canvas - 130 x 100 cm. Col. Tate © The estate of Oscar Kokoschka

Oskar Kokoschka (March 1, 1886 - February 22, 1980: nascido na Austria, foi um "expressionista vienense", viveu em Inglaterra de 1936 a 46, tornou-se britânico em 1947 e continuou a visitar regularmente o país, vindo a morrer na Suíça já com 94 anos: www.tate.org.uk/...bio ) De hoje a um ano, os 30 anos da sua morte seriam um bom pretexto para mostrar um dos melhores pintores do séc. XX (e também dos menos conhecidos, porque não cabe no cânone académico em vigor, ou porque tem uma obra demasiado grande, ou foi demasiado "apátrida" e itinerante, ou?).

Este é o último dos seus auto-retratos, pintado aos 85-86 anos, à porta de um pub à hora do fecho, interpelado por uma figura da morte.

"The closing-time call, so familiar in British pubs, signals for the artist the arrival of Father Time, personified by the bearded figure whose hand is on the latch of the door. Walking towards the door as death beckons, Kokoschka turns momentarily and faces the viewer with one last, agonised stare, confronting the inevitability of his death. The vigorous paint handling and intensity of facial expression make this painting a particularly moving example of Kokoschka's late work, akin in its mixture of animation and psychological urgency to the late works of Picasso. Begun when Kokoschka was eighty-five years old, this is the last of his many self-portraits." (From the display caption August 2004 - Tate)

VER TB

Colecções
http://alexandrepomar.typepad.com/andre_pomar/2009/02/ver-aquiarchibald

Colecções 2
http://...colec%C3%A7%C3%B5es-2.html
Kokoschka, o retrato e Tomàs Llorens
http://...kokoschka-zobernig-e-llorens.html

colecções 2

Quanto ao tal Heimo Zobernig, dois exemplos  ((*ver nota final de 8 de Março*))

e

em cima, uma tela verde (óleo) de 2000 instalada sobre tecido verde; em baixo, uma tela branca com lixo variado (fragmentos de cristal, etc), de 2008, sobre parede branca.

colecções

Não são os trabalhos escolares (académicos) de Heimo Zobernig que me interessam, mas as duas galerias laterais do CAM onde ele dispôs muitas obras das suas colecções, portuguesa e britânica, e mais algumas (9?) vindas da Tate, GB. A paródia do modernismo que ele próprio pratica, e que me parece ter um reduzido interesse, espelha-se numa montagem bem acumulada, numa sequenciação imaginativa que percorrre a cronologia (e os artistas "residentes") com razoável liberdade (*a sequência é estritamente cronológica, a selecção das obras é que é muito livre* nota de 8 de Março) e, em geral, numa escolha de obras com várias surpresas, muito desprendida das censuras e das limitações de gosto que presidem às habituais selecções museológicas dos estilos modernos. Para além das visitas ao CAM (e dois meses de estudo da colecção, diz-se) teve certamente a colaboração, a diversos títulos, de Jorge Molder e de Jurgen Bock, este apontado como "curador".

Por exemplo, a aproximação desta gravura abaixo da autoria de um artista ignorado a uma tela de Amadeo ("entrada"), também de cerca de 1917, cria uma curiosa pista de especulações (o tempo era de guerra e a quinta de Manhufe um bom refúgio - o trabalho, a arte e a ociosidade dos ricos - a máquina e o pincel, trabalho manual - a mudança dos tempos, o trabalho da mulher, a representação "tradicional" e a pintura moderna, etc):

Archibald Standish Hartrick  1864-1950
from "The Great War: Britain's Efforts and Ideals" (série) : Women's Work: On Munitions - Heavy Work (Drilling and Casting),  circa 1917 - Lithograph, 46,1 x 35,7 cm

Colecção Tate

Ilya Kabakov no CAM/Acarte em 1995

 Arquivo * EXPRESSO Revista de 9-Set.-95

"Arte total"

O Centro de Arte Moderna apresenta uma instalação do mais famoso dos artistas ex-soviéticos: Ilya Kabakov: "Incidente no Museu ou música aquática" põe em cena a relação entre a palavra e a imagem, criando personagens e obras que questionam a realidade e a memória da arte

Os Encontros Acarte são um contexto particularmente atraente para a apresentação de Ilya Kabakov, o mais famoso dos artistas ex-soviéticos, autor de «instalações totais» que é possível considerar como «peças de teatro onde os objectos se substituem aos protagonistas» (Robert Storr). Exposição ou espectáculo, Incidente no Museu ou Música Aquática, apresentado em 1992, em Nova Iorque, e remontado na galeria do Centro de Arte Moderna, é uma criação narrativa e cenográfica, uma obra de ficção plástica (?), em que a pintura, a música, a escrita e o espaço onde tudo acontece se integram num todo indissociável. 

O fim de um museu

Serralves nunca foi um museu. Usurpou o nome, que teve um significado e um prestígio próprio, mas funciona como uma galeria de exposições, uma kunsthalle. Lugar de passagem de exposições, casa de passe, onde o monta desmonta se substitui à sedimentação, revisão, rotação de uma colecção - sem prejuízo dos espaços para outros programas de prospecção, investigação, divulgação. Um museu, uma colecção, é uma narrativa, a construção temporária de um sentido. Um acervo nas reservas identifica um armazém, um depósito, não um museu.
Entende-se a lógica do não-museu, o parque de diversões, porque quantas obras das que se vão adquirindo aqui e ali, por estas ou aquelas razões e cumplicidades, e vão directas para as reservas, sustentariam as razões associadas a um tempo longo, passada a impressão de novidade ou só da aparente surpresa. A ideia de escolha (sujeita a revisão sucessiva) no que ela implica de exigência de significado e qualidade, e no que pretende de perdurável (não imutável) é alheia aos critérios de programação. É a indiferenciação que sempre reinou, sobre o compromisso firmado entre uma estratégia de recuperação institucional dos anos 60 (circa 68) e uma lógica de mercantilização alargada de produtos destituídos de quaisquer condições ou especificidade - quem cauciona o quê nessa rede de interesses?  Não se trata de definir um cânone (nunca se tratou de definir um cânone nos museus... - os museus são recentes, e a prioridade ao efémero contemporâneo foi a regra até ao construir da história da arte como disciplina na segunda metade do séc. XIX); trata-se de distinguir, de ensinar a distinguir, de separar a moda e o sentido mais vital e profundo... Um exemplo só: aqueles não são Rauschenbergs de museu, são de galeria... - e foi-se perdendo a consciência dessa diferença. Quem não viu outras obras não fica a saber porque é que R. foi um artista de grande importância (não basta incumbirem publicitários de dizer que o homem/é foi um grande artista. Mas a idea de importância relativa e a exigência de saber não são politicamente correctas.

Celestino Mondlane

1

Celestino Mondlane, ou Mudaulane. O nome oficial e o nome tradicional (ou nativo, do clã), caído em desuso e esquecido, mas que  ele recupera como  afirmação de identidade.  O desenho, que se estende por dez folhas e mais de dois metros de lado, refere-se a um festival cultural em Inhambane de iniciativa oficial. Reconhecem-se os músicos e dançarinos tradicionais, o batuque e as máscaras, e à direita outras máscaras, fardas e capacetes.

Celestino é claramente  uma presença diferente no contexto dos "ateliers" do Estado do Mundo, ou o "Sítio das Artes - Residência das Artes",  que ocupa o CAM, só até dia 28, sábado (e não 29 domingo como se escreveu antes). Se a condição de artista africano  se reconhece de imediato  nas obras expostas ou em execução,  existe também um diferente entendimento do que é uma  "obra".

site oficial   
Celestini Mondlane no  blog oficial 

Não vale a pena voltar ao tema, mas esvaziar  o museu para instalar (jovens) artistas em exercícios públicos de produção é uma ideia peregrina que marca mal o ano comemorativo. Pode ter sido um "lugar" para frequentar (não foi o meu caso), mas não para visitar. Quanto a resultados (contrapondo diferentes realidades e ambições: a "criação" e o resultado; lugar de trabalho e lugar de apresentação de trabalho) ver-se-á sábado como funciona.

Gulbenkian confidencial

Durante três dias, três mesas redondas, na Fundação Gulbenkian, puseram a “Arte contemporânea em debate”, no âmbito do programa cultural e educativo que acompanha a exposição “50 anos de Arte Portuguesa” (até 6 Set.). Note-se que o título era na realidade lateral aos temas em análise, num desvio muito significativo: em vez da arte contemporânea, que se poderia ou deveria entender como a produção dos artistas, ou seja, a criação, era a recepção, aquisição, apresentação e avaliação, gestão e conservação que preenchia a agenda das três sessões: Colecções (dia 27); Crítica de Arte (28); Museus/Centros de Arte (29).
Troca-se muitas vezes a relação com a arte pela administração da arte.

Sommer Ribeiro, a Gulbenkian, o CAM

Também a propósito da exposição "50 Anos de Arte Portuguesa" e dos 50 anos da Gulbenkian... porque faltam alguns dados para se fazer a história.

1 . Em 28/05/94 referi no Expresso  a saída por reforma do arq. José Sommer Ribeiro do Centro de Arte Moderna, que dirigira desde o início (1983):
"CAM: passagem de testemunho"

2 . e a 23/09/2006 publiquei uma brevíssima notícia necrológica

Sommer Ribeiro (1924-2006)

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Também se pode ver, no Diário de Notícias de 20 de Julho de 1981, em página inteira, n.n. ("Reportagem"):

"No 25º aniversário da Fundação
SEGUNDO MUSEU GULBENKIAN É DEDICADO À ARTE MODERNA"

publicado na véspera da inauguração da exposição "Antevisão do Centro de Arte Moderna", com base numa entrevista com Sommer Ribeiro, defenindo-se aí o respectivo programa e recordando-se as vicissitudes que conheceu o seu projecto.

Jorge de Brito, a colecção e a Gulbenkian

1 - A propósito da exposição "50 anos de arte portuguesa" e dos 50 anos da Gulbenkiam, um texto publicado na morte de Jorge de Brito

"Colecção Jorge de Brito"
Expresso Actual de 18/08/2006

A colecção de Jorge de Brito deixa profundas marcas na arte portuguesa, e duas instituições lisboetas (o CAM e o Museu Arpad Szenes - Vieira da Silva) devem-lhe parte do seu prestígio

Há pouca memória no mundo da cultura e, na sua morte (na madrugada do dia 2), Jorge de Brito foi mais recordado enquanto benfiquista do que como coleccionador. A sua intervenção foi essencial para que se começasse a profissionalizar nos anos 60 um mercado para a arte moderna, no mesmo processo em que se firmava o papel histórico de certos artistas. Apesar das convulsões de 1975 o terem impedido de levar por diante a fundação que projectava, a imensa colecção que reuniu marcou a arte portuguesa e deixou vincos profundos em duas instituições lisboetas que lhe devem parte do seu prestígio.

Uma delas é o Centro de Arte Moderna da Gulbenkian, que tem com justiça o nome de Azeredo Perdigão mas só contou com um acervo credível na inauguração, em 1983, porque adquirira à pressa grande parte da colecção de Jorge de Brito (talvez mais de 500 obras, incluindo desenhos). Rodeado de grande discrição, o caso envolveu primeiras figuras do Estado e árduas negociações guiadas por Sommer Ribeiro e João Teixeira, com o coleccionador a refazer até ao fim a lista do que estava disposto a ceder.

Temporada 84/85

"A temporada em balanço 1984/85"
Expresso/Revista de 3 de Agosto de 1985, pág. 42

na linha invisível: se procurou diluir, por