Alexandre Pomar

1900 na Royal Academy

ARQUIVO EXPRESSO Actual 11 Março 2000

«(Os) 4 na encruzilhada»

«1900 – Art at the Crossroad», Royal Academy

Quatro artistas portugueses estão representados na exposição «1900 – Art at the Crossroad», actualmente exibida pela Royal Academy de Londres (até 3 de Abril). São eles António Carneiro (1872-1930), com o tríptico A Vida: Esperança, Amor, Saudade, de 1989-1901, pertencente à Fundação Cupertino de Miranda, de Vila Nova de Famalicão; Aurélia de Souza (1866-1922), com o seu justamente famoso auto-retrato de cerca de 1900, do Museu Soares dos Reis; Columbano Bordalo Pinheiro (1857-1929), com A Chávena de Chá, de 1898, e Luciano Freire (1864-1935), com Perfume dos Campos, de 1899, estas duas últimas obras cedidas pelo Museu do Chiado.

Luciano Freire (1864-1935), Perfume dos Campos, 1899, do Museu do Chiado

1900, lá fora e em Lisboa

Antes de  CEM ANOS ANTES, na Gulbenkian (EXPRESSO Revista 08-07-2000), tinha saído

2 - EXPRESSO Actual 01-07-2000

"Fim de século"

PORTUGAL 1900, Fundação Gulbenkian (Até 10 de Setembro)

OS PAÍSES próximos, Espanha, França, Grã-Bretanha..., dotaram-se de estruturas para organizar as celebrações do milénio, com festejos, inaugurações de equipamentos, exposições e congressos que repensam as marcas iniciais de uma era moderna que não se sabe se ainda continua ou não. Por cá, a data não escapou ao Museu Gulbenkian, que esta semana inaugurou uma exposição evocativa da anterior passagem do século em Portugal. É uma abordagem multidisciplinar que procura apresentar uma imagem abrangente e sintética do que eram a sociedade e arte em 1900, onde o panorama artístico aparece focado, na segunda metade do percurso, sobre a representação então enviada à Exposição Universal de Paris.

Aberta pelos retratos de D. Amélia e D. Carlos, a mostra ocupa-se de arquitectura e urbanismo, economia, teatro (que tinha lugar destacado na vida cultural e social), mobiliário, literatura (é o ano da morte de Eça de Queiroz), ao longo de uma sequência de pequenos núcleos, e tem uma presença muito forte da documentação fotográfica, em painéis ampliados - embora a fotografia, no que diz respeito a provas originais, esteja totalmente ausente. Rafael Bordalo Pinheiro é certamente a figura mais marcante, através da sátira política desenhada e da criação cerâmica. Um extenso catálogo completará a exposição, incluindo um grande número de sínteses sectoriais.

2002, Tate, Lucian Freud

Não é daqueles pintores de quem se pode dizer que é conhecido, está visto. Mas por enquanto releio o que escrevi por ocasião da anterior grande retrospectiva em Londres (com digressão por Barcelona, La Caixa, e Los Angeles, MoCA)

Reflection with Two Children (Self-Portrait), 1965 / Reflet avec deux enfants (autoportrait), 1965
© Madrid, Museo Thyssen Bornemisza / photo : José Loren / Lucian Freud

EXPRESSO Revista 10/8/2002

"Em carne viva"

No século da abstracção e dos corpos desfigurados ou fragmentados, a pintura de Lucian Freud levou mais longe que nunca a observação da realidade humana. A Tate Britain expõe a sua obra (Room Guide: http://www.tate.org.uk )

Desde há várias décadas que a pintura de Lucian Freud é classificada como chocante, perversa, cruel ou mórbida, e o seu autor referido como um terrível e misterioso personagem. Hoje, perante a sua mais extensa retrospectiva de sempre, no ano em que vai fazer 80 anos, discute-se se é ou não o maior dos pintores vivos e é admirado como o último dos «Old Masters». Mesmo se há agora menos lugar para o escândalo, a pintura de Freud não deixou de ser perturbante pelas razões de sempre - a presença real (mais do que realista) da figura humana nos seus quadros, a excessiva veemência física dos corpos representados como carne, a nudez crua dos seus modelos femininos e masculinos observados sem complacência e sem pudor, a desmesura e a deselegância de algum desses modelos, a relação pessoal do pintor com os corpos devassados e expostos das suas mulheres, amantes, filhos e amigos. Vê-lo como um pintor consagrado não deverá significar um olhar distanciado e reverente sobre as obras, que continuam a ser incómodas e nos interpelam como um desafio irresolúvel.

 

mais 10 páginas a meu cargo e ainda 4 sobre a "Família Freud" pela Isabel Margarida de Sousa

Freud, 2002 - 2

ARQUIVO: EXPRESSO Revista 10/8/2002 - 2

"O retrato ausente"

Três quadros brilham pela ausência na Tate Britain.

Um deles é o retrato da Rainha, pintado para as celebrações do jubileu e agora exposto em Buckingham Palace. Só a coroa distingue o rosto de uma idosa mulher comum, penetrantemente sondada para além da máscara oficial, para escândalo de muitos súbditos. Avesso a retratos de encomenda, Freud recusou-se a pintar o Papa, o príncipe Carlos e Diana. Desta disse que nunca lhe adivinhara a personalidade sob a imagem pública. Kate Moss candidatou-se com mais sorte. Ainda não chegaram ao fim as sessões de pose, acompanhando a gravidez da supermodelo, mas anunciou-se que o quadro se juntará à retrospectiva se for terminado a tempo. A expectativa dos tablóides, e não só, é imensa.

 Francis Bacon  1952, Oil on metal, 178 x 127 mm © Tate (TATE ONLINE: o retrato está agora em rede sem referência ao roubo)

As séries de Monet, Londres 1990

Arquivo EXPRESSO Revista 15 Set. 1990, pp. 83-84 (já não posso reconsiderar o lastro formalista da apresentação: a ideia do motivo como mero pretexto, a desrealização: a declaração do pintor: «O motivo é para mim uma coisa secundária, o que eu quero reproduzir é o que há entre o motivo e eu.» não pode ser interpretada como recusa do motivo, porque é a qualidade da sua presença e a relação "entre" que são essenciais)

Londres, O novo velho Monet

A última das super-exposições de 1990 está em Londres, na Royal Academy: as séries pintadas por Monet na década de 1890 pela primeira vez reunidas (quase) como foram mostradas em vida do pintor. É a oportunidade para rever o lugar de Monet na génese da modernidade

VELASQUEZ, em Nova York e Madrid; Van Gogh, em Amsterdão; Monet, em Boston, Chicago e Londres. Operações diplomáticas triunfais, celebrações de centenários, gigantescas iniciativas de «sponsorização». As exposições marcam agora os calendários culturais e os itinerários turísticos.
As Meninas viajam de avião. Os recordes de entradas caem tão depressa como os dos preços dos leilões. Os bilhetes vendem-se com meses de antecedência e incluem-se nos programas das agências de viagens (como já sucedia, aliás, para Glyndebourne ou Salzburg). Os quadros vêem-se por entre filas compactas onde não se pode parar, ganhar distância, voltar atrás. A industria dos catálogos, «tee-shirts» e «gadjets» permite aos governos cortarem os orçamentos que antes atribuíam aos museus.

Monet agora inaugurado na Royal Academy é a última das grandes exposições de 1990. Foi organizada pelo Museum of Fine Arts de Boston, assinala os 150 anos do nascimento do pintor (14 de Novembro de 1840) e constitui uma iniciativa que só o apoio mecenático de uma grande multinacional (1,4 milhões de dólares oferecidos pela Digital, empresa líder mundial de sistemas e serviços informáticos) poderia permitir.

 

Corot em Madrid, 2005

(Arquivo EXPRESSO, 30 –07-2005)

Antes de Fantin-Latour, o Museu Thyssen tinha mostrado Corot. Vários elementos os ligam e tb às duas exposições, desde logo o mesmo comissário, que vem procedendo a releituras aprofundadas de artistas menos populares do séc. XIX. Ambos foram muito coleccionados por Gulbenkian (sete Corot; quatro Fantin), ambos tiveram em vida entrada admirada no Salon, apesar da carreira singular e não académica, e ambos tiveram um grande (ou maior) mercado fora de França (Corot na América, Fantin em Inglaterra). Ambos fazem vacilar as classificações que em geral se vêem ou valorizam mais do que as obras, e são por isso ditos inclassificáveis. Ambos não se vinculam ao lançamento de movimentos e inovações, ambos atravessam com originalidade pessoal diferentes "conjunturas" e caracterizações estilísticas. Ambos são extraordinários pintores.

Sobre Fantin-latour em Lisboa: ver texto informativo do Público (sem indic. de autor) no site do CNC: http://www.e-cultura.pt/DestaqueCulturalDisplay.aspx?ID=1232

"Corot por inteiro"
Em Madrid, uma obra do século XIX sob novas abordagens

Não é um nome que arraste multidões ou se identifique com a definição de um estilo ou com uma ruptura histórica. Às vezes chamou-se-lhe um precursor dos impressionistas, e alguns deles declararam-se de facto seus discípulos, mas é uma classificação pouco acertada, que condiciona a visão da obra, ou apenas de uma das suas direcções, à interpretação de evoluções futuras. A pintura de Camille Corot (1796-1875), aliás, foi sendo apreciada pelos contemporâneos e depois pela história da arte por diferentes ou mesmo opostas razões, valorizando ou esquecendo importantes aspectos da sua longa e diversificada carreira. A controvérsia está longe de se encerrar, e as reapreciações dos últimos anos trouxeram novos elementos ao debate. Rever a obra dum grande artista histórico não é repisar o que já se sabe. Os aspectos considerados mais inovadores das suas primeiras vistas «do natural», a espontaneidade exacta das formas e a firmeza da utilização construtiva da luz, relacionaram-se com os estudos que praticavam há muito os pintores neoclássicos de Roma, na linha das «pochades» de Pierre de Valenciennes (1750-1819); as composições poéticas e artificiais do período tardio, que fizeram o êxito comercial de Corot e a crítica modernista preferiu ignorar, são consideradas por alguns como o expoente mais radical da sua obra.

Charley Toorop

1940, Auto-retrato, Charley Toorop

Vi-a pela 1ª vez numa grande exp. do Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris em 1994: La beauté exacte. De Van Gogh à Mondrian. Art/Pays-Bas/XXe siècle. A capa do catálogo partilhava-a Charley Toorop (1891-1955) com Piet Mondrian (1872-1944), e era ela a última grande figura do panorama holandês.

Agora encontro-lhe por acaso uma retrospectiva com 120 obras no Museu Boijmans de Roterdão, aonde cheguei a propósito do Rembrandt que veio para o MNAA. Esta exposição irá depois para Paris, de novo para o MAM.

historias modernas - índice

(inacabado 2009/2010)

1995 Cézanne em Paris, "Razão e emoção", Grand Palais (Exp. 28-10-95) http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2007/12/czanne-em-paris.html

1994 «Alguns quadros têm livros»,  R.B. Kitaj na Tate Gallery, Londres (Exp. 17-09–94) http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2007/12/kitaj-na-tate.html

1995 «Esta arte de primitivos», MARINO MARINI, Museu do Chiado (Exp. 08-07-95)

2002 "Refundar a arte moderna", Puvis de Chavannes (1824-1894) no Palácio Grassi de Veneza (notícia) (Exp- 27-04-02) http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2007/12/puvis-de-chavan.html

2005 "Uma ponte centenária", Die Brücke em Madrid, Museu Thyssen (Exp. 09-04-05

2006 "Do sonho ao pesadelo", Hayter, Poéticas do traço, Gravuras do Atelier 17, 1927-1940,na Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (Exp.11-03-06)

2007 Ferdinand Hodler, (1853-1918), MAM Paris (notícia) http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2007/12/ferdinand-hodle.html

Gustave Courbet (1819-1877), exp. do Musée d'Orsay no Grand Palais, Paris (notícia). http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2007/12/uma-segunda-exp.html

Marino Marini (Chiado 1995)

A primeira exposição de um artista estrangeiro no novo Museu do Chiado e também a sua primeira co-produção internacional.

EXPRESSO CARTAZ 08-07-95 (Foi capa dessa edição)

«Esta arte de primitivos»

MARINO MARINI
Museu do Chiado

O Museu do Chiado e o Instituto Português dos Museus estreiam a sua primeira exposição de um artista estrangeiro e também a primeira co-produção internacional, associando-se ao Museu Réattu, de Arles, para apresentar um grande escultor italiano, cuja obra ocupou um lugar de destaque nas décadas do pós-guerra.
Marino Marini (1901-1980) foi, com efeito, um nome de celebridade crescente desde os anos 30 até ao final da década de 60, ombreando em muitas situações com a fama de escultores como Giacometti, Henry Moore e Germaine Richier (ou Calder e Arp), seus quase exactos contemporâneos — e teve também uma influência reconhecida na obra de artistas portugueses. Distinguido sucessivamente com os grandes prémios da Quadrienal de Milão de 1935, da Exposição Universal de Paris de 1937 e da Bienal de Veneza de 1952, o escultor italiano, que manteve ao longo de toda a vida uma paralela produção como pintor e gravador, entrou então nas colecções de museus de todo o mundo e perfilava-se como uma das figuras cimeiras de uma modernidade de tradição humanista reafirmada pela vitória sobre a barbárie.

Hayter e o Atelier 17

EXPRESSO/Actual de 11-03-2006

Hayter e o Atelier 17 nos anos 30 parisienses

"Do sonho ao pesadelo"

"A Poética do Traço - Gravuras do Atelier 17, 1927-1940", na Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (até 9 de Abril

 Hayter não é um artista que arraste multidões, mas é uma referência obrigatória no universo da gravura e o seu nome encontra-se a cada passo quando se percorrem as biografias dos grandes criadores do século XX. Para além das suas contribuições para a história da gravura moderna, primeiro através da divulgação das técnicas de incisão directa em cobre, depois com o aperfeiçoamento de novos processos de impressão a cores, foram inúmeros os artistas que trabalharam nos seus vários estúdios, em Paris nos anos 30, em Nova Iorque, durante e depois da II Guerra, e de novo em Paris, a partir de 1950, todos eles designados pelo mesmo nome, Atelier 17.

A exposição dedicada a Stanley William Hayter (Londres, 1901 - Paris, 1988) concentra-se sobre o primeiro período parisiense, ilustrando um tempo marcado pela afirmação do surrealismo e o acumular das nuvens negras das crises que desembocam na Guerra de Espanha e na deflagração do conflito mundial. A par da sua própria obra gravada, representam-se em particular o trabalho de Arpad Szenes no Atelier 17 e, em conjunto, outros artistas que o frequentaram, como Picasso, Max Ernst, Masson, Tanguy, Hélion, Ubac, Vieira da Silva, etc.

Die Brucke, centenário em Madrid

ARQUIVO

Expresso/ Actual de 09 Abril 2005

Uma ponte centenária

 Cem anos de Die Brücke comemorados em Madrid- no Museu Thyssen

    O ano de 1905 é apontado como a data de começo do século XX, quando se procura localizar com algum acontecimento preciso uma dinâmica de viragem no terreno das artes plásticas. A tradição francesa toma como início da era das vanguardas o escândalo desencadeado na imprensa à volta da sala que reuniu as obras de Matisse, Marquet, Derain e Vlaminck, no Salão de Outono de Paris, em Outubro; alertado a tempo, o Presidente da República recusou-se a comparecer à inauguração, e a polémica em torno da «jaula das feras» («la cage aux fauves») deu origem, como sucedera com o impressionismo, à designação de uma nova estética.

Poucos meses antes, precisamente a 7 de Junho, em Dresden, quatro jovens artistas - Ernst Ludwig Kirchner e Fritz Bleyl, arquitectos recém-diplomados, e Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff, ainda estudantes - firmavam o «acordo fundacional do grupo de artistas Brücke» (Ponte), logo depois transformado em associação, com membros activos e sócios passivos que os apoiavam. À data, não eram mais do que quatro amigos determinados a vencer as recusas das galerias, mas o grupo iria rapidamente afirmar-se, já com os ecos do fauvismo impregnados pelas raízes culturais nórdicas, como o primeiro movimento expressionista alemão - em 1911 surgiria, em torno de Kandinsky e Franz Marc, o grupo Blaue Reiter (Cavaleiro Azul). O nome escolhido não identificava um programa, mas uma vontade de mudança: «Do que nos tínhamos de afastar estava claro; aonde iríamos parar, porém, era algo mais incerto», escreveu depois Karl Schmidt-Rottluff. Com uma muito provável influência do vitalismo filosófico de Nietzsche, para quem «a grandeza no ser humano é ser uma ponte, não uma meta».

Balthus (1908-2001)

Expresso Cartaz, 24/2/2001, pág. 8

A magia do real

Balthus (1908-2001), uma obra contra as rupturas do séc. XX

AO LONGO DE UM SÉCULO que cultivou as rupturas, Balthus personificou a continuidade do ofício da pintura, aprendido com os mestres antigos. Nunca se associou a movimentos, nem a obra se pode definir numa fórmula. Durante décadas envolveu a biografia em mistério e fez da sua pintura realista, não fotográfica mas realizada diante dos modelos ou da paisagem, uma afirmação de estranheza, a revelação dos poderes do sonho ou da magia. Controverso e alvo de juízos contraditórios, marginal à sucessão finalista das tendências modernistas, combateu o academismo usando métodos conservadores e dirigindo a Academia Francesa em Roma.

Autor de uma obra lenta e escassa (terá pintado cerca de 300, foi primeiro um pintor de culto, mais admirado por artistas e escritores, até ser descoberto pelo grande público, em parte devido à escandalosa intensidade erótica das suas adolescentes expostas e expectantes. Às insinuações de pornografia, respondeu em anos recentes com argumentos insólitos: «A minha pintura é uma espécie de oração para celebrar a beleza divina». Camus escrevera no prefácio de uma exposição de 1949: «Aprendemos que a realidade mais quotidiana pode ter este ar insólito e longínquo, a doçura sonora, o mistério velado dos paraísos perdidos. Balthus pinta vítimas mas significativas. Uma faca, nunca o sangue. (...) Não é o crime que lhe interessa, mas a pureza.»

Faleceu no domingo passado quase com 93 anos, no seu «chalet» suíço do séc. XVIII, na companhia da segunda mulher, Setsuko,uma japonesa 35 anos mais nova que retratou em La Chambre Turque, de 1963-66. Foi um casamento ecuménico com o extremo-oriente e a cultura clássica chinesa, por parte de um pintor erudito e autodidacta. A formação adquiriu-a nos museus, como ainda era frequente nos anos 20-30, copiando Poussin no Louvre e depois em peregrinação pelos frescos de Giotto e Piero della Francesca.

Balthus em Madrid

Da vida das imagens

Expresso Revista 16-03-96

QUANDO a arte do século XX está à beira de deixar de se poder dizer contemporânea para se tornar a arte do século passado, Balthus é um dos artistas que assegura a passagem da pintura para o próximo século, precisamente porque a sua obra não pode ser vista apenas como um episódio na história dos gostos, das vanguardas e das crises dos últimos cem anos, que ele quase atravessou por inteiro.

A retrospectiva apresentada no Museu Rainha Sofia, em Madrid, que muitos viram por ocasião da feira Arco, e que se prolonga até 1 de Abril, é uma rara oportunidade de encontro como uma obra quase secreta, tão venerada como polémica.
São 52 os quadros expostos, desde as primeiras pinturas parisienses dos anos 20 até à mais recente tela do pintor, seguindo um percurso cronológico que é, pelo menos, tão excepcional pela longevidade, que nunca se deixou aprisionar num formulário repetido, como pela originalidade do diálogo que a mestria de uma pintura "antiga» foi sempre estabelecendo com sucessivas tendências do seu tempo, mesmo quando parecia traduzir uma atitude liminar de condenação do novo.

Ferdinand Hodler

Ainda há artistas desconhecidos ou pouco vistos, e Ferdinand Hodler (1853-1918) é um dos grandes nomes do final do século XIX que não se inserem nas sínteses canónicas do modernismo.
É apresentado agora em Paris no Museu d'Orsay pelo seu director, Serge Lemoine, que tem vindo a iluminar caminhos menos percorridos.

"De son vivant, Ferdinand Hodler fut considéré comme l'un des artistes les plus importants et comme l'un des chefs de file de la modernité. Né à Berne en 1853, il vit à Genève jusqu'à sa mort en 1918, mais il accomplit une carrière européenne, jalonnée de succès et de scandales. Il est membre des grandes Sécessions et voit son oeuvre saluée à Vienne, Berlin et Munich. Paris lui réserve un triomphe en 1891 à l'occasion de l'exposition de son tableau manifeste, La Nuit (Berne, Kunstmuseum), interdit d'exposition pour obscénité par la ville de Genève. Mais au même moment, Zürich, Genève, Iéna ou Francfort lui passent d'importantes commandes publiques. Elles sont autant d'occasions pour l'artiste d'expérimenter son goût pour une peinture simplifiée, monumentale et décorative. Hodler est aussi un portraitiste sans concession et un paysagiste hors pair."

Ver Orsay - Hodler

Ferdinand Hodler, La pointe d'Andey, vallée de l'Arve (Haute Savoie). 1909
Huile sur toile,  67,5 x 90,5 cm
Paris, musée d'Orsay (© photo RMN, Gérard Blot)

Puvis de Chavannes

Expresso Actual de 27/4/2002

"Refundar a arte moderna"
Uma exposição no Palácio Grassi de Veneza revê o lugar histórico do pintor Puvis de Chavannes

Uma grande exposição em Veneza propõe-se reescrever a história da arte moderna, trocando a genealogia consagrada, que parte de Manet e dos impressionistas, por um pintor isolado e durante muitas décadas relegado para as reservas dos museus: Puvis de Chavannes (Lyon, 1824 - Paris, 1898).
Artista oficial da segunda metade do século XIX, autor das grandes decorações murais do Panteão e da Câmara de Paris, do anfiteatro da Sorbonne e dos Museus de Amiens, Lyon e Marselha, admirado em vida pelos artistas mais novos mas esquecido na primeiras décadas do novo século.

Pierre Puvis de Chavannes, Le rêve, 1883
Huile sur toile, 82 x 102 cm
Paris, musée d'Orsay (© photo RMN, Hervé Lewandowski)

Gustave Courbet

Uma segunda exp. do Musée d'Orsay, essa apresentada no Grand Palais, faz a actualidade em Paris. Trata-se de Gustave Courbet (1819-1877) - exposto até 28 de Janeiro, antes de passar para o Met de NY e se mostrar depois em Montpellier no Museu Fabre (renovado em 2003 e onde se expõe habitualm. Bonjour, Monsieur Courbet)

Ver diaporamas,  percurso da exp. e extractos do catálogo em RMN/ Grand Palais

A truta, 1872. o./ t. 52,5 x 87 cm
Zurich, Kunsthaus (© Photo RMN / Hervé Lewandowski)

Kitaj na Tate

Expresso Revista de 17 - 09 – 94

R.B. Kitaj na  Tate Gallery, Londres

«Alguns quadros têm livros» 

«Se há livros ilustrados com pinturas, também pode haver quadros ilustrados por livros», diz Kitaj. Ele começou por colar extensos textos manuscritos nos seus quadros-puzzles do início da arte Pop, há cerca de 35 anos, justificando a heresia, que podia ser também um gesto neo-dadaista, com o precedente das notas de roda-pé que T.S. Eliot associara ao seu poema mais famoso,The Waste Land. Depois tomou o gosto de fazer «prefácios» para muitas das suas obras, publicados nos catálogos («Pictures with commentary. Pictures without commentary», logo na primeira exposição de 1963, na Marlborough) ou expostos em tabelas anexas, tal como se vêem hoje nos melhores museus.

Cézanne em Paris, 1995

À procura no arquivo de algumas coisas superiores...

Expresso Revista de 28-10-95, pp. 20-28
Cézanne:
"Razão e emoção"

A retrospectiva de Cézanne apresentada em Paris não é apenas uma superprodução mediática. é um renovado encontro com as obras e os seus enigmas, que põe em causa as anteriores interpretações críticas

Um século depois da primeira exposição de Cézanne, realizada aos 56 anos por iniciativa do jovem «marchand» Ambroise Vollard, rever a sua obra não é apenas participar numa consagração institucional organizada como uma superprodução mediática. A retrospectiva que se inaugurou no Grand Palais — e que irá a seguir a Londres e a Fidadélfia — é ainda, para a França, a oportunidade de corrigir a relação equívoca que sempre manteve com o seu (maior?) pintor e é também, em geral, a possibilidade de reavaliar, com os resultados de novas investigações, a realidade própria de uma obra que marcou todo o século XX.
Não se trata de revisitar um lugar fixado na história, nem de evocar a figura e a obra como percursores das sucessivas modernidades que delas se reivindicaram, reduzindo-o sempre, certamente, a versões parciais, no duplo sentido de parcelares e falseadas. Esta exposição propõe antes a experiência directa e irredutível da permanência das obras, do seu permanente poder de emocionar, do enigma da pintura — que o século que Cézanne abriu entendeu por vezes como uma tradição perdida.

Vasarely 1906-1997

A utopia Vasarely

Expresso/Cartaz de 22 -03-97

«Quanto tempo foi preciso para fazer desaparecer o mito da mão do artista...» — dizia Vasarely, em 1967, no auge da popularidade da Arte Op. Trinta anos depois, ao morrer quase com 90 anos, a sua obra continua muito presente no mercado dos múltiplos, em capas de livros e obras públicas, mas a notoriedade de Victor Vasarely no âmbito da história da arte contemporânea quase se desvaneceu por completo.
O pintor que recusava a ideia do artista como «ser Único» e preconizava o desaparecimento do criador como executante — «se a arte queria ser, antes, 'sentir e fazer', ela pode ser hoje 'conceber e fazer fazer'» — parece ter sido vencido pelo seu próprio êxito. 

Roy Lichtenstein 1925-1997

A Pop erudita

Expresso/Cartaz 04-10-1997 (Actual)

Roy Lichtenstein foi, com Andy Warhol, falecido em 1987, o artista que mais estreitamente ficou associado às imagens de marca da arte Pop. As suas ampliações de «quadradinhos» de banda desenhada, mostradas pela primeira vez em Fevereiro de 1962, na galeria Leo Castelli de Nova Iorque, asseguraram-lhe um lugar fixo entre os fundadores do movimento, e no momento da sua morte, aos 73 anos, são ainda essas imagens que mais insistentemente se recordam. No entanto, foi apenas durante os primeiros quatro anos da sua carreira como artista Pop que Lichtenstein praticou a apropriação directa de imagens de BD, passando a seguir, desde 1965 e durante mais três décadas, a desenvolver uma obra muito mais complexa e sofistificada.

De Kooning 1904-1997

Arquivo (há dez anos)

De Kooning, um continuador

EXPRESSO/Cartaz de 28-3-97, pág. 3 (Actual)

Se de Willem de Kooning se podia dizer que era o maior pintor vivo, o último qualificativo tornara-se há muito o mais problemático. Como escreveu Philippe Sollers, no «Le Monde», de Kooning não morreu, apenas se acabou de extinguir, muito velho e como que já ausente de si próprio. A doença de Alzheimer dominara-o ao longo da década passada, embora tivesse continuado a pintar talvez até 1990. Faleceu com 92 anos, no dia 19, na casa-atelier que construira em East Hampton (Long Island, N.I.) e foi recordado como o último mestre do expressionismo abstracto ou o último dos grandes pintores, como se diz sempre.

Rauschenberg 1993, 1994, 1997

1

um filme produzido em 1979, entrevistas conduzidas por Barbara Rose e Susan Ginsburg; realização de Michael Blacwood

RAUSCHENBERG
(Artes e Letras)
Domingo, TV2, 21h40

Expresso/Cartaz data ? 1994 / título ?

Em 1964, o grande prémio da Bienal de Veneza foi atribuido a Bob Rauschenberg, consagrando o fim da hegemonia parisiense sobre o mundo da arte. O que a primeira geração de Nova Iorque não conseguira, o reconhecimento internacional, surgia então sob a vaga da Pop, depois da reconstrução europeia, da guerra fria e do efeito Kennedy <na foto, Retroactive II, 1964>. Mas R. não era um artista Pop — e, de facto, o programa desta noite, também magnífico, deveria ter precedido o «Artes e Letras» da semana passada, sobre Lichtenstein.
Produzido em 1979 e centrado na retrospectiva de 1977 no MoMA, o filme constitui um precioso testemunho histórico, graças em especial aos numerosos testemunhos de John Cage, Merce Cunningham e do próprio pintor, recolhidos em entrevistas conduzidas por Barbara Rose e Susan Ginsburg (realização de Michael Blacwood). A memória dos anos 50, onde tudo começou, é por vezes já nebulosa, mas é essencial recordar o clima genésico do Black Mountain College, de North Caroline, em 1948-49 e em 1951, onde o ensino «disciplinador» de Albers, vindo da Bauhaus, se encontrava com a atracção pelo budismo zen e com uma vontade de «abolir as fronteiras entre a arte e a vida» (Cage) que constituia uma interpretação livre de Duchamp.

Courbet em Paris

Gustave Courbet

13 Octobre 2007 - 28 janvier 2008
GRAND PALAIS , Paris

Le Désespéré (détail), 1843-45, (45 x 54 cm) Collection particulière,
par courtoisie de Conseil Investissement Art BNP Paribas - Photo Michel Nguyen

Une exposition organisée par la Rmn et le musée d’Orsay avec The Metropolitan Museum of Art, New York, et la Communauté d’agglomération de Montpellier / musée Fabre.
L’exposition sera présentée au Metropolitan Museum of Art du 27 février 2008 au 18 mai 2008 et au musée Fabre du 13 juin 2008

"Cette exposition-événement présente 120 peintures, une trentaine d'œuvres graphiques et environ 60 photographies sur un parcours de 1500 m². Depuis 1977 (date de la dernière grande monographie consacrée à l’artiste à Paris), de nombreuses recherches en France et à l'étranger ont permis de proposer de nouvelles lectures de l'œuvre de Courbet (1819-1877), dans le contexte de la création artistique des années 1840-1860.
Cette rétrospective souligne la complexité de l’œuvre de Courbet, de ses liens parfois paradoxaux avec la représentation du réel et la tradition picturale. Elle réévalue la place de l'artiste dans son époque, analyse ses liens avec les autres arts, la photographie en particulier. L’exposition donne aussi les clefs de compréhension d’une œuvre protéiforme, de l'énoncé réaliste des années 1848-1855 et de ses conséquences pour l’histoire de l’art. Cette approche permet de s'interroger autant sur la nature du réalisme de Courbet que sur la place de la culture romantique dans son œuvre. Elle met en lumière une influence qui fut décisive pour les tenants de la "Nouvelle Peinture" des années 1860 et les débuts de l'impressionnisme."

Arquivo - Realismos Modernos 1918 / 1945

«Mimesis. Realismos Modernos 1918-1945»
comissário: Tomàs Llorens,
Museo Thyssen-Bornemisza / Fondación Caja Madrid, Madrid, Outubro 2005

1)
"Realismos em Madrid"
EXPRESSO/Actual de 01-10-2005
   
A primeira grande exposição da temporada de Madrid abre dia 11, no Museu Thyssen-Bornemisza e na Fundação Caja Madrid, com o título «Mimesis. Realismos Modernos 1918-1945».

Comissariada por Thomàs Llorens, que deixou o lugar de conservador-chefe do Museu a Guillermo Solana, a exposição tem por objectivo mostrar a difusão do realismo no período entre a Primeira e a Segunda Guerras Mundiais, considerando-o como uma das tendências principais da modernidade. Ao contrário de outras correntes como o surrealismo e a abstracção geométrica, que tiveram dinâmicas organizadas, o realismo é entendido como uma corrente plural que adoptou diferentes características em função dos vários contextos geográficos, sociais e artísticos. Anteriores exposições, como a iniciativa pioneira de Jean Clair, «Les Realismes», no Centro Pompidou em 1983, abordaram os realismos através da justaposição dos vários panoramas nacionais, enquanto Llorens adoptará um enfoque analítico, organizado em seis núcleos temáticos que correspondem aos géneros tradicionais da pintura.

No museu, três secções da mostra percorrem a natureza morta (com Derain, Morandi e De Chirico), o retrato («Identidade Pessoal, Corpo e Representação») e os «Interiores Com Figuras», colocando em destaque, no final, artistas como Casorati e Valloton, Pirandello e Solana, Balthus e Hopper. Na Caja Madrid, continua-se com «Figuras na Cidade» (incluindo Grosz e a relação entre realismos e totalitarismos) e «Novas Paisagens Agrícolas, Urbanas e Industriais» (com Miró, Siqueiros e Rivera, etc.), até ao capítulo «O Artista Frente à História», sobre o período decisivo de combate contra os fascismos, sublinhando aí as obras de John Heartfield, Julio González e Jean Fautrier (série «Otages»). A mostra inclui 145 obras e prolonga-se até 8 de Janeiro, sendo acompanhada por um simpósio internacional (25 e 26 de Novembro).

(---)

2) EXPRESSO/Actual de 29-10-2005   

"Regresso ao real"
Realismo e modernidade revisitados em Madrid

Ultrapassado o limiar do século XXI, é verosímil que a percepção e a memória da arte dos anteriores cem anos venham a sofrer transformações comparáveis às que aconteceram quanto ao século XIX, relegando o que teve curso preponderante nos salões e nas academias para as reservas dos museus. É certamente o que tem vindo a preparar-se, há alguns anos, em retrospectivas da primeira metade do século XX e das longas carreiras criativas que estiveram no centro da modernidade desde o seu início e muito para lá do tempo das suas emergências como vanguarda, Picasso e Matisse, em especial. Trata-se, em grande medida, de desmontar a geopolítica da arte que se estabeleceu a partir do 2.º pós-guerra, com a deslocação do centro de Paris para Nova Iorque e a fixação, pelo formalismo abstracto norte-americano da Guerra Fria, da concepção historiográfica hoje ainda dominante, que entende o modernismo como encadeamento e sucessão de inovações técnicas. A exposição que se apresenta em Madrid sob o título «Mimesis. Realismos Modernos 1918-1945» (até 8 de Janeiro 2006), da iniciativa de Tomàs Llorens, é um dos passos dessa revisão.

Arquivo - Vanguardas russas

"Arte e revolução"
Ascensão e queda das vanguardas russas nas primeiras três décadas do século XX
Madrid, Museu Thyssen

EXPRESSO/Actual de 18-03-2006   

NO QUADRO da redistribuição de lugares geoestratégicos, o império russo exporta arte depois de ter abastecido o mundo de ideologia. Faltam-lhe a produção tecnológica de ponta das novas potências orientais e os subprodutos chineses, mas tem museus imensamente ricos para sustentar a diplomacia de Putin. É neste contexto que parece que viremos a ter a delegação do Hermitage em Lisboa, seguindo a tendência para a multiplicação de museus em «franchising». Entretanto, as grandes exposições russas cruzam o globo, compensando as décadas em que o anterior regime retirara a arte moderna de circulação.

Centenário de Dalí em Madrid

Por ocasião do centenário, assinalado em Espanha em 2004 com alguma justificada prudência, a exposição comemorativa foi uma inteligente abordagem do artista e do fenómeno mediático.

O Dalí nomeado Marquês de Pubol já não era um grande artista, mesmo que o seu museu continue a ser (talvez) o mais visitado de Espanha. (Também lá fui para confirmar que é uma feira grotesca)

EXPRESSO de 31-07-04

Centenário
"Dalí, pintor e impostor"

No ano do centenário do nascimento de Salvador Dalí, a sua pintura vai ser mostrada em Veneza, enquanto em Espanha a principal exposição comemorativa aborda a relação com a cultura de massas

A grande exposição oficial do centenário do nascimento de Salvador Dalí não se realiza em Espanha mas em Veneza. É no Palácio Grassi, sustentado pela Fundação Fiat, que se vai reexaminar a obra do pintor catalão, numa mostra dirigida pela historiadora inglesa Dawn Ades, especialista em Dalí e no surrealismo; será inaugurada a 11 de Setembro e viajará no início de 2005 para o Museu de Arte Moderna de Filadélfia (digressão curta para um artista que em 1979 levou 800 mil visitantes ao Centro Pompidou). Então se poderá voltar a discutir a tese largamente consensual de que a obra relevante de Dalí enquanto pintor se restringe a pouco mais de uma década, entre a aproximação aos surrealistas que se desenha em 1927, sob a explícita influência de Max Ernst, Miró e Tanguy, e o ano de 1939.
O método da «paranóia-crítica», cujo delírio associativo permitiria «materializar com a mais imperialista raiva de precisão as imagens da irracionalidade concreta», foi saudado como uma contribuição original ao surrealismo. A partir dessa data, ou já desde 1934, quando a ambígua atracção por Hitler e a inclinação para uma espécie de neoclassicismo onírico começava a degradar as relações com Breton, a figura do «showman» interessado principalmente na construção do seu mito pessoal vai passar a sobrepor-se à do pintor, na crescente espectacularização de um autoproclamado génio que obteve grande êxito mediático (capa da «Time» em 1936) mas se foi tornando cada vez mais patética à medida que o bigode ia crescendo.

Elizabeth Murray (1940-2007)

"Painters Progress", 1981, 294,5 x 236,2 cm. Col. MoMA

Era um dos artistas actuais que mais curiosidade me despertavam, e tinha comprado há dias na FNAC o catálogo da retrospectiva apresentada em 2005/06 no MOMA (e também no IVAM de Valência no passado verão, na que foi a sua 1ª retrospectiva na Europa). Robert Storr foi o comissário e o autor do extenso estudo publicado.

Morreu no domingo, dia 13 de Agosto, em Nova Iorque; nascera em 1940 (6 de Set.) em Chicago, onde se formou em 1962. 1ª retrospectiva em 1987 no Museu de Dallas.

Não há nenhuma obra sua na Colecção Berardo, mas ficaria bem na companhia de Frank Stella e Shirley Jaffe, a quem "seguiu" na procura de novos caminhos abstractos fora  dos limites modernistas e das restrições minimalistas. Os recortes esculturais e a cor explosiva, com formas orgânicas e referências figurativas, e a presença forte do humor, distinguem a sua pintura desde meados dos anos 70. 
A retrospectiva do MoMA  em 2005, com 65 anos, foi a  primeira mostra monográfica  do Departamento de Pintura desde a reabertura do Museu no ano anterior, e a  quarta  dedicada a uma mulher, depois de Louise Bourgeois, aos 70 anos; Lee Krasner, aos 76 anos; e  Helen Frankenthaler, aos 67.

"Deeper Than D.", 1983 (269,2 x 259,1 cm) Col. part.

Freud, Kossoff, Porter, Downes - NY 2000

A propósito de Fairfield Porter, por ocasião da exp. de Robert de Niro Senior. (Como é diferente o mundo em NY.
Propus uma vez a um museu a ideia de uma exp. diferente, de quatro norte-americanos desconhecidos ou pouco vistos. Claro que não interessavam. Eram Porter e Downes, mais Alice Neel e Wayne Thiebaud -  ou Richard Diebenkorn?)

NOVA IORQUE "Contra a corrente"
EXPRESSO/Revista de 18-06-2000

Quatro artistas ingleses e norte-americanos em Nova Iorque, com exposições em galerias e obras em museus. Com Freud, Kossoff, Porter e Downes comprova-se que alguns pintores menos mediáticos, que foram trabalhando contra as tendências dominantes e observando o mundo, têm um lugar de grande importância na arte do final do século

Fairfield Porter, «The Mirror», 1966 (Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City)

Há vários mundos no mundo da arte de Nova Iorque, como em qualquer outra grande cidade. Nenhum ponto de vista único pode aspirar a uma síntese do que ao mesmo tempo acontece ou se mostra, e diferentes observadores encontrarão diferentes pretextos para propor visões divergentes e sempre parcelares de um mesmo panorama plural.
Lucian Freud, Leon Kossoff, Rackstraw Downes e Fairfield Porter não são artistas jovens ou descobertas recentes que alimentem a actualidade jornalística. São todos figuras isoladas com itinerários diversos e geralmente discretos, e não podem ser associados a um mesmo grupo ou tendência.
O primeiro tem 78 anos e é, depois da morte de Bacon, o mais proeminente pintor inglês; o último morreu em 1975. São artistas pouco conhecidos, raramente mostrados fora dos circuitos anglo-americanos, e as suas obras nunca se prestaram a tornar-se populares. São pintores de obras extremas e contra a corrente, alheios aos programas colectivos das vanguardas e de uma radicalidade incompatível com a circulação mediática. Mas é provável que a mediatização e a massificação da arte, ou mesmo a chamada democratização, exijam sempre a simplificação das obras e a mediocridade.