Alexandre Pomar

2007, uma entrevista de Dalila Rodrigues ("Atlântico")

era directora do MNAA e ministra a Isabel Pires de Lima, a srª da sucursal do Hermitage e do Museu da Língua Portuguesa no MAP, mandava Sócrates

[Revista Atlântico de Junho de 2007 . Nº 27]

Conversas Atlânticas

DALILA RODRIGUES em entrevista:

“O modelo de gestão dos museus incentiva a indigência”

por FÁTIMA VIEIRA

Nos museus portugueses a situação é de “dependência paralisante”, “pobreza orçamental” e “precariedade total”. Praticamente nada vai mudar com a lei orgânica para o novo Instituto dos Museus e da Conservação, resultante da fusão do Instituto Português de Museus e Instituto Português de Conservação e Restauro. Dalila Rodrigues, directora do Museu Nacional de Arte Antiga, não esconde o forte desapontamento e reclama "a autonomia do Museu". [Pouco tempo depois desta entrevista foi afastada pela ministra que se diz da Cultura]

Qual a sua opinião sobre a nova lei orgânica para o Instituto dos Museus e da Conservação (IMC) na qual depositava tantas expectativas?
Numa avaliação global, penso que não resolve os actuais problemas dos museus portugueses, uma vez que se mantém uma igualitária e paralisante dependência estatutária da tutela para os 29 museus, como se todos tivessem a mesma importância, o mesmo mérito e o mesmo desempenho. Há dois aspectos positivos nessa nova lei orgânica, que de facto correspondem às minhas expectativas, e que são a possibilidade de gestão dos apoios mecenáticos directamente angariados pelos museus e a retenção da receita gerada pelo aluguer de espaços. Embora a lei seja muito mais abrangente, no que respeita à vida dos museus portugueses estes são os dois únicos aspectos positivos a destacar, sendo que tudo o resto se mantém.

Portanto estamos ainda muito longe da autonomia que reclama?
Estamos muito longe da autonomia de que este museu precisa para se desenvolver e afirmar tanto a nível nacional como a nível internacional.

Segundo o director do IMC, Manuel Bairrão Oleiro, a autonomia financeira é uma utopia, só faz sentido quando as receitas são muitíssimo mais elevadas do que as obtidas pelos museus portugueses.
É uma utopia pensar que o Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA) terá um dia o número de visitantes que tem, por exemplo, o Louvre. Tenho consciência, evidentemente, da diferença de escalas. Mas não tenho dúvida de que a falta de visitantes e as magras receitas geradas são também o resultado do actual modelo de gestão, que não só não premeia o mérito como incentiva a indigência. E a nova lei orgânica não altera esta situação. O processo de comercialização da imagem, hoje um sector decisivo, mantém-se na estrita dependência da tutela, ficando os museus privados dessa fonte de receita. O mesmo sucede com a totalidade da receita mensal proveniente da bilheteira e da loja (o resultado da venda não apenas do merchandising, mas também de catálogos e livros). Ora, retirar a totalidade da receita mensal ao organismo que a gera, independentemente do seu desempenho, é injusto e desmotivante. Confesso que me surpreendeu o facto de se manter a gestão centralizada das lojas, sem que os directores tenham qualquer poder decisório. De resto, discordo também da actual política normalizadora quanto aos produtos. Cada museu deveria apostar num merchandising próprio. Não me interessa nada ter no MNAA réplicas de azulejos do Museu do Azulejo, sobretudo quando não tenho um postal do apostolado de Zurbarán.

Bairrão Oleiro minimizou as reivindicações de autonomia, dizendo que a questão não é consensual, que as queixas são apenas de um ou dois directores. É assim, está praticamente só nas suas reivindicações?
Eu reclamo a autonomia do MNAA porque tenho a responsabilidade de o dirigir e de o defender, e sou de opinião de que alguns museus deveriam ser entregues às autarquias. Compreende-se, portanto, que não seja a totalidade dos directores de museus a reclamar a autonomia; de resto não concordo que os 29 museus fiquem autónomos. Os exemplos internacionais são, neste aspecto, muito claros: em toda a Espanha, por exemplo, só o Prado e o Rainha Sofia são autónomos.

Este ano manifestou a sua indignação pela redução do apoio mecenático que angariou para o MNAA, (que recebeu apenas 360 mil euros do montante atribuído pelo Millennium BCP, em vez dos 500 mil entregues no ano passado). Como é que será essa distribuição no próximo ano?
Não faço a mais pequena ideia.

Também este ano, a falta de vigilantes trouxe à luz a situação de ruptura a que chegaram os museus. Considera que o problema foi devidamente resolvido?
O problema foi resolvido apenas temporariamente, uma vez que, no caso do MNAA, se efectuaram dez contratos de tarefa, por um período de três meses, neste momento em fase de renovação por mais três meses.

E depois volta tudo ao mesmo?
Espero que não!

Além da falta de vigilantes, quais são os principais problemas que o MNAA enfrenta actualmente?
A dotação orçamental é absolutamente deficitária, servindo apenas para fazer face a despesas de manutenção. As verbas para a programação anual, isto é, para actividades que vão das exposições temporárias à conservação e ao restauro ou à frente editorial, foram este ano de apenas 360 mil euros. Esta situação de subfinanciamento, juntamente com o défice no sector da vigilância, coloca-nos, de facto, numa situação particularmente difícil.

Podemos concluir que o MNAA está em crise?
Se falarmos em crise no MNAA, falamos em crise nos museus portugueses.

E podemos falar em crise nos museus portugueses?
Podemos falar em crise nos museus portugueses e podemos dizer que há largos anos vivem nesta situação, com crescente aceleração dos problemas que a geram. Não há como ocultá-lo. Apesar de neste momento decorrerem obras de requalificação estrutural em alguns museus, em Évora ou em Aveiro, por exemplo, tal facto não desculpa a degradação de edifícios, museografias, condições de exposição nos restantes museus, sobretudo no principal museu português.

Quando aceitou o cargo (no final de 2004) estava ciente de todas estas dificuldades, ou foi pior do que o que esperava?
Estava ciente de todas as dificuldades excepto de duas, datadas deste ano. A primeira foi o facto de não ter sido concedido ao museu a totalidade do apoio mecenático. Em pleno processo negocial, fui muito clara quando informei quer o director do IPM quer o mecenas que não aceitava menos de 500 mil euros anuais pelo mecenato exclusivo, justamente porque precisava de uma programação dimensionada à escala do museu e à expectativa dos públicos. A redução do apoio mecenático acordado foi injusta e desmotivante. A segunda dificuldade que me surpreendeu foi a situação de ruptura gerada pela falta de vigilantes. Nunca supus que não fossem tomadas medidas para evitar a situação de encerramento, que há muito se adivinhava com o fim do programa do Mercado Social de Emprego, um programa que servia para resolver, não estruturalmente, mas de ano a ano, a questão da vigilância. Nunca imaginei ter de fechar cerca de 40% do percurso expositivo do MNAA.

Quais considera que foram os seus grandes êxitos à frente do museu?
Penso sobretudo no imenso trabalho que há a realizar. Mas sinto alguma satisfação pelo trabalho diário que tem vindo a ser feito pela equipa, e que nem sequer assume visibilidade, como, por exemplo, a reorganização das reservas, a limpeza das zonas de armazenamento, a formação dos vigilantes na área de relações interpessoais e competência de atendimento, e que fazem com que sinta o museu mais qualificado. Em termos de impacto junto do público, a programação de exposições temporárias parece-me estruturada em critérios que têm tido sucesso: exposições organizadas a partir de colecções próprias, como foi a dos desenhos, ou de uma nova aquisição, como a pintura de Frei Carlos, e uma grande exposição internacional, no ano passado a Colecção Rau, e este ano O Brilho das Imagens, que lamento não ter mais público, porque é uma extraordinária exposição. Como historiadora de arte tenho imenso orgulho em tê-la programado.

Quando exposições desta qualidade não se traduzem num êxito, o que é que falha?
Falha a resolução de problemas estruturais, que são fundamentalmente dois: o actual modelo de gestão e a acessibilidade. Repare, o Prado e o Louvre têm uma clara centralidade no tecido urbano e o acesso garantido através dos mais diversos meios de transporte. O MNAA inscreve-se numa zona privilegiada da cidade do ponto de vista da paisagem, mas tem apenas como meio de acesso o autocarro e não tem estacionamento. Os públicos que aqui vêm são públicos muito esforçados. É evidente que nós, portugueses, não conseguiremos ter os públicos do circuito do turismo internacional que o Prado ou o Louvre têm. Mas também não fazemos nada para tal. Nem para garantir o acesso dos públicos nacionais escolares ao património artístico de referência. Confesso que não compreendo e não me conformo com este desinvestimento nos museus portugueses.

Como se poderia resolver o problema da acessibilidade?
Poderia resolver-se através da ligação desta zona da cidade ao rio e através da requalificação dos edifícios abandonados na zona de Santos. De resto, o arquitecto Souto Moura chegou a idealizar uma passagem pedonal, com elevador, sobre a 24 de Julho, que serviria não apenas o museu mas também o seu envolvente.

E o projecto ficou na gaveta?
Era suposto que a Câmara Municipal de Lisboa assumisse este projecto como uma prioridade. O professor Carmona Rodrigues tinha-me garantido o seu empenho na execução do projecto, e agora terei com certeza oportunidade de apresentá-lo ao novo presidente da Câmara, que espero que esteja receptivo à ideia de eleger como prioritária a resolução desta questão.

Mas mesmo resolvendo-se estes problemas haveria sempre o da falta de hábitos enraizados de fruição cultural em Portugal…
Os portugueses visitam muito pouco os seus museus, é verdade, mas fazem-no no estrangeiro. Os museus terão alguma responsabilidade nisso, mas não tenho qualquer dúvida em considerar que a principal responsabilidade resulta do desinvestimento do Estado. O Estado não pode considerar a Cultura um acessório e não pode deixar os seus museus chegar à situação a que chegaram: uma situação de sub-financiamento, de precariedade total, que evidentemente se reflecte ao nível dos públicos.

Para si qual deve ser o papel dos museus?
Entendo que os museus (de arte), além do entretenimento e do prazer, devem ser assumidos como instrumentos fundamentais de formação estética e histórica. Essa educação é, evidentemente, não formal, mas deve ser um complemento obrigatório à formação obtida nas escolas. Os museus devem considerar não apenas as exposições temporárias, mas também uma programação científica assumida enquanto tal. É fundamental também que saibam comunicar os seus conteúdos aos diversos públicos, que sejam mais assertivos nas programações e definam com muito clareza que tipo de público pretendem atingir.

O espectáculo, a festa, surge cada vez mais como estratégia para levar mais público, sobretudo jovem, aos museus, mas isso não se traduz num interesse real pelas exposições…
Nunca programei uma festa que não tivesse uma clara articulação ao museu e que não procurasse, mais ou menos directamente, funcionar como uma forma de aproximar do museu os públicos que vêm à festa. Por exemplo, este ano, no Dia Internacional dos Museus, a festa mais não foi do que o prolongamento da inauguração de uma exposição de arte contemporânea, assumida como mediadora da arte antiga.

Na programação há uma aposta forte nas colecções internacionais. O acervo do museu não tem capacidade para atrair mais visitantes?
Tem. E posso dar como indicador o livro de sugestões do museu, o feed back do público relativamente à qualidade das colecções e da programação.

Com esta pressão dos números não se está a querer transformar os museus mais em máquinas de produção de eventos que de conhecimento?
Sempre me preocupei com o aumento de públicos em proporção directa com o aumento da qualidade das programações. De resto, a lógica do aumento dos públicos por si só não me interessa nada, ainda por cima quando o museu nem sequer tem o incentivo de poder ficar com a receita proveniente das bilheteiras. Em termos financeiros, o facto de o museu ter um visitante ou ter um milhão de visitantes tem exactamente o mesmo peso. É a lógica perversa que se verifica com as lojas e o merchandising: ter como receita 1 cêntimo ou 1 milhão, significa, no final do mês, para os museus, exactamente a mesma coisa.

O que acha desta ministra da Cultura?
Não vou responder a essa questão, por motivos que são óbvios.

Então pergunto-lhe o que acha da estratégia para a Cultura… Se no panorama actual fazem sentido, por exemplo, iniciativas como a vinda do Hermitage, ou a criação do Museu Mar da Língua Portuguesa…
Enquanto os museus portugueses, e particularmente o grande museu português, o MNAA, enfrentarem problemas como os que enfrentam actualmente, não posso concordar que sejam desviados para outros fins as magras verbas disponíveis no Ministério da Cultura.

Antes de ser conhecida a nova lei orgânica, pôs a hipótese de sair do MNAA no final da comissão de serviço, em Novembro. Agora, perante uma lei que deixa quase tudo na mesma, essa hipótese mantém-se?
Desde que soube que o apoio mecenático não ia ser dado ao museu na totalidade e que as verbas do POC (Programa Operacional de Cultura) iam ser canceladas, procurei encontrar formas de minimizar os efeitos dessas perdas. No que respeita à minha permanência na direcção do MNAA depois de Novembro, a decisão cabe à ministra da Cultura.

Memórias do Expresso

 

a propósito do livro Memórias do FP Balsemão: Foi óptimo sair do Expresso em 2007. E Se houvesse algum decoro o Henrique Monteiro não devia ter assegurado na revista a promoção do livro.

 

ponto prévio 1:  As memórias do Expresso interessam-me por razões pessoais (1982-2007) e não só. Devo dizer primeiro que fiquei muito agradecido pelo Henrique Monteiro me propor a rescisão do contrato: as condições legais que existiam à data era muito, mesmo muito, favoráveis e desapareceram pouco tempo depois. Além disso havia mais para fazer por conta própria. Foi a altura certa, também porque o espaço de manobra e intervenção iam estreitando a olhos vistos (espaço de escrita, oportunidade de destaques e de projectos, etc), conseguindo o HM aquilo que o arquitecto JAS nunca tinha alcançado, entre a banalização da cultura e a continuidade de algumas redes (dentro e fora do jornal). Mas sempre nos demos muito bem, conversávamos e apoiei muitas das suas políticas, sem haver cumplicidades maçónicas.

2: não me parece nada bem que o Henrique tenha preenchido 4 páginas de encómios em forma de resumo quando se lê depois que o mesmo Henrique é a pessoa mais elogiada no livro. Outros desaparecem, outros são desconsiderados e vítimas (tantas vezes justas) de referências demolidoras e/ou despeitadas, mas o que sobra quanto ao Expresso é "a era Monteiro", p. 675 - desdobrada por muitas páginas. Por uma razão de decoro, para lá da isenção jornalística conveniente, o Henrique não devia ter escrito - devia ter passado a bola a alguém que viesse dizer que o FPB escreveu as Memórias tarde demais e com uma prosa em geral burocrática (administrativa, vá lá), fazendo de copydesk da informação que lhe proporcionaram. Pode ser que os capítulos políticos sejam mais animados.

 

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Ainda não li nem tenho <já tenho> o livro do Balsemão mas espanta-me que no seu resumo na última edição o Henrique Monteiro não refira nunca entre os nomes do Expresso a Helena Vaz da Silva, que dirigiu, pelo menos em 1975, um 2o caderno que antecipou em muito a Revista, com uma dinâmica frente cultural. Já nas evocações recentes acerca do Vicente Jorge Silva, essa prioridade foi esquecida - mas de facto ainda guardo vários cadernos memoráveis, como os do caso Gulbenkian. O Tio Balsemão tb se esqueceu? Espero pelo índice. Aliás, tb o Vicente só aparece numa referência à criação do Público, o que é mais estranho dado o rol de nomes citados, e eu tb fui. Mas é certo que o HM chegou depois da saída do Vicente… Igualmente me espanta que o Henrique em 4 páginas não aponte um lapso, uma falha, um erro nas mil páginas. O patrão é infalível? Como será contada a guerra interna que levou ao afastamento do director que de Maputo era porta voz de Samora, ou a greve que levou o Vicente à subdirecção com o eterno arquitecto? Balsemão defendia sempre e até ao limite o director em funções. (1)

 

Perguntava abaixo pelo recheio da autobiografia (Memórias)* do Balsemão, e em especial pela gritante ausência de Helena Vaz da Silva no registo feito pelo Henrique Monteiro, tendo ela dirigido, pelo menos em 1975, um 2o caderno que antecipou em muito a Revista. (Já nas evocações recentes acerca do Vicente Jorge Silva, essa prioridade foi esquecida .)

O Tio Balsemão tb se esqueceu? Não: ele vem revelar aos vindouros que ainda enquanto Helena Gentil foi sua namorada nos anos 50 e "nos anos 70 viria a trabalhar no Expresso", isto numa nota da pág. 153 - numa nota, registe-se.

Mais adiante (p.255) arrola-a num grupo de "pessoas como Vicente..., Helena... Maria João Avillez ou A Mega Ferreira, "todos com a deriva esquerdista própria da época e sobretudo com grande ambições pessoais - e para isso o Expresso era, como sempre foi, um bom trampolim." etc. É quase tudo muito pouco (e só pela rama) e não lhe fica bem. Se fosse maldoso, e não sou, sempre simpatizei e colaborei sem ter queixas do patrão, diria que os outros tinham grandes ambições e ele tinha grandes heranças.

* também já disse ao abrir o livro: para já parece mais registo (facultado por colaboradores) do que autobiografia. Os rancores e as amabilidades diminuem mt a coisa. (Consultar antes de comprar) (2)

 

As memórias do Expresso interessam-me por razões pessoais (1982-2007) e não só. Devo dizer primeiro que fiquei muito agradecido pelo Henrique Monteiro me propor a rescisão do contrato: as condições legais que existiam à data era muito, mesmo muito, favoráveis e desapareceram pouco tempo depois. Além disso havia mais para fazer por conta própria. Foi a altura certa, também porque o espaço de manobra e intervenção iam estreitando a olhos vistos (espaço de escrita, oportunidade de destaques e de projectos, etc), conseguindo o HM aquilo que o arquitecto JAS nunca tinha alcançado, entre a banalização da cultura e a continuidade de algumas redes (dentro e fora do jornal). Mas sempre nos demos muito bem, conversávamos e apoiei muitas das suas políticas, sem haver cumplicidades maçónicas.

Posto isto, também acho muito simpático que o Balsemão venha lamentar que eu saísse do júri do Prémio Pessoa logo que saí do Expresso ("quis sair,... e faz falta") - p. 667. Estava lá em trabalho, mesmo que se comesse bem em Seteais e as duas noites de conversa de bar fossem proveitosas. É pena que o patrão não aproveite a passagem pelo Prémio para contar algum episódio marcante, além de falar das dificuldades em localizar certos premiados e do conhecido caso de Herberto Helder, que recusou. Noutra situação já achei oportuno contar por que José M. Rodrigues partilhou o prémio com Manuel Alegre (caso único), perante a fúria incontida e as ameaças graves de Mário Soares - na votação final que os ia desempatar (era obviamente favorável ao fotógrafo) sugeri ao FPB que não se contassem os votos e assim se fez: não sei se me devo arrepender, mas a casa vinha abaixo... O compromisso de não se revelarem os bastidores do Prémio foi sempre cumprido, mas esta era a altura para revelações.

Entretanto, não me parece nada bem que o Henrique tivesse preenchido 4 páginas de encómios em forma de resumo quando se lê depois que o mesmo Henrique é a pessoa mais elogiada no livro. Outros desaparecem, outros são desconsiderados e vítimas (tantas vezes justas) de referências demolidoras e/ou despeitadas, mas o que sobra quanto ao Expresso é "a era Monteiro", p. 675 - desdobrada por muitas páginas. Por uma razão de decoro, para lá da isenção jornalística conveniente, o Henrique não devia ter escrito - devia ter passado a bola a alguém que viesse dizer que o FPB escreveu as Memórias tarde demais e com uma prosa em geral burocrática (administrativa, vá lá), fazendo de copydesk da informação que lhe proporcionaram. Pode ser que os capítulos políticos sejam mais animados.(3)

 

As memórias do Expresso são tão débeis no livro que não apetece propor muitas achegas ao texto. Falei da Helena Vaz da Silva, que teve importância nos anos iniciais com o seu Caderno 2 (era este o nome?) a preceder a Revista em 1975, e apetece-me lembrar o João Carreira Bom (que escorregou um dia numa "Gente" de gosto duvidoso) e a Maria José Mauperrin. E há que dizer que a infinita permanência de 21 anos do arquitecto Saraiva (chama-lhe a "Saraivada", em várias fases, p.649), que B lamenta agora, fica por entender, para além do que era indecisão e acomodamento do patrão; ou que a zanga com o Vicente o impede de dar a importância devida à sua presença à frente da Revista e à bicefalia em que o Expresso viveu muitos anos.

A desconfiança de B face aos "puristas da cultura" (p.646) tem pelo menos dois afloramentos pouco felizes. Mas lembro com estima o interesse que tinha por acompanhar as maquetas dos novos cadernos, como o "Cartaz" de pequeno formato que fui com o "mestre" (o também eterno ou interno Luís Ribeiro) ver imprimir em Madrid.

 

Já agora a passagem pela recomposição da Redacção quando da criação do Público, 1990, deveria ser mais exacta. O arq. não acertava uma, incapaz de reter, de tentar convencer, alguém que hesitasse entre as duas ofertas, pelo contrário (no mínimo, "não esteve particularmente visível na "guerra" do Público, FPB p. 655). A situação , que esteve à beira de impedir a saída da Revista, pelo menos, foi enfrentada por uma equipa de 3 (o B esqueceu, entre a amiga Clara e o ódio ao JV) que negociou salários altos em casa do patrão, que recrutou jornalistas e pegou o jornal pelos cornos. A Clara e eu passámos a editores - já era de facto, da cultura - (apareceu o Gabinete Editorial da Revista - era aliás uma direcção algo colegial que reforçava o JV, até à saída inábil deste) e defendemos a passagem do Joaquim Vieira à direcção ("embora este primasse pelo silêncio", FPB p. 655).

Não quis passar para o Público, quando o Vicente me convidou depois do arranque frustrado do seu jornal ("no Expresso nunca serás ninguém", berrava ele ao telefone): à sua volta havia uma pequena corte de admiradores subservientes, e ele por sua vez temia o Seabra - não era um ambiente aprazível. Felizmente os fundadores-conspiradores não me convidaram de início, mas de certeza não aceitaria, não fazia parte amável do subgrupo...

Por outro lado, foram muito difíceis (tensas, distantes) as relações com o Saraiva, mas ele teve sempre uma evidente tolerância perante os meus desafios, mesmo quando reclamei a sua saída numa assembleia (resolvera deixar o 1º caderno ao Vicente e recuar para a Revista, alegando cansaço). Julgo que valorizava muito o facto dos nossos pais terem sido amigos ao tempo do neo-realismo e depois em Paris. Enfiado no seu buraco-gabinete, sem contactos políticos, bisonho, era um improvável director (e não chegou a ter o Nobel). (4)

3 - A Joana incomoda, ou não incomoda?

(16 Fev.)

"Aquilo só incomoda porque não incomoda ninguém." (Mário Moura, no blog The Ressabiator) Como não incomoda, o tema fez silêncio e vazio à sua volta? Não - só conheço "partilhas" hostis, feitas pelos meus amigos e conhecidos. Incomodados. Transcrevo as suas próprias medidas do incómodo (teria havido também pelo meio declarações de agrado?): "Prova disso foi o aumento de tráfico aqui no blogue: mais de 5300 visitas, mais de 3000 visitantes, em apenas um dia (mais 1700 visitantes que o record anterior). (...) O texto em questão teve mais de mil shares (só durante o dia) no facebook. Esteve no primeiro lugar do WordPress português e o próprio blog chegou ao quarto lugar."

Valerá a pena notar o silêncio (comprometido, cúmplice, a assobiar para o lado?) dos agentes do meio da arte, e em especial dos que exercem tribunas de crítica na imprensa em geral sem correrem riscos críticos (4 ou 5?), e depois os outros parceiros, sempre tão apressados no abaixo-assinado quando alguma autoridade censura uma obra de arte, ou ataca o que se intitula arte contemporânea.

E valerá a pena também observar criticamente a intervenção de autores que se pronunciam sobre arte a partir de outras autoridades disciplinares, científicas essas, ou técnicas:  vindos da antropologia, da sociologia e da história cultural entendida como intervenção política, ou, já agora, do design (a que chamaria aqui, esquecendo o design de produto, o marketing visual, o que projecta a "representação" de um produto ou país, terreno que lhe é próprio e não deve ser invadido por um artista, no caso a nossa Joana - desculpe é uma pequena provocação respeitosa). Aí - não se tratando de ressentimento ou inveja - haveria que apontar o que é desconhecimento da "deslocação de paradigmas..." da arte contemporânea: por exemplo, o que sejam originalidade, citação, apropriação, ready-made, crítica, enfim o basicosinho.

Elogio do cacilheiro da Joana Vasconcelos, I

Não posso falar sobre o cacilheiro da Joana Vasconcelos porque não o vi. Falo sobre as reações ao cacilheiro da Joana, que não são reacções críticas porque os comentadores não o viram também, e não há juízo crítico possível com honestidade sobre uma obra de arte visual não vista, ou musical não ouvida, literária não lida, etc. Sabe-se que o habitual, mesmo para a crítica de arte, ou em especial para ela, é falar sobre press-releases e conferências de imprensa sobre intenções: está lá tudo explicado, ready-made, e melhor se for com ajuda do croquete. E também habitual é o ressentimento perante o sucesso, facilitado pelo não-ver e pela preferência igualitária pelo medíocre.

Barco da Mariquinhas, 2002

Por que razão a arte contemporânea incomoda aqueles de quem não se esperaria tal incómodo? Por ser arte? Por ser contemporânea? Por ser obra de uma mulher artista? Por se tratar de uma artista que se fez a si própria, sem vir de famílais ricas, sem ter uma segunda profissão comercial a pagar-lhe a “vida artística”, sem ter sido funcionária da SEC ou directora de museu, sem ter sido promovida ou produzida por uma galeria ou por um crítico, sem ser a cabeça mediática de um grupo, ou movimento ou geração (se tais coisas ainda existem)?

Arco Madrid Índice dd. 1986

1986, 19 Abril:
"Arco'86 em Madrid" / "pintado de fresco" + "Estratégias de representação" / "os portugueses no labirinto". Pp.50-52R.

1988 "Arco: o museu conformista"

1993, 20 Fevereiro
"Ano 5 d.c." + "O centro mais próximo"

1994

1995
"Arte de Feira"

1996
"Ilusões perdidas"

1997 "A feira das vaidades"

1998 "Arco: a arte do mercado de arte"

1999 "O eixo ibérico"

2000 "Mais Arco, menos consenso"

2001 "Vinte arcos depois"

2002 "Os artistas do momento"

2003 "Relojoaria suíça"

2005 "A mercadoria da festa"

2006 "Euforias ibéricas" (Êxitos portugueses e outras novidades na Arco’06) - 18 Fev., mais a 04 Fev.: "Madrid, a Áustria e o resto" e a 28 de Janeiro: "Arco de Madrid com selecção controversa" (a exclusão da Arte Periférica)

2007 : "União ibérica" (Joana Vasconcelos) - 24 Fev. : Em ano da Coreia e em tempo de revisão de fórmulas, a feira Arco de Madrid volta a ser um palco importante para a arte portuguesa
+ "Madrid: A Arco e o resto" - 27 Jan.

2008: Menos Arco e Uma rede informal de dependências e cumplicidades...

Crítica da crítica

Arquivo * artigo publicado na

revista Artistas Unidos
Nº 20, Dezembro 2007 (semestral), 10€
Director: Jorge Silva Melo. 600 exemplares

Num dossier intitulado "O que é feito da crítica?" que inclui tb depoimentos de António Guerreiro, Augusto M. Seabra, Luís Miguel Oliveira, Manuel Gusmão e Pedro Boléu.

"O campo expandido da crítica"

A crítica da crítica - de arte - é em geral uma actividade ociosa, em especial quando não se sustenta numa análise objectiva das condições materiais do exercício da actividade em questão. Como é ociosa, é muito naturalmente nostálgica, idealizando um passado que se reduz a uma ou outra figura exemplar que sobreviveu ao esquecimento por ser excepção e não regra. E é também inútil, ou fatal, quando se encerra num discurso ressentido face ao curso dos acontecimentos que se deixou de entender ou acompanhar.

Com o presente crescimento exponencial do mercado de arte (nos seus vários círculos sem fronteiras definidas, privado e institucional, galerístico e museal, mercantil e dito cultural), o espaço público da crítica conhece um idêntico alargamento, modificando-se nessas novas condições as modalidades da sua prática. Nunca houve tantos críticos, nunca se escreveu e editou tanta crítica, o que se acompanha por substanciais alterações objectivas dessa actividade, a que não corresponde qualquer “natureza” imutável. Mas também parece estar confirmado que não cresceu em paralelo o número dos seus leitores.

sumário de Dezembro

 

1 Dez. Vermeer em Haia - 1996
           Cézanne em Paris  - 1995
2 Dez. Museus e memória segundo Rui Sanches
4 Dez. Declaração de interesses
           Poussin, quarto centenário - Paris 1994
           Ronald B. Kitaj na Tate - 1994   
6 Dez. Edgar Martins em Coimbra , CAV
           MoMA, Modern Starts - 2000 (1)
10 Dez. Serralves / BES Revelação - "Lavrar um protesto"
            Porto Anos 60/70 - Expresso 2001
            António Quadros  - 2001
            Surrealismos - "Antes e depois de 1947" - Museu do Chiado, 2001
            Nadir Afonso - 2001
            Júlio Resende - 2001
            Fernando Lanhas - 2001
            MoMA, rever o séc. XX - 2000 (2)            
            MoMA, Making Choices - 2000 (3)      
            René Bertholo no MoMA - 2000 (4)
11 Dez. Art Basel Miami Beach
           A memória, o calceteiro e Rui Sanches   
20 Dez. ensino de arte - Luis Camnitzer in Artecontexto 
21 Dez. Prémio Rothschild de pintura
22 Dez. " Uma estrela no Reina Sofia "
            sobre Manolo Borja-Villel
23 Dez. " Um neo-CAM no sapatinho "
24 Dez. Agenda / sumário de exposições em 2007
26 Dez. Borja-Villel e o Reina Sofia ainda "en clave pictórica"
27 Dez. Ferdinand Hodler  no Musée d'orsay
            Puvis de Chavannes (Serge Lemoine, 2002)
            Gustave Courbet no Grand Palais
28 Dez. As exposições de 2007 e outros tópicos
            sobre "Um teatro sem teatro" no CCB
            As escolhas de 2007 em Espanha (El Cultural / El Mundo)
31 Dez. Arquitectura dos museus , exp. e "conversas" na Culturgest
            Figuras de 2007

Figuras de 2007

As 10 figuras do ano são 4.
(A escolha das figuras tristes fica para outra vez, porque é preciso ser prudente. Seriam muitas mais.)

Em 1º lugar Jean-François Chougnet, o director do Museu Colecção Berardo de Arte Moderna e Contemporânea - o Museu Berardo do CCB.
Desconhecido antes, discreto depois, transformou uma grande mas heteróclita colecção num museu atraente e concorrido, inaugurando-o com uma brilhante montagem. Com compromissos vários, com novas aquisições notáveis e tb com opções pontuais discutíveis, como é natural, mas também com sinais bastantes de grande inteligência crítica, informação e eficácia visual. Já fizera uma estreia bem interessante e com muito humor na apresentação das esculturas da Colecção Berardo na AR e  pôs de pé no CCB um programa de exposições temporárias que tem sido uma surpresa. (Berardo ele próprio poderia ficar para figura nacional do ano.)

2º Jorge Calado: com a exposição "INGenuidades, Fotografia e Engenharia 1846-2006" coroou o programa comemorativo dos 50 anos da Gulbenkian e abriu (voltou a abrir) os horizontes da fotografia em todas as suas direcções.
Com uma montagem excelente (em contradição com os designs preguiçosos para espectadores apressados, que por aí abundam) e um grande catálogo de mais de 600 páginas, foi tb uma exposição de exportação (em Bruxelas a mostra e com distribuição internacional da Thames & Hudson o livro).
E em Paris, na outra Gulbenkian que cá não chega, JC apresentou a primeira mostra antológica do inglês Mark Power (em associação com o Paris-Photo e os 60 anos da Magnum - mais um óptimo catálogo), depois de ter mostrado David Stephenson em 2006 e enquanto se prepara para expor as fotografias portuguesas de Thomas Weinberger em 2008. Continuou a trazer para o Expresso mensalmente informações sobre as fotografias lá de fora.

Em 3º lugar e ex-aequo, a uma distância considerável (para haver noção de escala): o Luís Trindade da P4 Photography e o António Júlio Duarte, na K Galeria, que vieram mudar os circuitos da fotografia em Lisboa.
O primeiro com os leilões de fotografias e de outras obras ou objectos, que dão projecção e viabilidade ao projecto de uma empresa com várias vertentes de actuação (também galeria, edições e circulação on-line), e em especial pela promoção do coleccionismo, num sector que tem sido subordinado aos equívocos e ignorâncias dos compradores de "arte contemporânea". A galeria nas suas novas instalações na Lapa inaugurou-se a 3 de Outubro com "Atlas", uma mostra de Carlios M. Fernandes, João Mariano e Rui Fonseca (até 10 Jan.) p4photography 
Quanto ao António Júlio Duarte, além da comparência como artista, manteve na Kgaleria ao longo de todo o ano uma programação excelente, também por ser original e com sucessivas surpresas. Por lá passaram em especial fotógrafos desconhecidos - e é isso o que se precisa para mudar o ambiente claustrofóbico (e também grandes conhecidos, claro - mas aí são outros que não cumprem as suas responsabilidades). A Margarida Medeiros fez no Ípsilon/Público de 29 de Dez. um registo desse programa e continuam em exposição as magníficas fotografias de Rodrigo Amado, tb músico e crítico de jazz, a última das "revelações" propostas por AJD (ainda de 9 a 26 de Jan. - a seguir a programação da galeria do colectivo Kameraphoto será da responsabilidade de Sandra Rocha e Pauliana Valente Pimentel).  kgaleria   

Ferdinand Hodler

Ainda há artistas desconhecidos ou pouco vistos, e Ferdinand Hodler (1853-1918) é um dos grandes nomes do final do século XIX que não se inserem nas sínteses canónicas do modernismo.
É apresentado agora em Paris no Museu d'Orsay pelo seu director, Serge Lemoine, que tem vindo a iluminar caminhos menos percorridos.

"De son vivant, Ferdinand Hodler fut considéré comme l'un des artistes les plus importants et comme l'un des chefs de file de la modernité. Né à Berne en 1853, il vit à Genève jusqu'à sa mort en 1918, mais il accomplit une carrière européenne, jalonnée de succès et de scandales. Il est membre des grandes Sécessions et voit son oeuvre saluée à Vienne, Berlin et Munich. Paris lui réserve un triomphe en 1891 à l'occasion de l'exposition de son tableau manifeste, La Nuit (Berne, Kunstmuseum), interdit d'exposition pour obscénité par la ville de Genève. Mais au même moment, Zürich, Genève, Iéna ou Francfort lui passent d'importantes commandes publiques. Elles sont autant d'occasions pour l'artiste d'expérimenter son goût pour une peinture simplifiée, monumentale et décorative. Hodler est aussi un portraitiste sans concession et un paysagiste hors pair."

Ver Orsay - Hodler

Ferdinand Hodler, La pointe d'Andey, vallée de l'Arve (Haute Savoie). 1909
Huile sur toile,  67,5 x 90,5 cm
Paris, musée d'Orsay (© photo RMN, Gérard Blot)

Índice / Agenda / Arquivo / Exposições / Artistas

EM AGENDA

Pinturas Cantadas - arte e performance das mulheres de Naya (Estado de Bengala, Índia), no Museu de Etnologia, até final do ano. ver aqui   (16 > 31 /07 > 14/08 2007)

MACE (site) Museu de Arte Contemporânea de Elvas, exposição  inaugural: 18/07  e tb 17/07 

Fundação António Prates, Ponte de Sor: 17/07

Museu Colecção Berardo, MCB - CCB (primeira visita, 24/06/2007).

    Justine Triet  Sur Place (vídeo em projecção permanente, 30'), Museu Colecção Berardo. (26/06/2007)

    Shirley Jaffe  Amarylis, 1987, Museu Colecção Berardo. (08/07/2007)

Museu do Neo-realismo, VFXira, na inauguração

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Robert Rauschenberg, Museu de Serralves, "Em Viagem"

 

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sumário de Novembro

1 Nov. Arte Lisboa 2006  / 2005  / 2004  / 2003  / 2002  / 2001 / FAC 2000  / 1999 /  1997
          Marca 1997 / FAC 1996 -  Exponor  / FAC 1995 /  Forum 1989 / 
          Feira das Indústrias da Cultura 1988
          Arco 1988    
          1º Fórum de Arte Contemporânea 1988
2 Nov. Arte Lisboa 2007
           Do Photoquai a Bamako - Paris 2007
3 Nov. Itinerário I : António Ole, 111 / Jeanine Cohen e Nuno Silva, Gal. Caroline Pagès / Nuno Viegas, Arte Periférica / Um olhar russo sobre a Europa, Cordoaria
           Itinerários II
4 Nov. Kameraphoto - Lusofonia    
          Kameraphoto I  2006
8 Nov. Arte Lisboa - a inauguração
9 Nov. Do centro-oriental - CCB / Museu Berardo - Caminhos excêntricos
10 Nov. Martin Parr  The Photo Book  - 2005
            Lisboa cidade triste e alegre 1982 - O catálogo
            Lisboa cidade triste e alegre  Ether 1982
            DN "Fotografias"  1982
12 Nov. Mark Power em Paris
            David Stephenson - Paris 2006
            Olhares Estrangeiros - Chiado 2006 / e Colecção PMLJ (fotógrafos do pós-guerra)
            Dedans-Dehors - Paris 2005
            Pedras e Rochas - Evora 2003
            Tríptico - Évora 2000
            www.mariabeatriz.nl
            Neo-Realismo ML - JPP em VFX
15 Nov. Um teatro sem teatro - CCB / Museu Berardo
16 Nov.

22 Nov. Sérgio

23 Nov. CAM , O fim de um museu
24 Nov. Rui Chafes, inauguração na Gal. Graça Brandão   
            Rui Chafes 2004 / 2003 o livro /  2003 Porto / 2002 Paris  / notas 1993-2005            
            AMS Letra de forma
25 Nov. Nuno Viegas desde 2001  (2)
26 Nov. Picasso e o retrato , MoMA 1996 (1)
            A Suite Vollard , Cascais 1997 (2)
            Picasso e o Mosqueteiro no Museu do Chiado 1997 (3)
            Vazio em São Paulo , a "bienal" de Ivo Mesquita
27 Nov. Hockney em Paris, 1997 Centro Pompidou, etc (1)
28 Nov. Nuno Viegas , Arte Periférica, 2007 (1)
           Miguel Ribeiro , fotografias, Appleton Square          
            Picasso , 2006 , El contemplador activo (6)
            Picasso, Suite 156 , 1998 (3)
            Picasso e Dominguín 2000  Museu Vieira (4)
            A Suite 347 2001 (5)
            Hockney , Arikha , Ross Bleckner , NY 1996 (2)
29 Nov. David Hockney , That's the Way I See it, "A mão e a máquina", em 1995 (3)
30 Nov. Robert Indiana e a normalização 
            Georges  Rouault (1871-1958) na Gulbenkian, em 1996
SUMÁRIO DE NOVEMBRO

2007 publicações

EXPRESSO

Columbano, “Vida moderna e pintura antiga”, Museu do Chiado - 31 Mar. #

Columbano (antevisão), Museu do Chiado: “Um pintor moderno” - 17 Fev. #

José Loureiro, “Equilíbrios instáveis”, Gal. Cristina Guerra - 17 Mar. #

Manuel Amado (“O espectáculo vai começar…”, Palácio da Ajuda), “A verdade da ilusão” - 09 Fev. #

Sara Maia ("Dog's Sleep", Sala do Veado): "O excesso necessário" - 5 Maio #

Notas: Cláudia Ulisses (“Âncor”, R. Instituto Industrial) - 17 Fev.

          Vasco Monteiro, Módulo - 31 Mar. #

 

“Frei Carlos e o Belo Portátil”, MNAA: “Devoção portátil” - 13 Jan. #

Calder, Fundação Eugénio de Almeida/Évora: “Sinais de vida” - 13 Jan. #

“Lisboa - Luanda - Maputo”, Cordoaria: “Trânsitos” - 24 Mar. #

 

ARCO, Madrid: “União Ibérica” (Joana Vasconcelos) - 24 Fev. #

Madrid: A Arco e o resto - 27 Jan. #

Centro de Arte Colecção Manuel de Brito em Aljés: “Uma colecção em aberto” -  27 Jan. #

“Mercado dos museus” (o Louvre em Abu Dhabi, os Guggenheim e o Hermitage… em Lisboa) - 20 Jan. #

"Hermitage: Em apoio do Museu" - 20 Outubro, pág. 10 #

 

Fotografia:

INGenuidades (Fotografia e Engenharia”, exp. de Jorge Calado, Gulbenkian), “Com arte e engenho”, “No curso da história”, “O estado do planeta” - 3 Fev. #

Edgar Martins (“Aproximações”, Gal. Graça Brandão, Lisboa): “Lugares de passagem” - 09 Fev. #

Jorge Molder, “Autor e actor” (Telefónica/Madrid e CAV/Coimbra) - 06 Jan. #

Nota: Catarina Botelho, Módulo - 17 Mar. #

(Ver: Jorge Calado, “Uma história alternativa” (The Photobook II, de Martin Parr e Gerry Badger, 24 Fev.

       Jorge Calado, Thomas Weinberger, “A técnica não dorme”, 31 Mar.

exp. Brígida Mendes, Módulo, ARuivo - 06 Jan.)

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“Tribuna”, A derrota de África, EXPRESSO, Caderno Actual, 5 de Outubro de 2007 (A primeira grande iniciativa que liga Portugal à internacionalização de artistas africanos corre o risco de se desvanecer antes do seu termo) #

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"Crítica da crítica", na revista Artistas Unidos Nº 10, Dezembro 2007 (semestral), director: Jorge Silva Melo, num dossier intitulado "O que é feito da crítica?" - AQUI

Museu do Neo-Realismo I

1 . A inauguração do Museu do Neo-Realismo - hoje, sábado, dia 20 - é um acontecimento importante. Preparado desde há muitos anos - ver - e antecipado por muitas iniciativas, contando no seu acervo com diversos espólios literários (e mais os de Mário Sacramento, Orlando Costa e Alves Redol, agora doados), constitui uma grande prova de resistência, já em tempos de democracia, consagrada à memória da luta cultural de anteriores gerações de resistentes em mais difíceis condições políticas. Implantado num dos seus principais lugares de afirmação, Vila Franca de Xira, é também um pólo de  diferenciação e afirmação cultural e patrimonial da cidade, a que autarcas de diferentes orientações (PC e PS) deram sequência.

Seja o que for o NR, frente cultural da oposição à ditadura ligada ou próxima do PC, movimento literário e artístico (com diferentes tempos de constituição e vigência), designação de circunstância e sempre de uso problemático reivindicado por (ou atribuído a) diferentes autores que problematizaram e procuraram renovar o que seria a tradição realista, ele é sem dúvida um tópico dinamizador da reflexão sobre o século XX e sobre a criação artística que defendeu a sua capacidade de intervenção face aos grandes acontecimentos que o marcaram, nas décadas decisivas que vão dos anos 10 aos anos 60 - décadas associadas à ideia de vanguarda política e artística.

O apoio internacional ao Hermitage

Expresso / Actual de 20 - 10 - 2007, pag. 20

"Em apoio do Museu" em vez de "Em apoio do Hermitage" [... em São Petersburgo]

O Hermitage foi um emblema da «glasnost» quando emprestou ao Metropolitan de Nova Iorque, em 1988, 51 pinturas do séc. XVII holandês e flamengo, muitas delas desconhecidas. Reagan e Gorbachov tinham assinado em Genebra, três anos antes, um acordo de cooperação cultural.
Com o fim da URSS teve início um grande esforço internacional de apoio ao museu estatal russo, forçado a procurar alternativas para um financiamento que se reduzia drasticamente, ao mesmo tempo que enfrentava gigantescos desafios de conservação de edifícios e colecções (mil salas e três milhões de objectos são números muito referidos). Apesar das mudanças políticas, o destino do Hermitage tem conhecido uma grande estabilidade, sob a condução determinada do director nomeado em 1992, após dois anos de vazio de poder. Mikhail Borisovich Pietrovsky, especialista em arte islâmica, é, aliás, filho de Boris Pietrovsky, que dirigiu o Hermitage durante os anteriores 26 anos.

Logo em 1993 o novo regime convidou a Unesco a patrocinar o plano de reconstrução e extensão do museu, criando-se um conselho consultivo com directores dos principais museus internacionais. O apelo a donativos de governos, fundações e empresas teve efeito e a rede mundial dos "Friends of Hermitage" continua activa - o modelar "site" oferecido pela IBM valeu dois milhões de dólares.
As primeiras dádivas, logo em 19944, vieram do governo da Holanda: 1,2 milhões de dólares para equipamentos de informática e de protecção de caves contra inundações abriram caminho ao restauro, no Rijksmuseum de Amsterdão, de uma colecção de 610 gravuras de Rembrandt. Seguiu-se o apoio à reabilitação das galerias dos mestres holandeses, um dos núcleos mais valiosos - Pedro, o Grande, mantivera dois russos em permanência na região para assegurar a escolha da melhor produção local. O reatar desta antiga relação passou paulatinamente do envio de exposições à abertura de uma antena permanente, em 2004, a qual se irá tornar num grande museu em 2009. Considerado como a embaixada do Hermitage no Ocidente, o programa de Amsterdão foi acompanhado pela abertura de consulados em Londres e Las Vegas.

O pólo inglês, que é um "fund-raising arm" do Hermitage Development Trust, abriu em 2000 num dos mais prestigiados centros de ensino e investigação de história de arte e conservação, o Courtauld Institut. Sete milhões de dólares foram então canalizados para São Petersburgo. Os Hermitage Rooms, cinco galerias decoradas ao antigo estilo do museu, com 411 metros quadrados, acolhem uma exposição anual. Em 2001 inaugurou-se uma galeria conjunta do Hermitage e do Guggenheim num espaço adaptado por Rem Koolhaas no Venetian Resort-Hotel-Casino, Las Vegas, mas esta associação não foi o milagre anunciado. O museu-empresa de Tomas Krens nunca mais conseguiu repetir o sucesso de Bilbau.

Portugal não teve papel notado nesta mobilização até à assinatura, em Março de 2006, de um protocolo que, além de fazer uma genérica referência à apresentação recíproca de monumentos da cultura mundial, prevê a troca de experiências entre especialistas nos domínios da gestão de museus, investigação histórica e conservação patrimonial. Denominado «Hermitage em Lisboa», o programa cita a realização de conferências científicas, seminários e mesas-redondas naquelas áreas e também projectos musicais no contexto dos programas da Academia de Música e da Orquestra Estatal do Hermitage.
No âmbito dessa alargada cooperação que o acordo refere, incui-se o estudo do projecto para a criação de um "Centro Hermitage em Lisboa", sem lhe atribuir, porém, qualquer conteúdo. Este protocolo de intenções vigora até ao fim de 2010 e pode ser renovado por períodos de quatro anos. Além da mostra que Putin vai inaugurar (orçada em 1,5 milhões de euros, incluindo transportes e seguros, mais 900 mil euros investidos na galeria da Ajuda), estão previstas mais duas em anos consecutivos.
Um outro protocolo que visa mormente a preparação de técnicos especializados foi já depois firmado, numa cimeira entre Putin e Romano Prodi, mas o projecto de um centro cultural e de investigação, o Hermitage-Itália, a criar em Ferrara, não contempla a hipótese de um mini-Hermitage.

...

O "estudo do projecto para a criação de um 'Centro Hermitage em Lisboa'" é referido num protocolo bilateral assinado em Março de 2006, mas não se lhe atribui qualquer conteúdo. É apenas um devaneio..., uma fantasia muito cara.
Todas as extensões  internacionais do Hermitage  têm a ver com a angariação de  meios (fund-raising) ou com  cooperação no âmbito da  museologia e da conservação. A candidatura portuguesa não tem verosimilhança nessas duas áreas e é apenas uma teimosa confusão de quem trocou os vermelhos dos burocratas soviéticos pelos dourados do Império russo.

A recolha de depoimentos ("Polémica") que acompanha a reportagem da Alexandra Carita no Expresso é um bom contributo para animar as festividades do Palácio.

A derrota de África

Sobre projectos interrompidos e indecisões estratégicas. Sobre arte contemporânea de África e as oportunidades perdidas: a Colecção da CGD e a orientação multicultural da Culturgest, a Arte Lisboa de 2004, o projecto Artafrica da Gulbenkian, a exposição "Réplica e Rebeldia" do Instituto Camões, de 2006, que não veio a Lisboa. (revisto em 29/11/2008)

O título pode ser excessivo, mas talvez incite à leitura. Sai amanhã/hoje <a 5 Out. 2007> no Expresso/Actual e tem a ver com a estúpida circunstância de as diversas iniciativas de colaboração com os artistas de Moçambique (e outros lugares) se traírem sucessivamente por falta de sequência ou de visão estratégica, precisamente na altura em que a África desperta mais interesse nos circuitos culturais das antigas metrópoles - na Documenta e na bienal de Veneza, e antes na itinerante exposição Africa Remix. Aliás, parte desta, que acabava o seu curso no fim de Setembro em Joanesburgo, deve em seguida ser mostrada no activíssimo Centro Cultural Franco-Moçambicano.

A biblioteca do Instituto Camões em Maputo, bem como a escola portuguesa, são certamente pólos  essenciais  de uma presença  cooperante e com êxito. Mas outros terrenos, para além da língua, têm assistido a uma absurda delapidação de meios e expectativas. Com dois bancos que fazem fortes investimentos mecenáticos a competir no terreno, a CGD e o Millennium, e com outras apostas empresariais significativas, bastaria articular recursos disponíveis, interessados e projectos.

EXPRESSO, Caderno Actual, 5 de Outubro de 2007, “Tribuna”

A derrota de África

A primeira grande iniciativa que liga Portugal à internacionalização de artistas africanos corre o risco de se desvanecer antes do seu termo

A megaexposição «Africa Remix» iniciou em 2004, em Dusseldorf, um circuito que incluiu Paris, Londres, Tóquio, Estocolmo e Joanesburgo, onde está agora. Com 85 artistas de 25 países e da diáspora - cinco de Moçambique -, ampliou o interesse por um continente ausente do panorama da arte, apesar do seu papel (indirecto) nas transformações do século XX. Não se abriu uma moda africana, porque é preciso dispor de muita mercadoria para impor uma moda, mas a Documenta de Kassel escolheu 11 artistas do chamado continente negro e a Bienal de Veneza alinhou, num óbvio exercício de má consciência: atribuiu o Leão de Ouro ao venerando Malick Sibidé, do Mali, n. 1935 (pela primeira vez um fotógrafo e um africano, mas já sem qualquer novidade), além de contratar em Angola a colecção do congolês Sindika Dokolo, genro do Presidente Eduardo dos Santos. É o «Check List Luanda Pop»...

Tudo isto faz parte do dinamismo multicultural do presente, enquadrado por retóricas «poscoloniais» vindas das universidades imperiais. Mas, em vez de sumariar os artistas africanos que passam pelos filtros tecidos nas metrópoles, importa agora vê-los nos seus contextos culturais. Tive a confirmação desta opção nas actas dum congresso de críticos em Dakar, onde Henry Meyric Hughes recomendava que se deixasse de observar a arte contemporânea de África pelo binóculo, passando a auscultar à lupa «o lugar individual de cada artista e cada obra no seu contexto social, político e geográfico, antes de tentar comparações com outros trabalhos ou outras situações socioculturais».

Menos Arco em 2008

É a seguinte a lista das galerias portuguesas que vão estar presentes no Programa Geral da próxima edição do Arco:

Cristina Guerra, Fernando Santos, Filomena Soares, Graça Brandão, Lisboa 20, Mário Sequeira (Braga), Pedro Cera, Pedro Oliveira, Presença, Quadrado Azul e Vera Cortês. Na secção Arco 40, onde os espaços disponibilizados são apenas de 40 m2, estarão António Henriques (Viseu) e Carlos Carvalho. A Gal. Filomena Soares participa com um 2º espaço na secção Projectos.

Além de outras ausências notórias, como a da Módulo, que deixou há anos de participar no Arco, nota-se a falta da 111 e tb da Jorge Shirley, que teriam ficado em "lista de espera". Outras galerias foram sendo preteridas em anos anteriores, apesar do seu lugar destacado no mercado nacional.
Em 2007 estiveram 14 galerias portuguesas e o número desceu agora para 13 (ou 11 + 2, separando o caso Arco 40), com duas saídas e a entrada algo estranha da galeria de Viseu. No comité organizador, para onde são cooptadas as galerias que seleccionam as participações das restantes (não há nenhuma transparência na estrutura organizativa das feiras), tomou lugar este ano Cristina Guerra.

O país convidado é o Brasil e o Arco 2008, de 13 a 18 de fevereiro, acolhe um total de 257 galerías, 70  espanholas y 187 estrangeiras, mais 21 que na edição anterior, dispondo de mais espaço nos novos pavilhões 12 e 14.

Sem a 111, que é, pelo menos, uma das mais importantes galerias portuguesas, há menos Arco e menos razões para ir a Madrid.

O caso Dalila Rodrigues e a voz do dono

Nem sempre apreciei o estilo, as afirmações e orientações de Dalila Rodrigues, mas sei que se bateu pela conquista de alguma dignidade para o Museu Nacional de Arte Antiga, quando eram indignas as condições de funcionamento consentidas pela tutela a este e a todos os museus centrais. A projecção pessoal por que se bateu e que alcançou era a sua arma principal na afirmação do Museu quando os outros meios falhavam e num contexto em que a imprensa só se mobiliza em torno de causas ou de figuras "mediáticas". A coragem que demonstrou publicamente durante a crise da falta de vigilantes, trazendo o escândalo para os telejornais, não tem paralelo fácil no panorama cinzento e timorato da administração.

Depois do infame abaixo-assinado corporativo em que a maioria dos seus colegas directores de museus do IPM-IMC veio demasiado rapidamente dar cobertura ao erro político do Ministério, e excluir um director vindo da Universidade, o seu mentor apareceu a terreiro no Público (25-08) a tentar justificar o inadmissível. Não veio pôr os pontos nos ii, só o acento no i de Luís (Raposo).

Em alguns momentos anteriores (há mais de dez anos) foi uma voz influente e respeitada. Agora adapta-se à "sinuosa estrada política em que vivemos", segundo as suas próprias palavras. Por isso acaba de ser eleito (por votação secreta dos directores) para representante dos museus portugueses pertencentes à Rede Portuguesa de Museus (RPM) na Secção de Museus e Conservação do Conselho Nacional de Cultura - certamente para ser a voz do dono, como neste caso.

LR veio dizer que o afastamento de Dalila Rodrigues e a tal posição comum dos directores era "há muito conhecida no mundo dos museus e maduramente reflectida". A conspiração que assim se prova deixa mal colocado o director-geral Bairrão Oleiro.
Veio também apoiar o imobilismo da recente revisão orgânica do IMP-IMC, que não só negou a autonomia administrativa do MNAA como travou os projectos de descentralização de museus locais que devem deixar a tutela do Ministério. A posição corporativa e servil é ao mesmo tempo serviço político, a coberto de declarações sobre a "escandalosa falta de cumprimento das promessas eleitorais" e "a profunda desilusão", etc. Todas as manobras de diversão de uma política museológica inexistente (do franchising do Hermitage aos Museus da Língua e do Rossio) escapam à argúcia crítica do porta voz da classe. Mas não é conveniente, agora, querer agradar a Deus e ao Diabo...
Tudo o resto é uma hábil mas muito feia amálgama de argumentos e insinuações que usa a roupagem de um mero ataque pessoal.

Ver 7 de Agosto ;5 de Agosto; 1 de Agosto

Elizabeth Murray (1940-2007)

"Painters Progress", 1981, 294,5 x 236,2 cm. Col. MoMA

Era um dos artistas actuais que mais curiosidade me despertavam, e tinha comprado há dias na FNAC o catálogo da retrospectiva apresentada em 2005/06 no MOMA (e também no IVAM de Valência no passado verão, na que foi a sua 1ª retrospectiva na Europa). Robert Storr foi o comissário e o autor do extenso estudo publicado.

Morreu no domingo, dia 13 de Agosto, em Nova Iorque; nascera em 1940 (6 de Set.) em Chicago, onde se formou em 1962. 1ª retrospectiva em 1987 no Museu de Dallas.

Não há nenhuma obra sua na Colecção Berardo, mas ficaria bem na companhia de Frank Stella e Shirley Jaffe, a quem "seguiu" na procura de novos caminhos abstractos fora  dos limites modernistas e das restrições minimalistas. Os recortes esculturais e a cor explosiva, com formas orgânicas e referências figurativas, e a presença forte do humor, distinguem a sua pintura desde meados dos anos 70. 
A retrospectiva do MoMA  em 2005, com 65 anos, foi a  primeira mostra monográfica  do Departamento de Pintura desde a reabertura do Museu no ano anterior, e a  quarta  dedicada a uma mulher, depois de Louise Bourgeois, aos 70 anos; Lee Krasner, aos 76 anos; e  Helen Frankenthaler, aos 67.

"Deeper Than D.", 1983 (269,2 x 259,1 cm) Col. part.

Manuel Amado

EXPRESSO/Actual de 10-02-2007

A verdade da ilusão
Uma incursão do ilusionismo próprio da pintura figurativa de Manuel Amado no mundo do fingimento do teatro

«A Última Ceia dos Polichinelos», 2005

O lugar de exposição, histórico-patrimonial, é inesperado. É também inesperado o espaço amplo das salas comunicantes que acolhem as 50 telas mostradas, um corpo vasto de trabalho, tematicamente unificado e erguido ao longo de quatro anos de produção, de 2002 a 2006. Também é uma surpresa a aparição de figuras numa pintura que se tem fixado em lugares vazios, mesmo quando é muito forte a impressão de que alguém habita as salas e corredores desertos, ou que alguém passou ou vai passar pelas suas vistas interiores (e íntimas) ou pelas paisagens exteriores de ruas e jardins.

Jorge Molder Madrid 2007

Autor e actor
Duas perspectivas paralelas da obra de Jorge Molder

EXPRESSO/Actual de 06-01-07

 

 

Pormenor da instalação «Algum Tempo Antes», em Madrid

Em Madrid, o jogo de Molder com a auto-representação, o uso da sua própria imagem-máscara oferecida à interrogação de ser ou não ser auto-retrato, sempre organizada em sequências que põem a questão de um sentido narrativo específico (um episódio, uma acção, um título), é prolongado até novo limite: uma réplica do corpo do artista ocupa o lugar central da galeria. Segura um catálogo com uma fotografia sua (as mãos que guardam a luz, da série «The Portuguese Dutchman», 1990) e está parcialmente voltado para uma parede onde se vê um rectângulo negro (janela ou espelho obliterados, papel de impressão queimado pela luz).

Calder (de papel)

EXPRESSO/Actual de 13-01-07

"Sinais de vida"
A obra paralela de Calder, sobre papel, mostrada em Évora

Calder, sem título, 1966, guache sobre papel, 75 x 108 cm

Calder tem um lugar de grande destaque na história da escultura do século XX, no caminho que a afasta decididamente da estatuária e, em paralelo, confere novas condições de viabilidade ao monumento, separando-o das tradicionais funções representativas ou de celebração (que funções lhe restam não é uma questão fácil). Com a invenção do «mobile», no início dos anos 30, retirou o peso e a imobilidade à escultura, ao criar formas em movimento, suspensas e instáveis, que desenham no ar arabescos imprevisíveis. Marcel Duchamp, brilhante observador dos artistas seus contemporâneos no catálogo da «Société Anonyme», apontava em 1949 a arte de Calder como «a sublimação de uma árvore ao vento» e «pura alegria de viver» (joie de vivre). Sartre já escrevera em 1946 que os «mobiles» eram simultaneamente «invenções líricas, combinações técnicas, quase matemáticas, e o símbolo sensível da Natureza».

Frei Carlos no MNAA

EXPRESSO/Actual de 13-01-07

"Devoção portátil"

A propósito de uma pequena pintura de Frei Carlos

«Ecce Homo», de Frei Carlos (pormenor)

A apresentação pública de uma obra recentemente adquirida de Frei Carlos, que não se encontrava referenciada, um Ecce Homo, ou Senhor da Cana Verde, de pequeno formato (39,5 x 31 cm), serve de pretexto ou oportunidade para uma exposição também de pequena escala mas de proveitosa concepção. O autor, as condições e características da sua actividade, a escala privada e portátil de parte da sua obra, os modelos de imagens devocionais em uso entre os séculos XV e XVI, e outros temas próximos organizam-se numa digressão que ilumina a singularidade da peça em causa e a inclui no seu contexto histórico e cultural. Sem catálogo (apenas um desdobrável), a mostra comissariada por José Alberto Seabra Carvalho é muito bem servida pelos textos informativos das tabelas.

Arte antiga e cultura de hoje

Para assinar a carta aberta de Apoio a Dalila Rodrigues clique

http://www.petitiononline.com/Dalila/petition.html

#

A política de cultura sai do ghetto dos escassos implicados e o caso (ver aqui) avoluma-se. Espera-se que nada fique como dantes.
A vingança do director-geral (ex-IPM / actual IMC) contra a subordinada que ousou ter ideias sobre o seu museu - e que teve a coragem de o defender em público quando as respectivas portas se deviam fechar com discrição (por ocasião da crise dos vigilantes) - conta com o apoio de uma “classe”(?) medíocre. A maioria que se mantém em silêncio quando as instituições que dirigem batem no fundo, com as restrições de orçamento e a falta de perspectivas, mobiliza-se para perseguir um de entre eles que se destacou pela capacidade de iniciativa.
O abaixo-assinado dos 16 directores (por militância, por basismo carreirista, por medo?) é um execrável documento que testemunha a inveja da maioria dos directores dos museus estatais e que faz o consenso sobre um desejo de imobilismo. (Ressalve-se  que não o terão  subscrito  Joaquim Caetano, de Évora; Joaquim Pais de Brito, do Museu de Etnologia; Pedro Lapa, do Chiado, e o indigitado Paulo Henriques, do Museu do Azulejo - a quem não se reconhece, aliás, competência específica para orientar um museu dedicado à arte antiga). 

Xana - O falso diário

Xana

Night conversation piece, still video

 

em "O falso diário de A.B.", Xana, no Museu da Electricidade, central Tejo, até 16/09/2007

 

 

2

2 Pittura metafisica / 3 Passeio / 4 Incident at a Spanish museum, video stills.

A colagem com outros meios, a montagem por outros processos. As projecções mostradas na antologia de 2005 eram pintura instalada e em movimento; agora a exploração dos meios digitais e das condições informáticas de trabalho aponta numa outra direcção de cruzamento, fusão e potenciação de processos e de poéticas.

Catarina Botelho

Apresentou «Adiar o Coração" na Módulo em Março
nota in EXPRESSO/Actual de 17-03-2007

"À entrada, S/Título (Luísa a Sair do Banho) coloca-nos diante de uma muito provável referência - citação ou homenagem - a Bonnard, pintor e fotógrafo de um quotidiano intimista. Seguindo essa pista inicial, as fotografias percorrem diferentes situações domésticas numa sucessão de interiores que podem ver-se como discretos retratos em situação de um círculo de pessoas próximas da autora, embora preservando uma distância face a qualquer intenção de confessionalidade sentimental que as separa radicalmente do exemplo de Nan Goldin (adiando o coração?).
Entre a agilidade do instantâneo e a composição calculada, cinematográfica, o tempo ficcional das figuras-personagens e a importância dos valores da luz têm uma densidade pictural (mas não picturialista) e uma intensidade física que identifica as imagens desta primeira individual como um projecto fotográfico já individualizado."

Participou a seguir num projecto colectivo na Arte Comtempo, "Trabalhar Cansa",
e está agora na Plataforma Revólver, com três fotografias, em "Debaixo do Tapete", até 31 de Julho.

Catarina Botelho, “S/Titulo” (Júlia deitada), 2007

Veneza / Documenta 2007

Veneza +
The Ney Yorker. com
The Art World - "Big Ideas" The Venice Biennale by Peter Schjeldahl  June 25, 2007

...) "Visitors whose attention skates over the depths of perception and feeling in Storr’s Biennale are not wrong, if the purpose of new art now is, as the dictatorship of commerce affirms, to enable a general glorying in products of creative crackle and fizz, never mind graver yearnings of the soul and dire news of the day. I can’t condemn the skaters, given that sheer energy, no matter how apparently feckless, is always the truest sign of what will distinguish the art, and the styles of enthusiasm, in any era. Art doesn’t change the world, and the world changes art only in ways that, whatever else they may be, are consistent with unforced pleasure. By insisting on contemplative absorption and civic conscience, Storr is a bit of a schoolmarm, demanding dignity of irresponsible pupils. But he marshals a lot of artistic talent to his side—and, for clarity and rhythm of presentation, his shows constitute by a long shot the most elegant of the several Biennales I’ve seen. I think the event will be remembered as a cautionary service, conservative in spirit and progressive in principle, to a frenetic time.

E
As fotos e o mapa das periferias multiculturais e pós-coloniais, o que se chamou 3º Mundo ("Mondos del Arte")

"antes de publicar nuestros extensos reportes visuales sobre la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel, les ofrecemos ya un recorrido rápido por Venecia incluyendo 40 imágenes: *Bienal de Venecia: Primer Foto Tour* / A fines de junio seguirá un recorrido por la Bienal, con fotos e informaciones sobre obras de aprox. 120 participantes. Detalles sobre las 24 muestras y pabellones que cubriremos" (ver mapa)

Universe-in-universe.de - fotos e o mapa

#
Kassel -
Telegraph.co.uk 19/06/2007

"The worst art show ever"
Richard Dorment searches desperately for signs of artistic talent at the 12th 'Documenta' show in Kassel, Germany

(...) "The only thing a critic can do is to try to distinguishistinguish between what was done deliberately, and what is simply bad taste. To create their exhibition, Buergel and Noack began by choosing themes so vague as to be meaningless, ranging from "Is the modern our antiquity?" to "What is our mere life?" This enabled them to include any work of art by any artist, living or dead, from any era in history right back to the 16th century." (...)
(...) This is a show organised by two pseuds and intended for graduate students and people who don't really like visual art at all."

+ In pictures: Documenta 12

e

"100 days of ineptitude", by Adrian Searle
"It cost £14m and claims to set the world's artistic agenda, but Documenta 12 leaves Adrian Searle lost and confused"
Tuesday June 19, 2007 - The Guardian

(...) "What really matters is our encounters with art, the sparks that fly between things. We have to hold on to the stories we tell ourselves as we look. The trouble is that so intrusive is the installation design, and so confusing the layout, that everything rapidly turns into a kind of visual sludge."

De Niro Senior - 2

White building from blue porch, 1968 (o./t., 75 x 81 cb) Casa branca vista de um pórtico azul

Robert De Niro Senior ver 1 não se encontra nos grandes panoramas norte-americanos do séc. XX. Por ex. em American art in the 20th Century, 1993, de Joachimides e Rosenthal (Royal Academy e Saatchie Gall. + Martin-Gropius Bau). Ou em The American Century, Art & Culture, 1999-2000, Whitney Museum. Mas, sem usar o Google, está por exemplo na história parcelar e parcial de Irving Sandler, em francês, Le triomphe de l'art américain, vol. 3, L'École de New York (The Painters and Sculptors of the fifties, 1978; ed. Carré 1991).

Aparece aqui como um dos 13 jovens artistas convidados a participarem no Ninth Street Show, 1951, organizado num armazém da rua desse nome por vários membros fundadores do Clube - ou Eighth Street Club ou Artists Club - fundado em 1949, por De Kooning, Kline, Reinhardt e outros, local de debates públicos até 1954, e depois com novos responsáveis. Com De Niro expunham, p.e., Alfred Leslie, Hellen Frankenthaler, Grace Hartigan, Eleine De Kooning, Joan Mitchell, Fairfield Porter, etc. Era já a 2ª geração da Escola de NY (o nº de artistas mulheres será significativo?).
A primeira exposição importante da "nova vaga" terá sido a New Talent, 1950, organizada por Greenberg e Meyer Shapiro na Kootz Gallery. Entre os 23, De Niro estava acompanhado por Leslie, Hartigan, Eleine De Kooning, Robert Goodnough e Larry Rivers. É a época do reconhecimento pleno da 1ª geração do expressionismo abstracto, vindo desde 1940, e da vitória americana do "modernismo". A seguir vai pôr-se a difícil questão das rotações geracionais e da continuidade de uma "vanguarda".

De Niro Senior pintor

Cruzei-me com eles em Nova Iorque, mas a agenda era outra. Agora, apareceram por Lisboa, pai e filho, júnior e senior. Robert De Niro pai (1922-1993) foi um pintor bem interessante. A antologia mostra-o em duas salas com pintura e desenhos em geral dos anos 60 e 70, que não acompanham aquilo que mais se conhece dessas décadas. Essa distância, que aproxima o pintor de outros anteriores (Bonnard, Matisse são os mais evidentes), é também o que liga a outros mais recentes e actuais.
A exposição trazida pelo Lisbon Village Festival  é uma boa surpresa e as imagens possíveis são uma pálida aproximação às suas cores próprias, com violetas e amarelos únicos, e uma luz vibrante.

No Palácio Galveias até 8 de Julho.
sáb. e dom. 14-19h30 / 3ª a 6ª 10-19h30 (gratuito)

Winfield Street Hoses II, Bernal Heigts, 1978 (óleo/tela, 56 x 81,3 cm)
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É por cá um desconhecido, mas quem conhece um grande pintor norte-americano como Fairfield Porter, por exemplo? Aliás, este Porter (1907-1975, pintor e crítico)  também escreveu sobre De Niro, como se irá ver.

Veneza 2007 - nyt

é provavelmente a melhor cobertura
a crítica do New York Times  nyt
"That Unruly, Serendipitous Show in Venice" by MICHAEL KIMMELMAN
Much of this biennale murmurs, it doesn’t shout. I doubt this fair will be recalled as groundbreaking or dynamic, but it is an independent show, strong in its convictions.

"VENICE, June 13 — After the artists, dealers, critics and hedge-fund guys jetted off last weekend to shop in Basel and check out Documenta in Germany, it became easier to tell whether the 52nd version of the Venice Biennale was as much of a bore as it seemed. It’s not. It’s subtle and sober. And, well, yes, maybe it’s just a little boring.
But it grows on you. It did on me, anyway. Aside, of course, from the simple fact that it’s in this ancient paradise of sun, honeysuckle and stone (passing disappointments of art somehow invariably wafting away on sea breezes), what’s always glorious about this oldest of the international festivals is its unruliness. There is never just one biennale but many of them, all mixed up, and you’re free to like or kvetch about any or all." (...)

o mapa:
nytimes graphic
e nos nyt blogs (parte substancial da informação dos grandes orgãos passa agora pelos seus blogs)
...lá aparece o itinerante artista romeno Dan Perjovschi que muito me irritou no Porto... (um bobo da corte / un farceur de cour pour ce royaume vaste / a court jester for this far-flung kingdom of art)

+ as fotos - slide show - de Librado Romero/ The New York Times (e a última é a melhor)

 

Joana Vasconcelos em Veneza - 2

Dorothy

no jardim do Palazzo Nani Bernardo Lucheschi em Veneza (I), de e com  Joana Vasconcelos

Malick Sidibé

O Leão de Ouro de Veneza atribuído a Malick Sidibé começou por me chocar. Associei-o à iniciativa de Robert Storr de incluir na Bienal uma representação de África através de uma colecção sedeada em Luanda e que cheira muito a petróleo (aberto um concurso, terá sido essa a candidatura que  pagou mais, ou que custava menos). /POLÉMICA EM TORNO DA COLECÇÃO SINDIKA DOKOLO: Artecapital.net actualizado em artnet /
Mas há meios ínvios de chegar a coisas sérias (as linhas tortas de Deus...) O G8 e Sarkozy andam ocupados com África, ainda bem. E o Leão de Ouro foi quase sempre irrelevante.

Também o facto de se tratar de um retratista e repórter popular dos anos 50-60, de quem se recupera e reedita a antiga produção, não é entusiasmante. Já agora, atenção também ao galego Virxilio Vieitez (n.1930, Soutelo de Montes) ou António Gonçalves Pedro, de Mora (1927-1999) - mas, a diferença é significativa, MS é um intérprete da mudança, em particular dos anos das independências africanas.

Malick Sibidé  (nascido em 1936) anda há alguns anos  em grandes trânsitos. Foi distinguido com o Prémio Hasselblad em 2003, e exposto no CAV, Coimbra, em 2004. 
Tinha chegado em 2002 ao mercado galerístico, através de reedições em grande formato de antigos retratos dos anos 50-60, com exposições nesse ano na Jack Shainman Gallery, New York, USA e na Galerie Claude Samuel, Paris.

Antes disso ocupava um duplo papel de  fotógrafo e representante  da fotografia do Mali (Seydou Keita...) nos círculos  que íam  divulgando e promovendo a fotografia africana (Bamako 1, 1994). Logo em 1995 foi apresentado por André Magnin (Magiciens de la Terra/Colecção Jean Pigozzi) na Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris.

a continuar
ver:

  Culturebase.net 

Jean Prouvé e a Maison Tropical

flickr crylov's photos, Outubro 2005 (exposição em Los Angeles dedicada à...  Tropical House by Jean Prouve. ) Hammer Museum

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"Não tive que me sentar numa biblioteca cheia de pó, o assunto está no discurso mais central: na Christie's, em Nova Iorque!", Ângela Ferreira, Público, Ípsilon, pág. 11.

Algumas leituras recomendáveis (sem pó):

Quem foi Jean_Prouvé:
Wikipedia

A Maison Tropical no Centro Pompidou
Figaro 1

e também:
Jean Prouvé - Les Maisons Tropicales
Livro ed. pelo galerista Eric Touchaleaume

La «maison tropicale» de Jean Prouvé : une épopée Brazzaville-Paris
Figaro 2 par Béatrice de Rochebouët, le 03 novembre 2006

  Maisons Privées 
sobre a operação de "repatriamento" de Eric Touchaleaume

E também a Christies , claro...

Veneza II

No Le Monde de hoje:

1
"Cent douze biennales d'art contemporain ont lieu, aujourd'hui dans le monde. La croissance est exponentielle, qui témoigne de la mondialisation galopante de l'art actuel. En juin, l'essentiel se passe en Europe avec Venise, Kassel et Münster. Mais le phénomène est désormais planétaire.
Lyon, Berlin, Istanbul, Moscou, Sharjah, Turin, Shanghaï, La Havane, Sidney, Dakar, Taïpeh, et même Ushuaia... On ne compte plus les villes qui accueillent ces méga-expositions, et le phénomène semble s'accroître régulièrement, surtout en Asie. Chaque année voit éclore de nouveaux projets : Athènes s'offre sa première biennale en septembre, Bruxelles est en train d'élaborer la sienne. Seul Paris semble, pour l'instant, manquer à l'appel."

Toutes les grandes villes du monde veulent en être...
LE MONDE | 07.06.07

©

Veneza 2007

A Bienal de longe: la biennale

1. GB: Tracey Emin: "Borrowed Light"

 British Pavilion Venice Biennale 2007 Tracey Emin

Pictures   |   Installation Images   |   Tracey Emin Images

Joana Vasconcelos em Veneza

Dorothy, ainda no atelier / e depois em Veneza

A monografia sobre Joana Vasconcelos que foi lançada em Madrid, no Arco, vai também ser apresentada em Veneza, a 8 de Junho.
Em exposição no Palazzo Nani Bernardo Lucheschi (só nos dias 7 a 10, na inauguração da Bienal) estarão uma obra inédita, Dorothy, um enorme sapato de salto alto modelo Prada feito de panelas de alumínio + a colcha de sete metros Donzela que já esteve este ano no castelo da Feira e agora ficará na fachada do palácio, frente ao Gran Canal + o Barco da Mariquinhas, forrado a azulejos, de 2002, que deverá flutuar junto a uma gôndola.

A iniciativa é de António da Veiga Pinto e Marc Pottier, os animadores da ADIAC Portugal*, com a leiloeira e galeria-livraria Artcurial (Hôtel Dassault, Paris). "Yellow Brick Road" é o título do acontecimenro.

 

Joana Vasconcelos - Arco 2007

A minha relação com os trabalhos de JV foi-se tornando de um interesse ou entusiasmo crescente, em especial a partir da exposição de Paris, em 2005, mas já aumentava desde a série dos tricots em lã, começada em 2001, para além do gosto por algumas obras anteriores (e a rejeição de outras). Foi-se associando a algumas peças e intervenções uma mais clara intencionalidade e/ou referencialidade, também em termos da sua lógica sequencial, e igualmente uma mais notória ambivalência/ambiguidade entre a atitude de crítica distanciada (o humor) e o interesse  pelos objectos e processos apropriados (a não indiferença, a escolha).
Já não se trata só de uma distanciação irónica com base num uso oportunista, ou de um exercício principalmente lúdico encerrado no fechado espaço da arte, e parece existir uma cumplicidade interrogada, ou mesmo reivindicada, com os temas, os ícones, os processos que surgem nestas obras.
A obra exposta no Arco - instalada com movimento e som (Amália) - ganhou uma visibilidade que incomodava muita gente . Gostei de a mostrar numa página inteira do Expresso e de associar o coração com o título encontrado (grandes valores da nacionalidade, a filigrana de ouro dos minhotos e o coração de Amália, afirmavam-se e parodiavam-se na capital peninsular. Que JV tenha utilizado talheres de plástico para construir o seu objecto é essencial, tal como o balanço visual entre a imagem global e o pormenor.

 

Coração Independente Preto / Black Independent Heart, 2006, com os seus 3,70  m de altura de ferro pintado e "filigrana" de talheres de plástico,  instalado no Arco com som e  em rotação - daí a imagem desfocada...

"União ibérica"

EXPRESSO/Actual de 24-02-2007

Em ano da Coreia e em tempo de revisão de fórmulas, a feira Arco de Madrid volta a ser um palco importante para a arte portuguesa

 

Columbano ainda - 4

Columbano, em últimas semanas (hoje em último dia), continua a surpreender por boas e más razões. O homem passa do melhor ao pior com uma desarmante rapidez - e a casa não ajuda.

( de a ervilha )

O Museu (em especial ao domingo de manhã) parece aquilo que não tem sido, um Museu, e o público acorre para reencontrar o antigo dono do lugar ou um nome que conhece, sempre jogando pelo seguro - arriscar tem sido tantas vezes revoltante.

Sara Maia

A exposição "Dog's Sleep" na Sala do Veado (9-31 Maio):

"O excesso necessário"

in EXPRESSO/Actual de 5 Maio 2007

Fomos deixando de saber que a pintura é também um meio de contar histórias, e cada vez que o descobrimos - tem de ser sempre de maneira diferente - o escândalo é maior. É essencial que por esse contar histórias se entenda algo de diferente da ilustração, por mais que se preze a prática do ilustrador que verte em imagens, à sua maneira, a ficção escrita, em geral por outrem. É essencial que as histórias que se contam, as personagens que se constroem, os fantasmas e as fantasias que se soltam cresçam da realidade material da pintura, inscritas no seu fazer, sem que a tradução por palavras (prévia ou posterior) esgote os sinais visuais e sem que os seus sentidos possíveis se congelem numa narrativa estabilizada.

Sara Maia, "O Colo"

 

Reabriu o Estúdio Relvas

L*

Casa-Estúdio Carlos Relvas, Golegã. 21-04-2007

O destino era o Paul do Boquilobo, mas o "templo da fotografia" (!?) tinha sido inaugurado na véspera. Foi uma visita atribulada e demasiado breve - interrompida logo no átrio de entrada. Voltar-se-á mais tarde, de preferência num dia de semana (talvez com menos gente), esperando que esteja mais oleada a condução do grupo e o discurso do/da guia.
Depois da espera no edifício de recepção, a lentidão dos primeiros passos, o excessivo pormenor das informações (ainda mal aprendidas) e a  exigência de assistir-se a um filme de apresentação (que deveria ser mostrado durante a espera no anexo) esgotaram a paciência. Atenção: O local não se presta ao turismo de massas, e o excesso de visitantes pode ser mais ruinoso para a sua conservação que o anterior esquecimento do lugar.

Columbano 3 - o catálogo

Retrato de Joaquim Lourenço Lopes (o consul de Portugal na cidado do Cabo, de passagem por Paris), 1883, 92x57 cm, Col. particular.

O quadro reproduz-se no catálogo mas não figura na exposição. É a obra mais clara e mais "rápida" de Columbano, mais próxima portanto de uma ideia de modernidade e de pintura moderna que ele conheceu em Manet, em Sargent, Boldini e outros retratistas mundanos, em Paris, mas teve dificuldade em acompanhar. A factura esbocetada (abocetado, em espanhol) é aqui por vezes incerta, e a torsão da pose elegante corrige-se na decidida firmeza miniaturista do rosto. Também é uma obra útil para pôr em paralelo as pinturas realizadas para o Salon e os trabalhos mais livres, destinados a um público de gosto moderno.

HCB em Évora, Retratos 2007

Os retratos de Henri Cartier-Bresson - "Um Silêncio Interior"
em Évora, na Fundação Eugénio de Almeida, até 29 de Julho (9h30-18h30, todos os dias). Na foto: 4/5 retratados na cama, entre eles Giacometti e à dir. Christian Dior, 1945.

Trata-se exactamente de "Le Silence interieur d'une victime consentante", exposição da Fundação HCB, inaugurada na sua sede de Paris em Janeiro de 2006, a primeira resultante da inventariação das obras da respectiva colecção permanente. Acompanhada pela edição portuguesa (Dinalivro, Lisboa) do magnífico catálogo original, impressa por Steidl, Gottingen. Com prefácio de Agnès Sire ("Silêncios"), comissária e directora da Fundação, e introdução de Jean-Luc Nancy ("O olhar dado").

Mercado dos museus

A propósito de uma sucursal do Ermitage ou Hermitage anunciada para Lisboa...

artigo publicado no EXPRESSO/Actual de 20-01-2007, não pag.

"Mercado dos museus"

O projecto de uma filial do Louvre no Abu Dhabi abriu uma larga polémica sobre a nova economia da arte, em que o Guggenheim e o Hermitage são parceiros

A pirâmide de I. M. Pei era premonitória. Agora é o «Louvre do deserto» que agita os meios culturais desde que três figuras da museologia publicaram no «Le Monde» (13 de Dezembro) a proclamação «Os museus não estão à venda», logo assumida como abaixo-assinado. A economia do sector tinha como vertentes mais mediáticas a saga das sucursais do Guggenheim e a angariação de fundos do Hermitage, por sinal associados desde 2001 em Las Vegas, no Venetian Resort-Hotel-Casino. A vertigem das deslocalizações atingiu o Louvre e o Centro Pompidou, que tinham começado por anunciar a construção de «antenas» em Lens (Pas de Calais) e Metz, respectivamente. Tratava-se de abrir a caixa de Pandora antes de partirem para o Oriente.

 

Um Ermitage ou Hermitage para cada um / Ferrara e Lisboa

L'Ermitage se délocalise en Italie
LE MONDE | 11.04.07

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Tem sido um dos quebra-cabeças mais confidenciais: como e onde abrir a anunciada sucursal. Ou mesmo só uma luxuosa exposiçãozinha por ocasião da cimeira com o Putin. Houve ordens para se encontrar um espaço aceitável pelos convidados, que têm meios para serem exigentes. Parece que é a Galeria de Pintura do rei D. Luis, no Palácio da Ajuda, o local escolhido, mas as obras a fazer serão uma nota pesada.
O protocolo assinado em Moscovo pela ministra em 2 de Março de 2006 está no site do museu russo:
http://www.hermitagemuseum.org/html_En/11/2006/hm11_1_160.html

E a 1ª exp. em Lisboa abre a 25 de Outubro, diz o DN (Ver abaixo)

Columbano no Chiado - 2

No meu Atelier, 1984, Museu Grão Vasco, Viseu

“Vida moderna e pintura antiga”
(e as brevíssimas relações internacionais de Columbano)

- Versão alargada da prosa publicada no EXPRESSO/Actual de 31/03/2007 - há actualizações sobre a exp. a 17 de Abril -3- (o catálogo) e a 15 de Maio -4- / e tinha-se feito já uma apresentação "cega" da exposição (1 - antevisão) aqui tb com data de 29 de Março

O melhor conhecimento recente da obra de Amadeo de Souza-Cardoso, a partir das relações com Modigliani e Brancusi ou da sua projecção norte-americana, beneficiou da investigação estrangeira que veio contrariar o pouco gosto nacional pelo estudo de fontes directas. O mesmo poderia acontecer com Columbano, se a sua produção não tivesse uma dimensão apenas nacional. Em alternativa, é importante ir observando as obras de estrangeiros que foram seus contemporâneos e acompanhar as novas abordagens de pintores famosos na viragem dos séculos XIX-XX que a crónica das vanguardas relegou para uma sombra a ser paulatinamente revista. Algumas recentes exposições espanholas foram abrindo pistas ou pondo em causa anteriores certezas.

Columbano 1 - "antevisão"

"Um pintor moderno"
Expresso/Actual de 17-02-2007, antes de a exposição se poder visitar

Novas possibilidades de abordagem dos primeiros tempos da carreira de Columbano, um artista a par do seu tempo. No Museu do Chiado, Columbano Bordalo Pinheiro nos 150 anos do nascimento

Quando, na quinta-feira, se inaugurou a exposição que celebra os 150 anos do nascimento de Columbano (1857- 1929), abria também no Petit Palais de Paris, ida do Museu Thyssen de Madrid, uma mostra que associa dois pintores seus exactos contemporâneos: John Singer Sargent (1856-1925), norte-americano de largo trânsito europeu, e o espanhol Joaquín Sorolla (1863-1923). A coincidência confirma o interesse pela reapreciação de artistas de grande notoriedade na viragem dos séculos XIX-XX depois remetidos a lugares apenas nacionais por uma história da arte demasiado francesa e sintetizada pela lógica do evolucionismo vanguardista. À carreira desses dois «pintores da luz» que conheceram em vida grande êxito internacional corresponde o mais soturno destino do português, pintor de sombras e espectros.

"Retrato de Manuel Gustavo Bordalo Pinheiro", 1884?, 46 x 38 cm, Museu do Chiado

   

Lisboa - Luanda - Maputo: "Trânsitos"

in EXPRESSO/Actual de 24/03/2007

Artistas de Angola, de Moçambique e de Portugal reunidos numa exposição que põe em contacto diferentes experiências e contextos artísticos

Foto: Pedro Valdez Cardoso, «Livro dos Actos», 2006

Passa-se uma cortina de folhetos publicitários (intervenção de Gustavo Sumpta), que separa o mundo dos consumos populares do espaço fechado das intenções artísticas. Ou, pelo contrário, essa cortina de anúncios baratos associa a promoção de um evento cultural, a concorrência entre as obras, a realidade do mercado de arte à mais banal competição entre produtos e marcas. Não importa demorar nessa enésima referência às caixas Brillo, na entrada da Cordoaria, porque há logo outra referência histórica mais poderosa, essa desenvolvida com invenção conceptual e surpresa de processos. Numa exposição que reúne em Lisboa artistas nacionais e outros vindos de Luanda e Maputo, é oportuno evocar com inteligência as ambições e derrotas coloniais e é isso que faz o Livro de Actos de Pedro Valdez Cardoso, já apresentado no ano passado no castelo de Sines (o mesmo artista tem uma obra importante na colectiva que trouxe brasileiros e espanhóis ao Museu da Cidade e assina agora outro episódio do «Voyeur Project»).

Vasco Monteiro, Módulo

Vasco Monteiro, "Red Guard" (Guarda Vermelho), 2006, óleo s/tela 40x50 cm.
Gal. Módulo, até 18 de Abril.

Surgiu em 2006 entre os finalistas do Ar.Co no Museu da Cidade, mas não é exactamente um pintor jovem que agora faz a primeira individual (n. Lisboa, 1957). Fotógrafo profissional, sem intenções artísticas, não precisa de cumprir os protocolos escolares da pintura fotográfica, e, pelo contrário, serve-se da tela e do óleo com uma inteira liberdade de imaginação, memória, observação ou citação, com a frescura de um amador à margem de tradições académicas ou ex-anti-académicas. Trata-se mesmo de não seguir qualquer outra disciplina se não a de dar curso a ficções privadas, certamente idiossincráticas mas muito diversas nas suas configurações narrativas, que podem para o observador exterior surgir como oníricas, insólitas ou absurdas. O pequeno formato adequa-se a essa espontaneidade intimista, sem esforço aparente ou ambição de grande pintura. É um interessante começo.

Nota da edição do Expresso Actual de 31/03/2007 - por sinal, a última!

Jose Loureiro, "Equilibrios instaveis"

"Equilibrios instaveis"
"A pintura impura de José Loureiro, entre os seus programas prévios e o acontecer do quadro, num momento de aproximação às grelhas de Mondrian"

EXPRESSO/ACTUAL de 17 de Março de 2007
Galeria Cristina Guerra

É inevitável pensar em Mondrian e nas suas composições de rectângulos e quadrados definidos por traços negros que estruturam o espaço plano do quadro, onde se inscrevem zonas brancas ou de cores primárias. Nas pinturas de José Loureiro as linhas rectas interrompem-se ou duplicam-se (são a justaposição de contornos de moldes usados como régua, em precária aliança da mão e da máquina), a ordem é instável (arbitrária, mas justa), a estrutura vacila sem se desmoronar, a superfície branca «all-over» vibra, abre-se para dentro, numa insondável profundidade flutuante, como um ecrã catódico, mas é a grelha de Mondrian que se move nestes quadros. Não é a primeira vez que esse encontro acontece nem ele é acidental, tratando-se de um pintor que põe em jogo meios de organização sistemática do espaço do quadro, com formas modulares, padrões, barras e outros elementos de repetição estrutural - e também, para lá da fronteira movediça do que se chama abstracção, matrizes recortadas de figuras e objectos, adoptando a disciplina da variação mecânica em situações de representação figurativa.