Alexandre Pomar

A publicar: fotografia, anos 50/80/2000...

Início do texto a publicar no volume que reunirá parte das comunicações realizadas durante o seminário Ag – Prata / Reflexões Periódicas sobre Fotografia, da Faculdade de Belas-Artes do Porto, e concretamente a propósito da sessão sobre o filme Olhar/Ver – Gérard, fotógrafo, de Fernando Lopes, SESSÃO 03 / 23 de Abril de 2008, Passos Manuel, Porto.

O filme (de 1998, em que participei) e o artigo do Fernando, de 1983, no Expresso, sugeriam abordar a relação entre a fotografia e o cinema, mas por aí há várias coisas a revisitar: a recepção cinéfila do livro Lisboa "Cidade Triste e Alegre", por Ernesto de Sousa e José Borrego na Imagem; a actividade de Augusto Cabrita, fotógrafo premiado desde 1950 no Barreiro e depois na câmara de "Belarmino"; a passagem de Gerard à crítica de cinema e o seu projecto de filme sobre forcados. Fica para outra vez

"Gérard Castello-Lopes: dos anos 50 aos anos 80 aos anos 2000…"

1. Foram animados os anos 80. Não se trata de saudosismo, mas de vincar como ao longo dessa década mudaram radicalmente, e sem retorno, as condições da prática e da circulação da fotografia, e também o respectivo entendimento. De facto, quando a Ether apresentou, a partir de 19 de Dezembro de 1982, as fotografias de Gérard Castello-Lopes que nunca antes se tinham visto e de cuja existência nada se sabia, a história moderna da fotografia em Portugal tinha começado a ser explorada nesse mesmo ano.
Esse passado recuperável – o de Fernando Lemos e o da dupla Costa Martins e Victor Palla - tornava mais credível o destino dos novos fotógrafos, que, pela primeira vez, construíam a sua obra no mercado profissional das exposições, como sucedia com os artistas plásticos, e não sucedera antes com nenhuns fotógrafos: a passagem da página impressa à galeria era então parte de uma evolução decisiva do próprio medium. Depois da decadência dos velhos salões de Arte Fotográfica, surgiam novas condições de visibilidade artística para a fotografia (os encontros, os “meses”, as festas), que já não se destinavam apenas aos amadores e a públicos especializados. Pelo final da década outros artistas desconhecidos dos anos 50 iam sendo revelados: António Sena da Silva (Ether 1987, Serralves 1990), Carlos Calvet e Carlos Afonso Dias (ambos Ether 1989). Tinham constituído um mesmo pequeno grupo informal e efémero.

Dois filmes: passado e presente

Dois filmes a estrear no DocLisboa: a Gravura, um importante lugar colectivo dos anos 56-70, num documentário de Jorge Silva Melo (dia 25- sábado), e a Joana Vasconcelos, com uma das grandes obras individuais do presente, filmada por Joana Cunha Ferreira (dia 27,2ª feira):

I

(na foto, Joaquim José Barata e Manuel Torres - dois não artistas quer foram decisivos na história da Gravura)

e

 

E hoje, também...

sobre Malangatana

24 OUT. 21.30 – São Jorge (sala 3)
Ngwenya, O Crocodilo, de Isabel Noronha
90´ Moçambique 2007

e

24 OUT. 23.15 – Culturgest (grande auditório)

0=6 Homeoestética  
de Bruno de Almeida
60´ Portugal 2008

"Os homeostéticos interpretavam o espírito da época com uma atitude de distância irónica que nunca os reduz a documentos de um tempo passado." - disse isto em 2004. Agora já aconteceu.(27/10)

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Estampas japonesas

Expresso Actual 2006 ?

"O Japão em mudança"

Continuidade e revivalismo da gravura em madeira  

 

Kawase Hasui, «Ponte Kiyosu», 1931 (a primeira estampa da Colecção Robert O. Muller)

Uma história da arte do Japão (a de Miyeko Murase, por exemplo) pode terminar em meados do século XIX com a desaparição dos mestres da estampa gravada em madeira nos dez anos que se seguiram à morte de Hiroshige (1858), ao tempo das convulsões que provocaram a queda da ditadura militar feudal dos «shoguns» da família Tokugawa (1603-1868, Período Edo). Seguiu-se a Restauração Meiji e a modernização do país seguindo o modelo ocidental. A abertura dos portos em 1853 sob a pressão duma esquadra americana e o início do japonismo nas exposições universais de Londres (1862) e Paris (1867) são referências a ter em conta.

Em desaparição com a mudança do Japão a arte do «ukiyo-e», «imagens do mundo flutuante» ou «imagens de Edo», o antigo nome de Tóquio, viria a surgir depois sob a designação de «shin-hanga» (nova gravura) uma forma de revivalismo que se destinou essencialmente a coleccionadores ocidentais, com base na longa actividade do editor Watanabe Shozaburo (1885-1962). São obras das últimas décadas do século XIX e da primeira metade do seguinte que se mostram no Museu Gulbenkian (na companhia de algumas estampas clássicas da colecção do fundador). Vinda de um dos núcleos da Smithsonian Institution de Washington (a Arthur M. Sackler Gallery), como um presente por ocasião do 50.º aniversário, é uma selecção representativa da colecção doada àquela instituição por Robert O. Muller (1911-2003), o maior coleccionador - e negociante - ocidental de gravura japonesa moderna, também responsável pela criação deste nicho de mercado.

As gravuras japonesas que seduziram os impressionistas (com Utamaro, Hokusai e Hiroshige como nomes maiores) foram por muito tempo uma produção de largo consumo desprezada como uma arte plebeia pelos eruditos japoneses. A descoberta ocidental é praticamente simultânea do início da sua decadência, por efeito da divulgação da fotografia e dos progressos das técnicas de impressão, suplantando o laborioso processo artesanal de produção das estampas que envolvia a intervenção de quatro profissionais especializados: o artista desenhador, o gravador, o impressor e o editor. E, em especial, devido à transformação do tecido social estratificado da era Edo com que se identificava a sua iconografia principal, as mulheres dos «bairros de prazer» e os actores do teatro Kabuki.

 

 
Kobayakawa Kiyoshi, «Embriagada», 1930

É pelas «Presenças em Palco» que se inicia a mostra, na continuidade da tradição do «ukiyo-e», ainda no tempo do imperador Meiji e nas décadas posteriores, com cenas de representações teatrais e retratos de actores. Já em «Personificação da Beleza», conjuga-se a expressão nostálgica da beleza feminina associada a um discreto erotismo tradicional, no caso de Hashiguchi Goyo (1880-1921), com a novidade da representação da mulher moderna, por parte de Kobayakawa Kiyoshi (1930) e Ito Shinsui (1953). Notando-se uma crescente abertura a influências ocidentais, da pintura de Salon e do gosto Art Déco, a representação da mulher não deixa de se associar às anteriores convenções morais.

Outro capítulo do catálogo tem o título «Valores da Luz» e aí se encontram curiosos registos da aparição da tecnologia moderna (o comboio e o automóvel, a iluminação eléctrica) na paisagem, por parte de Kobayashi Kiyochika (1847-1915) e de Kawase Hasui (1883-1957), o primeiro artista/artesão a ser proclamado pelo governo japonês como Tesouro Nacional Vivo.

Face à ilusória permanência de um «mundo de sonho» reservado a amadores de arte, outras imagens impressas, a fotografia, o cartaz, a ilustração e a banda desenhada seguiam entretanto os caminhos do testemunho, da interpretação ou da denúncia da realidade. Esse confronto com o presente seria positivo.

«Mundos de Sonho»

Gravuras Japonesas Modernas da Colecção Robert O. Muller   

Museu Gulbenkian, até 7 de Janeiro

Hayter e o Atelier 17

EXPRESSO/Actual de 11-03-2006

Hayter e o Atelier 17 nos anos 30 parisienses

"Do sonho ao pesadelo"

"A Poética do Traço - Gravuras do Atelier 17, 1927-1940"

Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (13 Janeiro - 9 de Abril 2006)

Arpad Szenes, «Le Dernier Combat», 1939 (buril)

 Hayter não é um artista que arraste multidões, mas é uma referência obrigatória no universo da gravura e o seu nome encontra-se a cada passo quando se percorrem as biografias dos grandes criadores do século XX. Para além das suas contribuições para a história da gravura moderna, primeiro através da divulgação das técnicas de incisão directa em cobre, depois com o aperfeiçoamento de novos processos de impressão a cores, foram inúmeros os artistas que trabalharam nos seus vários estúdios, em Paris nos anos 30, em Nova Iorque, durante e depois da II Guerra, e de novo em Paris, a partir de 1950, todos eles designados pelo mesmo nome, Atelier 17.

A exposição dedicada a Stanley William Hayter (Londres, 1901 - Paris, 1988) concentra-se sobre o primeiro período parisiense, ilustrando um tempo marcado pela afirmação do surrealismo e o acumular das nuvens negras das crises que desembocam na Guerra de Espanha e na deflagração do conflito mundial. A par da sua própria obra gravada, representam-se em particular o trabalho de Arpad Szenes no Atelier 17 e, em conjunto, outros artistas que o frequentaram, como Picasso, Max Ernst, Masson, Tanguy, Hélion, Ubac, Vieira da Silva, etc.

Printmaking

EXPRESSO/ Actual de 06-08-2005

"Papéis impressos"

Panorama de obras gráficas inglesas dos anos 60

«As Is When» - Um Boom na Arte da Impressão na Grã-Bretanha 1961-1972 ( British Council ), Culturgest/Porto, até 1 de Outubro

Volta-se uma vez mais aos anos 60. A década, se não é o começo de tudo, distanciando-se da memória das grandes guerras, é pelo menos o quadro persistente das referências e das contradições que ainda dominam o presente. As fronteiras ideológicas perdem a sua rigidez com a aventura do Vietname e, depois da revolta húngara, com o cisma sino-soviético e os terceiro-mundismos. A confiança no progresso materializa-se com a explosão do consumismo (até à crise do petróleo de 1973) e com a revolução tecnológica, que se coroa na conquista do espaço, passando pelos optimismos da robótica e da cibernética. A arte, a par da música popular e do cinema, deixa as alturas dos ideais e dilacerações humanistas para se relacionar com a publicidade, a moda e o design, numa esfusiante afirmação das culturas urbanas, mas inicia-se pelo final da década um movimento inverso de isolamento e dúvida. Aqueles trânsitos, que tinham o seu centro europeu na «swinging London» e as suas metas e mitos nos Estados Unidos, com a aceleração exponencial da comunicação e da circulação, passam por ser representados pela arte pop, mas, se a designação é abrangente e fácil, ela não recobre o dinamismo e a diversidade das movimentações.

A exposição que nos reaproxima dos anos 60 é uma iniciativa itinerante do British Council especificamente dedicada à renovação e crescimento (um «boom») da arte da impressão na Grã-Bretanha entre 1961 e 1972. A expressão inglesa é «printmaking», que recobre a edição de gravuras e serigrafias, deixando de fora outros domínios do impresso, que então se renovavam nas áreas da tipografia e do design gráfico, no cartaz ou poster, na publicidade e na imprensa comercial ou alternativa e «underground». Mas os contactos entre artes maiores e menores eram então intensos, com o exemplo mais famoso da capa de Sgt. Pepper’s, concebida por Peter Blake, em 1966, e a própria serigrafia, adoptada por muitos artistas, com a intensidade das suas cores planas e a facilidade da apropriação fotográfica, menos exigente quanto a talento para o desenho, afirmara-se antes como um eficaz processo de reprodução fotomecânica comercial.

Estampa digital

Expresso actual de 31-01-2004 

"Paraísos artificiais"
Novos meios digitais de criação e impressão de imagens

Centro I+D (Investigación y Desarrollo) de la Estampa Digital, Calcografía Nacional
"Impres10nes", Instituto Cervantes, Lisboa

Há uma estranha perfeição nas flores fotografadas por Marc Quinn. Todas elas permanecem identicamente vivazes como se se tivessem imobilizado no momento de apogeu da sua florescência, gerando uma explosão de cor mais vibrante que qualquer jardim. Depois, insistindo em decifrar a estranheza das imagens, notar-se-á que as flores se elevam directamente de um fundo de erva ou musgo, sem folhagens «inúteis», e que a sua variedade, entre cogumelos e espargos, frutos tropicais, cactos e plantas exóticas, excede todas as possibilidades de um só canteiro ou estufa. Uma luz de aquário, reflexos de paredes de vidro e barras de caixilhos metálicos indiciam que se trata de um cenário manipulado, isto é, da criação de um paraíso artificial.

Arquivo - A gravura antiga

Expresso/Actual de 20/7/2002

"Academia de gravura"

Algumas presenças de primeiro plano numa antologia organizada com critérios antimodernos

(Walter Benjamin, ao tempo das suas reflexões sobre a reprodutibilidade técnica, não tinha informações sobre a longa tradição e a larga difusão da gravura de reprodução.)

«ANTOLOGIA DA GRAVURA EUROPEIA: DE DÜRER A GOYA»
(Palácio Galveias, até 25 de Agosto)

O título promete mais do que oferece a antologia, dados os limites práticos e os critérios de selecção, como reconhece a introdução do catálogo, e Goya não estabelece o seu fim cronológico; é uma destacada referência espanhola que se justifica pela origem da mostra, já que o acervo se prolonga até à entrada do século XX, mesmo que à primeira vista o não pareça. Diplomática, didáctica e académica, a exposição do Instituto Cervantes de Madrid inclui um razoável número de estampas de grande qualidade e de artistas de primeira ordem que justificam a visita, mas deve ver-se com alguma prevenção.

Bartolomeu dos Santos

 

http://www.ucl.ac.uk/news/news-articles/0806/08060401

Bartolomeu dos Santos, printmaker and professor, born Lisbon, Portugal, 24 August 1931; teacher at the UCL Slade School of Fine Art, 1961–96, becoming Head of Printmaking and Professor of Fine Art; Fellow of UCL, 1995, Emeritus Professor of the University of London, 1996; awarded the Order of Prince Henry by the President of Portugal (for services to Portuguese culture abroad), 1993; married firstly Susan Plant (three daughters, three grandchildren), secondly Fernanda Oliveira Paixao 1988 (two step-sons, two step-grandchildren); died London, 21 May 2008.

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Expresso de 8/12/2001

"Entre ácido e fogo"

Gravuras e azulejos em várias exposições simultâneas

BARTOLOMEU DOS SANTOS
(Centro Cultural de Cascais, retrospectiva de gravura, até dia 30; Ratton Cerâmicas, até 10 Jan.; Galeria 111, Porto, até 30)

Com uma retrospectiva em Cascais da sua obra de gravador, com que ocupa um lugar sem paralelo em Portugal, mais uma mostra de azulejos na Galeria Ratton e outra de gravuras recentes e aguarelas na 111, agora no Porto depois de mostrada em Lisboa, pode dizer-se que Bartolomeu dos Santos está por toda a parte. De regresso a Portugal depois de ter sido entre 1961 e 1996 professor de gravura da Slade School, de Londres, transformou a reforma académica num tempo de intensa actividade criativa, que se prolonga nas obras de «arte pública» ou grande decoração, passando do uso da pedra gravada do Metro de Entrecampos aos azulejos da estação do Pragal.

"Mais a Sul"

EXPRESSO/Actual 14-02-2004

Novas peregrinações

A colecção CGD/Culturgest de artistas africanos

"Mais a Sul"
Culturgest, Porto, até 30 de Março

 As colecções públicas e privadas têm-se mostrado de uma flagrante monotonia; com escassas diferenças entre si, adoptam o programa sumário de seguir a actualidade nacional, ou a sua espuma, comprando jovem e barato e, em geral, o mesmo. A colecção da Caixa Geral de Depósitos, que é uma pequena colecção apesar do gigantismo da instituição, saiu da rotina quando em 1999, já sob a orientação da Culturgest, passou a ter como horizonte alargado a arte dos países de língua portuguesa. É uma opção coerente com uma programação que tem dedicado atenção à produção cultural de origens não europeias (incluindo, já em 1995, a exposição francesa "Encontros Africanos"). Por outro lado, à falta de políticas oficiais de cooperação cultural, para além de um frágil esforço de sobrevivência do espaço linguístico, é uma direcção com sentido estratégico num país que parece não resolver os complexos do seu passado colonial e que raramente pensa a cultura ou a arte como algo mais do que ostentação e desperdício.

O domínio brasileiro teve já razoável relevo na apresentação da colecção que se fez em 2002, e a vertente africana, então reduzida a dois nomes (Mucavale e Shikhani), alargou-se o bastante para se apresentar agora numa exposição própria. São 13 os artistas reunidos sob o título «Mais a Sul», seis de Moçambique, outros tantos de Angola e um de Cabo Verde, alguns com anteriores presenças entre nós e outros desconhecidos, com formação e carreiras europeias ou com circulação restrita aos países de origem, por vezes com raízes em tradições populares. Esta diversidade assegura-lhe a qualidade imediata de ser uma mostra imprevisível, onde se atravessam fronteiras que não são só geográficas e se fazem vacilar os critérios habituais de validação das obras, convidando o visitante a descobrir e interrogar o que se expõe e não a seguir um guião preestabelecido. Por sinal, é também uma mostra que suscita uma significativa afluência de público.

João Cutileiro: fotografias Pop em leilão

O leilão a favor da Abraço das fotografias desconhecidas de João Cutileiro é amanhã, dia 23, 5ª feira às 21h na P4. (Noto agora, por acaso, que este é o escrito ou "post" (?) nº 1001, desde 20 de Agosto de 2006)

Um fotógrafo "Pop" - Londres (e Lagos) dos anos 60

Como aconteceu com o leilão Victor Palla a 29 de Maio deste ano, a história da fotografia em Portugal vai mudar. Depois da vaga da "fotografia subjectiva" e surrealista de Lemos e Palla; depois do tempo da "fotografia humanista", neo-realista, documental ou de ilustração (V. Palla/Costa Martins, Carlos Afonso Dias, Gérard Castello Lopes, Carlos Calvet, Sena da Silva,de 1955 a 63); João Cutileiro com os seus retratos expostos em 1961 na SNBA, e depois com os nus que agora se mostram, é o primeiro fotógrafo a seguir uma direcção independente do testemunho social do pós-guerra, uma direcção intimista ou de intimidade pessoal, fazendo o retrato de uma geração mais livre instalada em Londres nos anos da Pop. Primeiro fotógrafo dos anos 60, a que viria a seguir-se Jorge Guerra, que trocou Lisboa pelo Canadá (e em Montreal, com Denyse Gérin-Lajoie, dirigiu a revista de fotografia "Owo").
Se for preciso um rótulo, Cutileiro pode ser um fotógrafo Pop, como era próxima da Pop britânica a pintura de Paula Rego e de Menez.

www.p4liveauctions.com

Inauguração na Gulbenkian: Thomas Weinberger

Mas em Paris. As "Noites claras" do alemão  Thomas Weinberger apresentadas por Jorge Calado no Centre Culturel Calouste Gulbenkian, a prosseguir um ciclo informal de exposições anuais que já contou com o norte-americano/australiano David Stephenson ("Symetries Sublimes", em 2006) e com o inglês Mark Power ("Signes/Signs", em 2007), e antes com os "Olhares Estrangeiros" / "Dedans-Dehors - Le Portugal en Photographies - Collection de la Caixa Geral de Depósitos", em 2005.

"West", Lisbonne 2008  © Thomas Weinberger

 21 octobre - 19 décembre

Thomas Weinberger expõe pela 1ª vez em França, mas em Portugal já foi mostrado em INGenuidades / INGenuity, na Fund. Gulbenkian em 2007 (e tb em Bruxelas). Foi mesmo ele que figurou na capa do respectivo catálogo.

Carlos Afonso Dias (2)

Depois de dar atenção às fotografias de João Cutileiro em exposição na P4 (e a leiloar a favor da Abraço na 5ª feira dia 23 - ver http://www.p4liveauctions.com/calendar/auction/P4047.html )
o Público refere hoje a exposição de Carlos Afonso Dias na Pente 10, onde o fotógrafo dos anos 50 (1954-62) se encontra com a cor digital e o grande formato, num novo arranque da sua obra.
 "P2", pp. 6/7 http://jornal.publico.clix.pt/

2ª pág.

Uma obra que se inicia com a vaga da fotografia empenhada na observação da realidade de um país desalinhado com as democracias ocidentais do pós-guerra, onde um idêntico olhar "humanista" celebra menos o lirismo da reconstrução da vida do que indicia sinais de inquietação, sombra e alguma esperança.
A fotografia é então - com Victor Palla e Costa Martins, com Gérard  Castello Lopes e outros - neo-realista, usando livremente o termo, sem uma vinculação estrita ao seu uso nas artes plásticas ou na literatura. Como ao mesmo tempo estava a suceder em Espanha, com a chamada Escola de Madrid de Leonardo Cantero, Francisco Gómez, Gabriel Qualladó e outros, com os fotógrafos de Barcelona, Ramón Masats, Xavier Miserachs e Ricard Terré, mas nascendo das agremiações amadoras, explorando a logística de um salonismo que assim se combatia, e criando com a publicação de uma revista, a Afal (1956-63), em Almería, numa insuspeita capital do fim do mundo, condições de divulgação que teriam consequências certas. Em Lisboa, quase tudo seria apenas uma agitação efémera que só nos anos 80 começaria a vir parcialmente à superfície. Não se fez a ponte entre Cascais e Almería que teria mudado o curso das coisas.

docs.pt#07 Moçambique

Cinema e fotografia em Moçambique, antes e depois da independência.
A revista distribuiu-se hoje com o Público e certamente continuará à venda (4,90€) - dirigida por Sérgio Tréfaut, ed. Apordoc, coincide com o DocLisboa 2008 e em especial com uma das suas secções. Houve um qualquer acidente com a impressão das imagens a preto e branco, que aparecem por demais pixeladas, a justificar apuramento de responsabilidades e nova tiragem. Mas mesmo assim há que assinalar o que ainda aparece como a violação de um tabu: a (re)aproximação a uma ex-colónia.

É certamente a ex-colónia culturalmente mais rica, embora lhe falte o petróleo e os diamantes necessários para tornar essa cultura mais "atractiva". Já o era ao tempo dos outros senhores, com liberdades não toleradas em Lisboa, e foi conhecendo, apesar da longuíssima guerra civil, várias transições que, se não são exemplares, foram interessantes a vários títulos. A revista trata de cinema e dá largo espaço à fotografia: são dois campos onde se passaram e passam em Moçambique coisas relevantes e pouco conhecidas.

São, naturalmente, os capítulos dedicados ao cinema a parte mais substancial da revista: sobre Licínio de Azevedo, cineasta de hoje; sobre Margot Dias, pioneira em Moçambique do cinema etnográfico português; sobre os arquivos cinematográficos de Maputo e o cinema da revolução (a última?), quando Ruy Guerra, Jean Rouch e Jean-Luc Godard filmavam as utopias da época. As memórias cinematográficas de Luís Carlos Patrquim são um dos textos decisivos do volume.

Quanto à fotografia: RICARDO RANGEL ocupa 12 páginas dedicadas ao "Portugal colonial", Moçambique de 1957 a 1972, incluindo algumas das suas mais imagens politicamente mais incisivas: a dos sanitários onde os letreiros das portas separam "serventes" e "homens" e a do jovem pastor castigado com a marca do gado por ter perdido um animal. Nascido em Lourenço Marques em 1924, Rangel foi o primeiro foto-repórter não branco da imprensa de Moçambique (Notícias da Tarde, 1952) e está hoje ainda à frente do Centro de Documentação e Formação Fotográfica, criado em 1983 (então CFF).

 

Os gémeos, Moira Forjaz

É também publicado um trabalho de MOIRA FORJAZ: "O primeiro salário", uma reportagem sobre os mineiros recrutados para as minas de ouro da África do Sul, já depois da independência de Moçambique. Moira Forjaz, autora do livro Muitipi, Ilha de Moçambique (Imprensa Nacional, 1983), fotógrafa e cineasta nascida no Zimbawe em 1942, foi uma testemunha activa da independência e da revolução moçambicana, de cuja obra por muito tempo não se ouviu falar. Algumas das suas fotografias dequele livro tinham já surgido no site da P4, à venda em edições limitadas    

http://www.p4photography.com/limited_editions, e está projectada uma exposição individual com esses e outros trabalhos, também na P4 no início de 2009 < adiada para ?>.

Outro portfolio publicado é de Ditte Haarlov-Johnsen, "As Manas", a propósito da prostituição masculina em Maputo.

O voo dos abutres (Alain Badiou)

Atenção ao artigo de Alain Badiou no Le Monde de hoje. A ler como um aviso quanto ao retorno de alguns velhos perigos, ou a usar como laxante ou revulsivo, a tal ponto a mistificação é evidente. O discurso tem a falta de eficácia própria dos bonzos académicos, mas há sempre intermediários mais vivazes. Acaba assim:

"Rupture totale avec le capitalo-parlementarisme, politique inventée au ras du réel populaire, souveraineté de l'idée : tout est là, qui nous déprend du film de la crise et nous rend à la fusion de la pensée vive et de l'action organisée."

Para lá chegar, para chegar a parte nenhuma, o filósofo Badiou reedita a promessa de "uma hipótese geral", a crença de uma "certeza antecipada", servindo-se dos novos jogos de palavras de que as cátedras são férteis para associar "o real dos povos" ao "movimento próprio das ideias":

"Rien n'est plus important que de retrouver la passion des idées, et d'opposer au monde tel qu'il est une hypothèse générale, la certitude anticipée d'un tout autre cours des choses. Au spectacle malfaisant du capitalisme, nous opposons le réel des peuples, de l'existence de tous dans le mouvement propre des idées. Le motif d'une émancipation de l'humanité n'a rien perdu de sa puissance. Le mot "communisme", qui a longtemps nommé cette puissance, a certes été avili et prostitué.
Mais, aujourd'hui, sa disparition ne sert que les tenants de l'ordre, que les acteurs fébriles du film catastrophe. Nous allons le ressusciter, dans sa neuve clarté. Qui est aussi son ancienne vertu, quand Marx disait du communisme qu'il "rompait de la façon la plusradicale avec les idées traditionnelles" et qu'il faisait surgir "une association où le libre développement de chacun est la condition du libre développement de tous".

Os comentários dos leitores do "Le Monde" são de grande lucidez e oportunidade.

Point de vue
De quel réel cette crise est-elle le spectacle ?, par Alain Badiou
LE MONDE | 17.10.08

http://www.lemonde.fr/opinions/article/2008/10/17/....html

Ricardo Rangel, 2008

Inauguração
Centro Cultural Franco-Moçambicano
Terça-feira 21 de Outubro, as 18h30

Uma grande parte desses 50 anos é também a nossa história - e faz parte daquela de que nos podemos orgulhar.

É uma pequena exposição, que se segue à condecoração com a ordem francesa das Artes e das Letras, e que não se substitui à retrospectiva de Ricardo Rangel que deveriamos ajudar a produzir e trazer a Portugal.

PP-CULT, Plataforma Pelo...

E a chatice é que este PCp (Património Cultural português) é PS.

"Em mais de trinta anos de vida democrática recente deram-se passos importantes para que o Património
Cultural português começasse a adquirir na sociedade o lugar central, progressivo e moderno que lhe compete. Libertámo-nos de fantasmas; somos unânimes na consideração de que as políticas de Património Cultural constituem o desígnio central do Estado na área da Cultura."

...lugar central... desígnio central. Esse Estado já não existe, felizmente

Vi a publicidade da apresentação pública e fui abrir um dos endereços onde se diz que a partir de amanhã se poderá consultar a "Declaração da PP-Cult: O património como valor estratégico e oportunidade nacional". Já lá está hoje, obrigado (  http://www.icom-portugal.org/)
Mas não, não nos libertamos de fantasmas - eles habitam entre nós.
Claro que muita coisa está de rastos, ou a cair, e que tem faltado autoridade ministerial (é-me política e pessoalmente penoso testemunhá-lo), mas assim demonstra-se só que há causas muito profundas para que este sector se tenha tornado a última das prioridades: é de um entranhado corporativismo imobilista (quando não é de um oportunismo despudorado) e é insuportavelmente soporífero. Mais uma vez se perderá a oportunidade do debate público necessário. E espanta (ou já nada espanta?) que recentes titulares de responsabilidades públicas apareçam a ornamentar a movimentação. 

Os mares de Ílhavo

O Museu Marítimo de Ílhavo inaugura duas novas exposições no dia 19. A investigação e a fotografia sobre temas ligados ao mar e à pesca têm sido marcas fortes da sua programação:

 

A primeira mostra vem pela primeira vez à Europa, proveniente do Mariners’ Museum, de Newport, USA. É a versão itinerante de uma exposição inaugurada em 1997, que foi acompanhada por um
livro editado pela Yale University Press, que talvez venha a ter edição portuguesa. John SZARKOWSKI (antigo comissário do MoMA e fotógrafo) escolheu as fotografias e escreveu a introdução. Richard Benson, fotógrafo e impressor, editou e acrescentou as histórias.

e
 

A 2ª exp. reúne fotografias de João Laruncho de São Marcos (Ílhavo, n. 1919), Artur Seabra Oliveira (Penafiel, 1938) e João Cruz ( Marinha Grande, 1941): três testemunhos das campanhas do bacalhau nos mares gelados da Terra Nova e Gronelândia, por um comandante, um imediato e um enfermeiro, nos anos 50/60.

Inaugurações a 19 de Outubro de 2008, no âmbito das comemorações do 7º aniversário das novas instalações do Museu Marítimo de Ílhavo. ATÉ 1 DE FEVEREIRO

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E o Museu noticia também a realização do
COLÓQUIO INTERNACIONAL - "Octávio Lixa Filgueiras: Arquitecto de Culturas Marítimas", a 17 e 18 de Novembro.

na sequência da incorporação a título de depósito, em Maio de 2007, do espólio documental pertencente ao Prof. Arquitecto Octávio Lixa Filgueiras no Museu Marítimo de Ílhavo. O arq. Lixa Filgueiras foi um grande investigador sobre as embarcações tradicionais portuguesas e também um dos participantes do inquérito à Arquitectura Popular Portuguesa, 1955-81.

España 2: Mapfre Fotos

Em Portugal há um banco que patrocina a fotografia. Em Espanha há também uma seguradora. É a Mapfre Vida e adoptou um projecto de colecção e uma linha de exposições que não têm paralelo.

As Irmãs Brown (1975),  Nicholas Nixon (o 1º retrato de grupo de uma série anual).

A Fundação Mapfre tinha uma famosa galeria num centro comercial  da General Perón (40) e abriu agora três galerias na sua nova sede no Paseo de Recoletos, 23 : onde mostra desde ontem 3 exposições 3

http://www.mapfre.com/fundacion/es/exposiciones/cultura/Exposiciones_Actuales.shtml

http://www.coleccionesmapfrearte.com/museo.aspx

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É aí que expõe "Las Hermanas Brown", e outras coisas, enquanto a anterior galeria (Sala AZCA) passa a ser dedicada apenas à fotografia:

A Península é a mesma, mas tudo o resto não tem comparação.

PhotoBolsillo, dez anos (España 1)

Em Portugal há um banco que patrocina a fotografia, em Espanha também há (*).
É a Caja Madrid. A colecção PHotoBolsillo / Biblioteca de Fotógrafos Espanõles - editada por La Fabrica (a empresa do PhotoEspaña) e patrocinada pela Obra Social Caja Madrid - está a comemorar dez anos e já publicou monografias dedicadas a cerca de 70 fotógrafos espanhóis, desde o princípio do século (Luis Escobar, Alfonso, Agusti Centelles, etc) até ao presente. Passando por Francesc Catalá-Roca, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Oriol Maspons, Ricard Terré, Gabriel Cualladó, Carlos Pérez Siquier, Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Isabel Muñoz. E Cristóbal Hara, claro. O mais recente é Gonzalo Juanes e antes saiu o de Virxilio Vieitez.

Dez pequenos livros por ano, contando com as reedições e actualizações dos volumes esgotados.  Bilingue: castelhano e inglês. A preços módicos de 10,95 €, com 18x13 cm e c. 112 pp. http://www.photobolsillo.com/
122 € a assinatura anual para a Europa (e condições especiais para Portugal: [email protected]

Três lugares

I
À 2ª feira, entrada gratuita
Todos os dias 12-20h, até 2 Nov.
Arq. Peter Zumthor (1943, Basileia), "Edifícios e Projectos 1986-2007", apresentado pela Experimenta Design / conceito da exp. de Thomas Durisch

LxFactory

II - Susanne Themlitz, "O Estado do Sono" no Pavilhão Branco: SÓ ATÉ DIA 19

Pavilhão Branco

III - E ainda trabalhadores da Cuf vistos à maneira de Boltanski,
"100 da Cuf" no Museu Industrial do Quimiparque, Barreiro - é, além de outras coisas, uma oportunidade para visitar o que resta da Cuf, as ruínas, o Mausoléu de Alfredo da Silva (arq. Cristino da Silva), algumas outras arquitecturas poderosas e um lugar mítico - até 20 de Dezembro, entrada gratuita (ao fim de semana, entrada pelo Lavradio)

Uma exposição virtual, 1945-1959

Um percurso abreviado pela fotografia neo-realista em Portugal, projectado no congresso evocativo dos 100 da CUF

com imagens de Francisco Castro Rodrigues, anónimos (Lima de Freitas?), Adelino Lyon de Castro, Maria Lamas, Augusto Cabrita (que não me parece entrar no grupo dos neo-realistas, mas tem de ser referido  a propósito, ainda por cima no Barreiro e no Auditório com o seu nome...), e Costa Martins/Victor Palla

A Colecção Berardo em Paris

O Museu está desfalcado e a "rentrée" do CCB + celebração do 1º aniversário estão fragilizadas: os desenhos de escritores são uma curiosidade especializada; o "regresso à figuração" pintada fica longe de sustentar o tema com solidez; o francês individual não se percebe porquê; e as instalações de La Caixa... ainda não vi.*

Há razões para que faltem no Museu as obras que esperamos lá estarem (pelo menos parte delas...), e acontece que estão em Paris. Mais valia explicar as razões das ausências - porque é sempre melhor "em política" explicar o que vai mal e porquê (e aqui o público até não paga)

As razões são de peso e o Museu do Senado francês tem uma grande visibilidade (mesmo se às vezes não tem o melhor gosto: um magnífico Rafael em 2001, um medíocre Modigliani, depois; o Matisse tardio de Marcelin Pleynet, a Colecção Rau, Arcimboldo... - é um grande palco de exposições, com um largo público fiel, com a particularidade de ter uma gestão empresarializada, concedida a  sVo - Sylvestre Verger Organisation) 

A viagem até Paris das melhores obras da Colecção Berardo é, a vários títulos, um grande acontecimento. Depois das diligências que visaram a instalação da Colecção em França (e esteve perto)...

No site: http://www.museeduluxembourg.fr/

Outra história (e outro presente): João Cutileiro fotógrafo

Volta a levantar-se uma ponta da história na P4, como aconteceu com o leilão de Victor Palla -
(e esta "história" começa aqui em http://...cutileiro-fotografo.html)
(a história pode ser ser uma coisa boa de ver)

HOJE, SÁBADO, A GALERIA ESTÁ ENCERRADA (11/OUT.):
P4 ArtGallery:  16 Navegantes St. 1200-731 Lisbon  (à Lapa)
Time-table : Wednesday, Thursday and Friday from 17.00 to 20.00
Saturday: by oppointment. Closed on holidays.

Tel. | Fax: 351-213621894

http://www.p4liveauctions.com/calendar (com as imagens da exp./leilão)

("Proibido fotografar" - e aqui a Sony não estava regulada para as circunstâncias...)

Desta vez são fotografias de João Cutileiro, nus dos anos 60, um ou outro retrato, uma ou outra escultura, dois torsos retratados e mais outro em pedra (um tríptico?), um auto-retrato com a Pentax que em 1993 se expôs com o título Paul Newman (extra-catálogo), umas mãos que agora me lembram as de Georgia O'Keeffe por Stieglitz, etc.

Provas "vintage" (de época e de autor), vividas, alguma mais restauradas e outras menos (um rabo em parte comido por uma gata...), algumas provas únicas de negativos perdidos e outras não. Em leilão a favor da Abraço).

(um tríptico? - ou só uma excelente montagem, mas seria pena dispersarem-se as três provas assim mostradas)

 

E o que também importa, e muito, é que as fotografias chegam ao mercado - não só se mostram, como se põem à venda, encontrando um valor e uma colecção, várias colecções. Aprende-se a distinguir uma reedição moderna (às vezes tem de ser, ou trata-se até de uma melhor variante) e uma prova "vintage" - as diferenças são mais ou menos subtis, com as diferentes datas de impressão (e produtos de impressão), os diferentes formatos, as marcas do tempo. O que não tem nada a ver com a arbitrária e comercialona fixação de um nº de 3, ou 1!, provas, para rarificar os produtos.

Fartos de instituições fotográficas que têm por missão subvencionar-se e sobreviver, que foram aprisionando a fotografia nas suas malhas burocráticas e autocráticas, descobrimos a eficácia próxima de outro circuito em que se joga a capacidade de intervenção dos interessados. É este o salto necessário - criar um mercado para a fotografia - o mercado que nos pode devolver as imagens escondidas, salvar as imagens que julgamos perdidas. Que convida a revisitar os armários e a mostrar os espólios. A entrada na fase adulta.

O neo-realismo depois de 1955

Neo-realismo e novas direcções
(... até aos documentos subjectivos)

Costa Martins / Victor Palla, fotografia (1956-58) publicada no livro Lisboa, Cidade Triste e Alegre, ed. 1958-59.

Já sob o estímulo da exposição “The Family of Man”, organizada por Edward Steichen  no MoMA, 1955, e das notícias que a precederam desde 1954 (em especial na revista "Fotografia", de Março, nº 2, antecendo informações estrangeiras), um conjunto de autores iria protagonizar uma intenção modernizadora da fotografia em Portugal que não chegou nunca a revelar-se como movimento organizado (também com Carlos Afonso Dias, Sena da Silva, Gérard Castello-Lopes, depois João Cutileiro, já instalado em Londres, etc), e que só teve expressão pública com o livro de Costa Martins e Victor Palla, em 1958/9.

No especialíssimo "Índice" comentado de Lisboa, Cidade Triste e Alegre refere-se como espaço próprio de trabalho ou propósito a “nova escola naturalista, documental”, um “naturalismo mais documental”, usando muita informação norte-americana a equilibrar o apreço pelo realismo poético francês.

A recepção da exposição (Galeria Diário de Notícias, de 21 a 28 de Outubro de 58)  “veio mostrar que também entre nós existem artistas integrados num movimento realista de arte fotográfica” – escreveu-se à época na revista “Binário” (António Freitas: "Fotografia e realismo:...", Out. 1958).
AF: O “conteúdo humano e poético”. “Manifestação artística de mérito e… elemento de apreciação sociológica duma grande urbe”. “Sente-se um grito de esperança, que contém, no entanto, uma velada acusação – a presença quase constante da criança…”
“...o significado realista da obra”

Ernesto de Sousa e José Borrego na revista "Imagem" associam-nos ao cinema realista.
ES: "Um tal conjunto é uma demonstração de um cinema realista que podíamos ter e ainda não tivemos" (Imagem nº 25, Fev. 59).
JB: "A sensação de verdade e espontaneidade, de coisa colhida no real do dia-a-dia." "Uma ternura melancólica." (O livro:) "Um rasgar de novidade." (À espera do cinema:) "O documentário humano, a um tempo duro e poético, terno e dinâmico" (Imagem nº 34, Set. 60)

Salonismo e neo-realismo

III
Salonismo e “fotografia pura” no Barreiro

Augusto Cabrita (1923-1993): do Salão à profissão

O Barreiro foi palco de um dos mais importantes concursos de fotografia em Portugal, e tem, graças em especial a Eduardo Harrington Sena, um papel relevante e muito complexo na área do salonismo fotográfico.
O 1º Salão de Arte Fotográfica, de 1950 (inaugurado a 10 de Nov. na sede do Clube 22 de Novembro), é organizado pelo Jornal do Barreiro. O de 1951 é já do Grupo Desportivo da CUF mas restrito aos associados, o de 1952, 2º Salão, já é nacional, o 5º  é já internacional, em 1955. Aí se afirma Augusto Cabrita, desde 1950 e em especial em 1952. E a partir de 1956 também Eduardo Gageiro.

Entretanto, Harrington Sena dirige a página mensal “Fotografia”  do Jornal do Barreiro entre Agosto de 1954 e Julho de 1957, que de algum modo se institui como orgão do amadorismo fotográfico, depois da breve vida das revistas “Plano Focal” (4 nºs em 1953, sendo chefe de redacção Ernesto de Sousa) e “Fotografia” (dez nºs de Fev.1954 a Out. 55). Defensor da “fotografia pura", mas complacente face às posições picturialistas tradicionais (a "paisagem pictórica", de Rosa Casaco, João da Costa Leite, etc), também director do Boletim do Foto Clube 6 x 6, Sena tentou federar as agremiações amadoras, quando a sua debilidade se acentuava, em 1956.

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Neo-realismo, imagens ignoradas II, Maria Lamas

Maria Lamas ( 1893-1983 ) e o livro AS MULHERES DO MEU PAÍS - 1948-50

Foi fotógrafa por necessidade e só por brevíssimo tempo - 1948-50 - durante a preparação do seu livro As Mulheres do meu País, uma grande reportagem editada em fascículos  e que é ilustrada (para além das fotografias que fez expressamente para esta edição) igualmente por uma vasta recolha de imagens documentais e de temática social de muitos fotógrafos da 1ª metade do século, de Alvão a alguns interessantes desconhecidos como José Loureiro Botas, Júlio Vidal e Firmino Santos.
É um leque muito vasto e variado que precisa de ser estudado por si mesmo, e que inclui, por exemplo, a Foto Beleza, Artur Pastor, um profissional activo como amador, Adelino Lyon de Castro com dez fotografias, e amadores e estúdios regionais como Álvaro Laborinho (Nazaré),  Júlio Goes (Nazaré), Joel Mira (Caldas), Demóstenes Espanca (Évora), os Perestrelos da Madeira. Outros serão já de improvável identificação, só referidos como F. Rocha, A. de Sousa, M. Carneiro, A. Fidalgo. Muitas dessas imagens podem ser vistas como exemplos da fotografia romântico-naturalista, do populismo, do fotojornalismo objectivo, etc.

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Mostram-se três fotografias de Maria Lamas em As Mulheres do meu País, 1948-1950, ed. Actuális, Distribuidores Gerais, Lisboa. Existe uma notável 2ª edição, da Caminho, 2003, em facsimile e usando as provas originais de ML, o que lhe assegurou uma qualidade de impressão incomparavelmente superior. A 1ª edição teve uma impressão tipográfica deficiente, o que em parte pode ter justificado a sua desvalorização enquanto objecto fotográfico.

Neo-realismo, imagens ignoradas: Lyon de Castro

II
O N-R esquecido ou silenciado: Adelino Lyon de Castro

Adelino Lyon de Castro (1910-1953)

ALC foi co-fundador das Publicações Europa-América, amador fotográfico com larga participação nos salões do seu tempo, expositor na V Exposição Geral de Artes Plásticas em 1950, membro do Foto-Clube 6 x 6 (fundado em 1950 – pertenceu ao seu Conselho Artístico). Foi também repórter desportivo, tendo acompanhado os Jogos Olímpicos na Finlândia para duas publicações. Está presente com dez fotografias no livro de Maria Lamas  As Mulheres do meu País de que se falará adiante.

5 – Ex-Homens. É a fotografia mais exposta e publicada de ALC.
Em 1946 foi exibida no 9º Salão de Arte Fotográfica do Grémio Português de Fotografia, secção da Sociedade de Propaganda de Portugal, na SNBA, Lisboa, e no Clube Fenianos, Porto.
1950 (Maio) - 5ª Exposição Geral de Artes Plásticas, SNBA.
1950 (Nov.) - I Salão de Arte Fotográfica do Jornal do Barreiro: foi distinguida com o Grande Prémio, sob o título “Vagabundos”  (Aí expõe também “Rua em festa”, o 1º Prémio de Instantâneo. Nesse mesmo Salão apareceu Augusto Cabrita)
1956 - publicada no Boletim do Foto Clube 6 x 6, nº 3, de que era director Eduardo Harrington Sena, animador da secção fotográfica do Grupo Desportivo da CUF, responsável entre 1954 e 57 pela página “Fotografia” do Jornal do Barreiro. No artigo “In Memoriam”, de Manuel Ruas, editor do Boletim (homem do cinema, viria a fazer a montagem de Belarmino de Fernando Lopes), aponta ALC como um "exemplo de humanismo" e acrescenta:

“A sua arte, embora de rica estruturação formal, sempre se afastou radicalmente do academismo oco em que tem estiolado a nossa Fotografia.“

“Procurou sempre que as suas obras transmitissem Vida, a Vida do Homem: o seu trabalho, as suas angústias, as suas esperanças”.

1980 – publicada no álbum monográfico O Mundo da Minha Objectiva, P. E-A. Um livro que não foi visto no seu tempo, os anos 80, que conheceram uma revisão profunda da cultura e da circulação fotográficas.
(Existe de Ex-Homens uma outra prova rectangular no espólio de ALC)

6 - “Rua em festa”, ou “Festa” (atribuição)
1950 (Maio) - 5ª Exposição Geral de Artes Plásticas, SNBA.
1950 (Nov.) - I Salão de Arte Fotográfica do Jornal do Barreiro: 1º Prémio da categoria Instantâneo
1980 - O Mundo da Minha Objectiva (“Festa”)

Fundou as Publicações Europa-América com Francisco Lyon de Castro, foi editor de "Ler, Jornal de Letras, Arte e Ciências", lançado pela mesma editora, de 1952-53. Publicação forçada ao encerramento em 1953, esteve no centro de uma das crises internas da Oposição, sabotada pelo PCP por ser orientada por Fernando Piteira Santos, excluído em 1950 e então acusado com Mário Soares de pro-americanismo. Ver “A purga dos intelectuais” e em especial “O jornal Ler, “orgão do SNI”", Pacheco Pereira, Álvaro Cunhal 3.

Julgo que a memória do neo-realismo fotográfico (para além dele não ter sido defendido, entendido ou reconhecido no seu tempo próprio) terá sido também inviabilizada por razões políticas de sentido oposto. Adelino Lyon de Castro enquanto “inimigo”  do PCP; Maria Lamas por se ter tornado uma bandeira da propaganda do PCP.

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Estas fotografias chegaram às Exposições Gerais em 1950, o que por si só não as torna N-R (foi a primeira e única vez em que ALC esteve presente – morreu em 1953).
Nesse ano expôs também Francisco Keil do Amaral, animador das Gerais e do Inquérito à Arquitectura Popular iniciado em 1955 (outro monumento fotográfico…). Arquitecto e fotógrafo (amador), voltou a expor na IX EGAP. A sua obra fotográfica (exposta sem catálogo em 1999, no Museu da Cidade, Lisboa - então erradamente apresentada como um "passatempo") tem de ser objecto de atenção específica – no volume Em Foco. Fotógrafos Portugueses do Pós-guerra. Obras da Colecção PLMJ, ed. Assírio & Alvim 2005, publicam-se dez fotografias com datas atribuídas de 1956-58, e em parte seguramente anteriores.
E expuseram igualmente Manuel Peres (3 retratos, desconhecidos) e Rodrigo de Vilhena (referido por Emília Tavares no seu importante ensaio “Fotografia e neo-realismo em Portugal”, in Batalha pelo Conteúdo..., Museu do Neo-Realismo, V. F. Xira, 2007, como próximo dos artistas modernistas, interessado pela temática dos comboios e a exploração formal da velocidade – mas os títulos das obras que expôs em 50 são acentuadamente “salonistas”: Equinócio, Espectativa, Nuvens, etc).

As seis fotografias de ALC e as oito de Keil (estas sem títulos no catálogo) não terão despertado a atenção da crítica, nem terão sido associadas ao neo-realismo…
A fotografia (como secção própria – para lá da que se expôs nas áreas de Arquitectura e, às vezes, Publicidade) aparecera apenas na 1ª edição, de 1946, através de Mário Novais – mas tratar-se-ía então de afirmar a grande unidade ou abertura política, com a participação de figuras muito presentes em iniciativas do regime (como Carlos Botelho e Bernardo Marques), e de recuperar a memória e os artistas da Exposição Independente de 1930.

ALC expôs ainda nos salões do Foto Clube 6 x 6, em muitos salões internacionais (Barcelona, Madrid, Rio de Janeiro, Niteroi, Salta?, na Argentina - graças às “remessas colectivas” dessa agremiação) e também em muitos outros em Portugal:
Exposições Fotográficas de Campismo no Ateneo Comercial de Lisboa (1947?-1952)
3º Salão de Arte Fotográfica para Amadores, do Ateneu Artístico Vilafranqunse, 1952
Salões de Arte Fotográfica da Voz do Operário (1950-1953)
Salão de Arte Fotográfica de Santo Tirso, 1952 e outros

É provável que nem tudo o que nesses salões se expôs se possa menosprezar como mero “salonismo”… ALC não seria o único fotógrafo empenhado em “assuntos” de índole social e a tratá-los como expressão de angústias e esperanças, como dizia Manuel Ruas.

A propósito, note-se que é no seio das agremiações amadoras, beneficiando das suas condições logísticas e criticando ao mesmo tempo o gosto estético do “salonismo”, que se vai renovar a partir de 1955-56 a fotografia em Espanha. Graças a uma repressão muito mais dura no pós-guerra, não existe então um equivalente do N-R. nas artes plásticas e a intervenção artística de cunho político de esquerda acontece - após a não figuração e o informalismo oficializados pelo regime - com o movimento Estampa Popular, a partir de 1959, até 1976.

Neo-realismo, algumas imagens I

I
O N-R ignorado, ou o N-R que não chegou a ser (a oportunidade perdida)
Documentos de trabalho de (para) artistas, apenas conhecidos em provas de contacto ou de pequeno formato. Provas de época. Não expostas nem publicadas até 2005-2008. 

 

1 – Arq. Francisco Castro Rodrigues, Évora, 1945, página de um dossier, relativa à IX Missão Estética de Férias da Academia Nacional de Belas Artes, que decorreu sob a orientação de Dordio Gomes, com participação de Júlio Resende, Fernando Lanhas, Nadir Afonso, Júlio Pomar, entre outros. Estas ou outras provas iguais serviram de documentação para O Gadanheiro (Gadanha), de 1945, e Camponês com Gadanha, já de 1951, de Júlio Pomar.
Doação do autor ao Museu do Neo-Realismo, Vila Franca de Xira. Inédito até 2008 (6 provas de 6,6 x 5 cm).

O Neo-realismo nas artes plásticas afirmou-se em 1945 nas páginas do suplemento “Arte”  do diário A Tarde, do Porto, e confirmou-se emblematicamente nas exposições das obras realizadas na IX Missão Estética. Castro Rodrigues – que não foi um fotógrafo insistente – apenas expôs então desenhos (“Apontamentos de Évora”) e estudos de arquitectura (“Tentativa de Inquérito à Habitação” – o que parece ser a aparição de uma ideia a concretizar em 1955-61).
Pode dizer-se que a fotografia N-R. perdeu a sua 1ª  oportunidade.

As vanguardas e a guerra no Museu Thyssen

A inauguração da semana. Em Madrid, claro. Estas são as vanguardas mesmo, as de antes e durante a 1ª Guerra Mundial. Vanguardas artísticas e políticas na sua necessária articulação para mudar o mundo e a arte - a caminho, por ocasião e em consequência do desastre. O Museu Thyssen-Bornemisza com a Caja Madrid apresenta mais uma das suas grandes exposições históricas, comissariada por Javier Arnaldo.

Depois de "Vanguardias Rusas", em 2006 (de Tomàs Llorens) http://...arquivo---vanguardas.html
de "Mimesis. Realismos Modernos, 1918-45", 2005 (Tomàs Llorens) http://...arquivo---realismos.html
de "Brucke: El Nacimiento del Expresionismo Aléman", 2005 (Javier Arnaldo e Magdalena M. Moeller) http://...die-brucke-centenario-em-madrid.html
de "Gauguin y los Orígenes del Simbolismo", 2004 (Guillermo Solana)
de "Analogías Musicais. Kandinsky y sus Contemporáneos", 2003 (Javier Arnaldo)
de "Forma. El Ideal Clásico en el Arte Moderno", 2002 (Tomàs Llorens)
o museu fundado por Tomàs Llorens (e pelo Barão) continua a rever o século XX, mais os seus antecedentes próximos, e em especial os anos que marcaram o seu destino "vanguardista".

A ideia de vanguarda (com o carácter belicista que lhe é próprio) e os movimentos artistísticos apostados na ruptura com a tradição e/ou com a ordem burguesa - E também os testemunhos dos artistas mobilizados e as denúncias da guerra.

visita guiada sala a sala:
Museo Thyssen-Bornemisza
1 El oscurecimiento del mundo / 2 La segunda visión / 3 Últimos días de la humanidad
4 La vanguardia a caballo / 5 Canción de guerra / 6 Vórtice destructor
7 Guerra de las formas. Una estética de la desaparición / 8 Carga de profundidad

Fundación Caja Madrid
9 Apocalipsis de nuestro tiempo / 10 Artista y soldado / 11 Cubismo en las trincheras
12 El estigma de la condenación  / 13 «C'est la guerre!» (W. Lehmbruck, G. Rouault, F. Vallotton, P. Nash, O. Friesz y C. Permeke, entre otros)
http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones...

E desta vez lembraram-se de AMADEO DE SOUZA-CARDOSO, presente com duas obras:

Um Sem Título (não figurativo) de 1913 numa sala intitulada "A 2ª visão"

"2. La segunda visión : La función de la pintura como medio de anticipación o de revelación de una
realidad más elevada, y como promesa de liberación de valores espirituales, determina una buena parte del arte nuevo en torno a 1913.  Bajo el título de este  capítulo se agrupan una serie de pinturas y esculturas - de Kupka, Marc, Souza  Cardoso, Epstein, Goncharova o Brancusi- que responden explícitamente a la  capacidad del arte de anticipar acontecimientos lejanos o futuros en forma de una
visión, tomando a veces imágenes del mundo animal." 

e Le Prince et la Meute, de 1912, na sala "A vanguarda a cavalo"

"4. La vanguardia a caballo : El jinete a caballo es un motivo recurrente en la iconografía de la    
vanguardia artística de la primera mitad de la década de 1910:  Marc, Kandinsky, Macke, Boccioni, Severini, Duchamp-Villon, entre otros, se ocuparon reiteradamente de la representación de  
jinetes y caballos. El caballo encarna con frecuencia la fuerza dinámica como imagen del arte de avanzada. La identificación del arte emergente y de la así llamada vanguardia con la
caballería permite asociar algunas de las inquietudes artísticas más determinates de la época con una militancia belicista  que, de hecho, se manifestará en los acontecimientos de 1914." 

Die Brucke, centenário em Madrid

ARQUIVO

Expresso/ Actual de 09 Abril 2005

Uma ponte centenária

 Cem anos de Die Brücke comemorados em Madrid- no Museu Thyssen

    O ano de 1905 é apontado como a data de começo do século XX, quando se procura localizar com algum acontecimento preciso uma dinâmica de viragem no terreno das artes plásticas. A tradição francesa toma como início da era das vanguardas o escândalo desencadeado na imprensa à volta da sala que reuniu as obras de Matisse, Marquet, Derain e Vlaminck, no Salão de Outono de Paris, em Outubro; alertado a tempo, o Presidente da República recusou-se a comparecer à inauguração, e a polémica em torno da «jaula das feras» («la cage aux fauves») deu origem, como sucedera com o impressionismo, à designação de uma nova estética.

Poucos meses antes, precisamente a 7 de Junho, em Dresden, quatro jovens artistas - Ernst Ludwig Kirchner e Fritz Bleyl, arquitectos recém-diplomados, e Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff, ainda estudantes - firmavam o «acordo fundacional do grupo de artistas Brücke» (Ponte), logo depois transformado em associação, com membros activos e sócios passivos que os apoiavam. À data, não eram mais do que quatro amigos determinados a vencer as recusas das galerias, mas o grupo iria rapidamente afirmar-se, já com os ecos do fauvismo impregnados pelas raízes culturais nórdicas, como o primeiro movimento expressionista alemão - em 1911 surgiria, em torno de Kandinsky e Franz Marc, o grupo Blaue Reiter (Cavaleiro Azul). O nome escolhido não identificava um programa, mas uma vontade de mudança: «Do que nos tínhamos de afastar estava claro; aonde iríamos parar, porém, era algo mais incerto», escreveu depois Karl Schmidt-Rottluff. Com uma muito provável influência do vitalismo filosófico de Nietzsche, para quem «a grandeza no ser humano é ser uma ponte, não uma meta».

O Thyssen e a Colecção Carmen

EXPRESSO Actual de 14-08-04  

No passeio das artes

O Museu Thyssen foi ampliado para acolher a Colecção de Carmen Cervera

Já foi inaugurada a primeira das grandes obras de ampliação dos museus centrais de Madrid. O Museu Thyssen-Bornemisza aumentou 50 por cento a sua área para acolher em permanência a colecção de Carmen Cervera, a viúva do barão daquele nome. No Museu Rainha Sofia também abriram, com a mostra do centenário de Dalí e uma antologia de Roy Liechtenstein, as duas grandes galerias incluídas no projecto de ampliação confiado a Jean Nouvel. Mas a inauguração completa (que compreenderá uma biblioteca e um auditório sob a grande pala vermelha de aço e vidro que cobre três edifícios e uma praça triangular interior) ficou adiada para a Primavera, em data próxima da estreia do novo Prado, a cargo de Rafael Moneo.

Saíram frustrados os esforços de José María Aznar para presidir em ano eleitoral à abertura de todo este imenso «projecto de Estado», descrito como um dos maiores programas culturais do mundo, mas a obra fica. No total, anunciou-se o investimento de 147 milhões de euros para ampliar em 52 mil metros quadrados os três museus, esperando-se ultrapassar os actuais três milhões de visitantes por ano. O conjunto vem reforçar a centralidade cultural madrilena e tem sido comparado à Ilha dos Museus de Berlim, à Museum Mile de Nova Iorque ou ao Mall de Washington. O programa, aliás, inclui igualmente a reorganização urbanística do eixo viário entre Atocha e Cibelles num novo «Paseo del Arte», atribuída por concurso a Álvaro Siza e Juan Miguel Hernández, de Léon.

Paul Strand em Vigo

...la primera retrospectiva que se podrá ver en España del fotógrafo norteamericano Paul Strand

A GALIZA É UMA NAÇÃO

Dantes tinham o Corte Ingles, agora já vão muito à frente.

 

 

http://www.aperture/.../events...

http://www.aperture.org/strand/

 Para quê os Encontros da Imagem em Braga se a Galiza é tão perto? (comentário ouvido na CCR Norte..., ou foi na DGA?)

Shogi Ueda em Madrid

«Uma Linha Subtil, Shoji Ueda (1913-2000)», Madrid, La Caixa, 2005


Shoji Ueda (1913-2000) é talvez o mais singular dos fotógrafos japoneses e aquele cuja carreira, sempre discreta, atravessou um horizonte temporal mais longo e diversificado, desde a «fotografia artística» de inspiração pictorialista, que no Japão se prolongou pelos anos 30, até ao fim da década de 90. A 2ª Guerra Mundial, ou Guerra do Pacífico (1941-45), foi só um intervalo na sua obra, quando escasseava o material fotográfico e era recrutado por duas vezes para o Exército, só por brevíssimos períodos devido a debilidade física.
Logo que o conflito termina, Ueda regressa aos seus cenários de areia e às composições encenadas com figuras, imobilizadas como objectos, desenvolvendo o seu «Teatro das Dunas» com um humor e uma serenidade totalmente à margem do fotojornalismo documental que orientava então a fotografia japonesa. Hiroshi Hamaya (1915-1999) era um exacto contemporâneo dedicado ao documentário humanista e membro da Magnum, enquanto a ocupação norte-americana e as marcas deixadas por Hiroxima e Nagazaki iam servindo de desafio para a renovação radical que a agência Vivo e a revista «Provoke» protagonizaram, com Tomatsu, Eikoh Hosoe e Daido Moryama. Mas é também no pós-guerra, isolado na sua região de Tottori, que começa a trajectória profissional heterodoxa de Ueda, como que indiferente às mudanças de tempos e centrada na intimidade de um universo imóvel.

shoji ueda office

Harry Callahan 1912-1999

ARQUIVO

EXPRESSO Actual de 10-04-99

 

 HARRY Callahan foi um dos mais importantes fotógrafos e professores de fotografia da segunda metade do século. Nascido em Detroit, em 1912, morreu aos 86 anos em Atlanta, a 15 de Março. Visitara Portugal em 1982 e onze fotografias das ruas da Nazaré, Alentejo e Algarve fazem parte do livro que acompanhou a exposição itinerante New Color. Photographs 1978-1987. As ruas estão desertas e Callaham concentra-se nas fachadas de cores berrantes, atento «à articulação cubista das formas e ao jogo misterioso das sombras», como disse Jorge Calado, que o incluiu nos «Olhares Estrangeiros» que levou à Europália'92 (colecção Caixa Geral de Depósitos).

 A cor foi uma paixão só tardiamente explorada. Engenheiro de formação, revelado por Edward Steichen numa exposição do MoMA de Nova Iorque, em 1948, a que se seguiu uma carreira fulgurante, Harry Callaham é um dos grandes clássicos do que às vezes se designa por formalismo americano, herdeiro de Stieglitz e Ansel Adams, mas influenciado pelo experimentalismo de Laszlo Moholy-Nagy e próximo, como Aaron Siskind, das preocupações da geração do expressionismo abstracto.

 O seu trabalho sobre a paisagem conduz a imagem ao limiar da abstracção, explorando a redução minimalista das formas e o despojamento do signo gráfico, enquanto outras direcções de pesquisa ensaiaram a sobreposição de exposições e a colagem. No entanto, Callaham foi também um notável fotógrafo do espaço urbano e dos rostos anónimos dos transeuntes, e outra parte considerável da sua obra é dedicada aos retratos da mulher, Eleanor. O rigor da investigação sobre a «técnica de ver», num trabalho que se organizou em séries, retomando sucessivamente os mesmos temas, significava a procura de uma maior intensidade da percepção e esteve sempre intimamente ligado a um entendimento da obra fotogáfica como expressão de uma existência individual, identificada com os acontecimentos e as emoções da vida.

 Tão significativa como a sua extensa obra foi a actividade do professor, influenciando sucessivas gerações de fotógrafos (já se disse que metade dos fotógrafos hoje conhecidos foram seus alunos, ou seus imitadores). De 1949 a 1961 foi responsável pelo departamento de fotografia do Instituto de Design de Chicago, a «Nova Bauhaus», onde sucedeu a Moholy-Nagy, ensinando também no Black Mountain College, na Carolina do Sul, e depois, até 1977, foi professor na Escola de Design de Rhode Island, em Providence. Foi nos anos seguintes que se dedicou à fotografia a cor, com a mesma frescura do olhar que marca toda a sua obra, viajando pelo Mediterrâneo e também pela Irlanda ou o México. Voltou então a trabalhar com as múltiplas exposições, nomeadamente integrando imagens da televisão sobre vistas urbanas.

 Em 1978 foi o primeiro fotógrafo a representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza. Em 1996, a National Gallery of Art de Washington dedicou-lhe uma retrospectiva, organizada por Sarah Greenough, onde se incluiam duas das fotografias portuguesas.

Stieglitz em Madrid

ARQUIVO
EXPRESSO/Actual de 12-03-2005

Diálogos americanos

Stieglitz em Madrid. O fotógrafo e o agente artístico: «Nova York e a Arte Moderna - Alfred Stieglitz e o Seu Círculo (1905-1930)», no Museu Rainha Sofia

Às duas grandes exposições da agenda de Madrid, uma centrada na figura do fotógrafo, editor e galerista nova-iorquino Alfred Stieglitz (no Museu Rainha Sofia até 16 de Maio) e outra dedicada ao centenário do grupo expressionista alemão Die Brücke (Museu Thyssen, 15 de Maio), veio juntar-se esta semana uma grande mostra de desenhos de Dürer vindos do Museu Albertina de Viena (Museu do Prado, 29 de Maio). É uma conjunção rara em qualquer capital, a reafirmar o poder de um centro cultural que ultrapassou a sua área peninsular de influência.

Stieglitz (1864-1946), além de fotógrafo com uma obra longa e muito influente, percorrendo diferentes e até contraditórias orientações, foi um decisivo activista da afirmação da fotografia como arte e um agente determinante na abertura dos Estados Unidos à arte moderna, mas é certamente o pólo menos conhecido desse triângulo de exposições madrilenas. Vinda do Museu de Orsay, numa co-produção que foi o grande acontecimento do Mês da Fotografia de Paris em 2004, é uma exposição que pela primeira vez apresenta largamente a sua obra fotográfica na Europa e um precioso panorama sobre os artistas e os acontecimentos que marcaram a modernização artística norte-americana, a que em geral não se tem acesso directo fora dos Estados Unidos.

«Nova York e a Arte Moderna - Alfred Stieglitz e o Seu Círculo (1905-1930)» toma como ponto de partida a inauguração da galeria - The Little Galleries of the Photo-Secession - que fundou num pequeno prédio com o nº 291 na 5ª Avenida, com o também fotógrafo Edward Steichen (1879-1973), que viria muito mais tarde a dirigir o departamento fotográfico do MoMA e a organizar a muito discutida exposição «The Family of Man» (1955). Essa opção cronológica deixa em parte na sombra a carreira anterior de Stieglitz, que se integrara, desde os anos 1880, nos círculos da fotografia picturialista europeia, em crescente sintonia com as correntes simbolistas. Ainda que a sua obra pessoal, pelo predomínio do olhar fotográfico face às manipulações picturais e pelo interesse nas abordagens naturalistas da paisagem e das figuras, não exprimisse a ambição visionária do simbolismo mais extremo, é esta a orientação dominante tanto dos fotógrafos da Photo-Secession, que Stieglitz reúne em Nova Iorque em 1902, como dos primeiros anos da revista «Camera Work», que dirige de 1903 até 1917, e também da galeria, que ficou conhecida pelo número 291 e encerrou no mesmo ano devido às dificuldades da I Guerra Mundial.

Em 1908, Stieglitz faz escândalo ao expor os desenhos eróticos de Rodin e desenhos e esculturas de Matisse, a que se seguem as primeiras apresentações na América de Cézanne, Picasso e Brancusi, antecipando o grande choque cultural que foi a exposição do Armory Show (1913). Ao mesmo tempo, começava a apresentar artistas americanos dos meios vanguardistas de Paris, como John Marin, Max Weber, Marsden Hartley e Arthur Dove, a que se junta, já em 1917, a jovem pintora Georgia O’Keeffe, com quem viria a casar. Toda essa abertura de Nova Iorque às revoluções da arte moderna é em geral documentada na exposição através das próprias obras expostas e coleccionadas por Stieglitz.

Ainda que a «Camera Work» e a galeria 291 continuassem, cada vez mais esporadicamente, a mostrar os grandes nomes do picturialismo, como Steichen, o barão Adolf de Meyer, Clarence White e Gertrude Käsebier, Stieglitz vai-se desligando dos meios fotográficos e volta-se para os artistas mais inovadores, sob a influência de Max Weber e do caricaturista e escritor mexicano Marius de Zayas. Embora muito influente, essa sua aproximação às novas tendências é, em geral, ainda moldada por um modelo esteticista de inspiração simbolista que o leva a entender o cubismo como caminho para a abstracção, aceitando esta por analogia com a música e vendo a arte como expressão do «élan vital» bergsoniano e do eu profundo de cada criador.

Entretanto, Stieglitz começara a modificar a sua obra pessoal numa direcção mais ancorada no real, ainda que continuasse a rejeitar as orientações do realismo social de um Lewis Hine (bem como a pintura reformadora e antiacadémica de Robert Henri e John Sloan). Fotografa a transformação arquitectónica de Nova Iorque e defende através da «pureza» dos processos da fotografia «straight» uma nova concepção formalista da autonomia do médium. No último número da «Camera Work» publica a obra de Paul Strand como expoente desse novo modernismo fotográfico, ao mesmo tempo que inicia a série admirável de retratos de Georgia O’Keeffe. Num percurso sempre surpreendente, a sua última fase reencontrar-se-ia com uma perspectiva simbólica da abstracção, em séries de fotografias de nuvens de analogia musical, «equivalentes» a uma identificação espiritualista com a natureza. Como galerista (The Intimate Gallery e An American Place), ao longo das décadas de 20 a 40, Stieglitz passou a apresentar apenas artistas norte-americanos, numa busca da «americanidade», antieuropeia e distante das mutações trazidas pela Grande Depressão, que viria a ser uma das raízes da abstracção expressionista dos anos 50.

Entre estes dois períodos, diferentes mas unidos por uma subterrânea coerência idealista, Stieglitz foi uma das figuras da agitação protodadaísta em Nova Iorque, em cumplicidade principal com Picabia e Duchamp (para quem fotografou a famosa Fonte assinada por R. Mutt). Esses anos de efervescência cosmopolita que se seguiram ao Armory Show e ao início da I Guerra Mundial, num tempo de radical mudança do mundo, são outro dos grandes capítulos desta extensa e sempre surpreendente exposição.

João Cutileiro fotógrafo

"The nude lies in the centre of Western art"

Inauguração da exposição, dia 9, 5ª feira, a partir das 19h

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Já tem data o leilão de provas vintage e em geral inéditas e ÚNICAS de João Cutileiro, escultor e fotógrafo:

a 23 de Outubro e a favor da Abraço.

E ANTES DO LEILÃO VÃO ESTAR EM EXPOSIÇÃO NA P4 A PARTIR DE DIA 9

http://www.p4liveauctions.com

http://www.p4...limited_editions/...

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João Cutileiro expôs fotografias na sua 1ª exposição, em 1961 (que foi a 2ª, contando uma em Monsaraz e Évora aos 15 anos, em 1951). Continuou sempre a fazê-las e,  de longe a longe, a mostrá-las.

Além de escultor é fotógrafo, ou faz óptimas fotografias, em especial retratos. É mesmo um dos nomes certos da revolução fotográfica dos anos 50 e um dos poucos, um dos primeiros, que nesse tempo mostrou publicamente as suas fotografias. Aliás, João Cutileiro até foi fotógrafo profissional, já que tratou durante uns anos a fotografia como uma actividade que podia e devia ser remunerada, no caso de se tratar de prestação de serviços e resposta a encomendas, para além de fotografar por gosto amigos e amigas. Construiu assim uma galeria de retratos que fixou uma geração, ou duas, e deixou registados os tempos de liberdade em Londres (1955-1970).

Também foi e é às vezes um fotógrafo de esculturas, as suas.

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Em Novembro de 1961, na Sociedade Nacional de Belas Artes, o folheto que acompanhou a mostra não trazia reproduções (o autor informa que eram praticante todas retratos). Mas teve título: "25 Esculturas / Fotografias / Desenhos de João Cutileiro". Dos "modernos" ou novos desse tempo, tinham mostrado fotografias em exposições individuais de galeria só o Fernando Lemos (em 1952-53) e a dupla Victor Palla/Costa Martins (1958). Foi um pioneiro, portanto.