Alexandre Pomar

Natureza morta 1 (2010)

"Intelligent Life" (The Economist/Expresso), trimestral

Na presença das coisas

Por uma vez uma grande exposição original no âmbito da história de arte internacional é de iniciativa portuguesa, e só em Lisboa se poderá ver. Momento de primeira grandeza na história do Museu Calouste Gulbenkian, ficará a assinalar o termo do mandato do presidente Rui Vilar, com a segunda parte da mostra já marcada para o final de 2011, prolongando até aos séculos XIX e XX o que agora começa nos séculos XVII e XVIII. Ver-se-á a propósito dos temas da natureza-morta que mudança e permanência são próprios da arte - e da vida.
Aqui, nestes 71 quadros vindos de museus de todo o mundo, a vida é imóvel ou inanimada e não própriamente morta. Este é um género paradoxal na história da pintura: tido por menor na hierarquia académica (face à grandiloquência apologética da pintura de história e ao aparato do retrato), é também um veículo privilegiado para que se interroguem e ilustrem questões centrais da pintura: a imitação do visível, o significado da imagem, o virtuosismo do artista, a função decorativa, etc. Foi, com a paisagem, o género necessário para a afirmação de um mercado de arte autónomo do regime da encomenda, quando a Reforma proibiu a representação religiosa. E depois com o cubismo foi decisivo para revolucionar a representação do espaço.
Em anos recentes investigaram-se as escolas nacionais e locais da mais antiga natureza-morta. Agora era o momento para uma exposição que tentasse fazer a síntese, pedida a um especialista, o professor Peter Cherry, de Dublin. Aqui cabem todos os subgéneros de uma categoria muito mais versátil do que poderia julgar-se a reprodução pictural de objectos reunidos numa ordem nunca casual. Tiveram antes nomes próprios, como fruteiros, floreiros, almoços ou mesas servidas – e a variadade é imensa: flores ou alimentos, doces, peixes, caça, ou conchas, louças simples e preciosas, objectos exóticos, etc. Podem ser evocação dos sentidos (o ouvido, o gosto), das estações do ano, dos pecados, reflexão sobre a brevidade da vida (“vanitas”), ou exercício de ilusionismo ("trompe-l'oeil"). Tudo cabe na natureza-morta, da máxima ostentação à pobreza devota. E aqui se encontram, ao lado da nossa Josefa freira-pintora em Óbidos, nomes desconhecidos e os mais ilustres, como Rembrandt, Goya e Chardin, raramente vindos a Lisboa. Ficam ilustrados a necessidade, os prazeres e os enigmas da imagem. ("A Natureza-Morta na Europa", Fundação Gulbenkian, até 2 de Maio)

PARTE 1 - 12 Fevereiro - 2 Maio 2010

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Parte 2 - 21 Outubro 2011 - 8 Janeiro 2012

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Outono 2011 (Set.): Coisas visíveis

África, anos 50/60

“Havia muitas pessoas a pairar à volta” ( 1)

Frank McEwen, Ulli Beier, Julian Beinart e Amâncio Guedes: uma rede africana ao tempo das independências dos anos 50/60
 

“1950/60 - Amâncio Guedes, arquitecto português residente em Maputo, Moçambique, organiza  workshops informais para jovens artistas. Entre os participantes está Malangatana Ngwenya (n. 1936), cujas pinturas são mais tarde expostas pelo Mbari Clube de Artistas e Escritores em Ibadan, Nigéria". A informação é da Heildbrunn Timeline of Art History, residente no site do Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque, capítulo “Southern Africa, 1900 a.d. – present”, http://www.metmuseum.org/toah/ht/?period=11&region=afo#/Key-Events).

Há adiante outra referência a Malangatana, aliás pouco certeira, mas este é o único acontecimento com relevância artística ocorrido na África dita portuguesa aí citado. Angola e Moçambique figuram depois na "timeline" (a linha do tempo, nome bem mais sugestivo que cronologia) com as datas de início das lutas armadas (1961 e 1963, respectivamente - devia ser 1964) e muito mais tarde, só em 1975, com as independências. É um vazio informativo que os distingue drasticamente das áreas vizinhas, mas, se houve realmente falta de acontecimentos, há também insuficiência de conhecimentos. A referência a Amâncio Guedes deixa perceber uma memória imprecisa dos factos, desde logo pela datação pouco acertada, que a faz preceder os outros eventos marcantes da década de 50, como, por exemplo, logo a seguir, a fundação da revista Drum em 1951 na África do Sul ou o início da acção de Frank McEwen em Salisbúria, em 1954.

notas biográficas

Os artistas (plásticos) representados em "As Áfricas de Pancho Guedes"

1. Moçambicanos e portugueses

Abdias Júlio Muhlanga, ou Muchanga, n.1940, Gaza. Frequentou o curso nocturno de Pintura Decorativa na Escola Industrial, enquanto trabalhava como pintor de automóveis. Pancho Guedes (P.G.) incluiu-o na exposição que levou em 1962 ao 1º Congresso Internacional de Cultura Africana, em Salisbúria – com Malangatana, Alberto Mati, Augusto Naftal e Metine Macie (que foi servente e também aluno no Núcleo de Arte – na colecção subsiste uma obra em mau estado de conservação). Foi o autor, escolhido em concurso, do cartaz das festas da cidade de Lourenço Marques (L.M.) também em 62. Participou em 1964 numa mostra do Núcleo de Estudantes Secundários Africanos de Moçambique (NESAM) e foi preso pouco depois, permanecendo na cadeia vários anos. Voltou a pintar e a expor depois de 1975.

Alberto Chissano, n. 1935, Chicavane, Manjacaze; f. 1994. Frequentou o Núcleo de Arte (N.A.), primeiro como servente, começou a expor em 1966 no 1º Salão de Arte Moderna, onde Jorge Nhaka foi o escultor premiado. Esteve representado em 1969 na mostra "Contemporary African Art" no Camden Art Centre, Londres (o primeiro panorama internacional de arte africana na Europa), ao lado de Malangatana, Valente Mahumana Mankew e do também escultor Munidawu Oblino Mabyaba - ou Mundau Oblino Mabjaia (Magaia, Mabyaya). Criou o Museu Galeria Alberto Chissano na cidade da Matola.

Alberto Mati foi empregado no atelier de Pancho Guedes, que apresentou os seus desenhos, alguns deles bordados, no Congresso de 1962 (ver Abdias).

Álvaro Passos, n. 1934, Inhambane; f. 6 Novembro 2010, Portugal* (*actualização). Formou-se no N.A. e fez a 1ª individual em 1962. Premiado em 1965 no Salão de Artes Plásticas das Festas da Cidade. Viveu e trabalhou em Portugal depois de 1975. (Wikipedia)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Amaro é certamente Rui Amaro, presente na exposição "Pinturas", colectiva de alunos do Núcleo, ou seja, da Escola de João Ayres, em 1958, prefaciada por José Blanc de Portugal, também com Zé Júlio e Álvaro Passos. O Edifício Capitania, em estilo colonial do tempo da arquitectura do ferro, junto à Fortaleza, foi demolido nos anos 50.

Antero Machado, n. 1934, em L.M. Foi aluno de Frederico Ayres no N.A. e estreou-se em 1949 na 1ª Exposição Geral de Artes Plásticas. Foi pintor, decorador, ilustrador. Nos anos 60 fixou-se na África do Sul, onde em 1983 foi um dos fundadores do TAM, Tertúlia de Artistas Moçambicanos /Tertulia of Mozambican Artists. O Restaurante Zambi e os pavilhões de exposição anexos foram construídos em 1956 por ocasião da visita do Presidente Craveiro Lopes, com projecto de P.G., também autor de três painéis murais que subsistem muito alterados.

António Quadros, n. 1933, Viseu; f. 1994, Santiago de Besteiros, Tondela. Curso de Pintura, no Porto. Entre 1964 e 1984 viveu em Moçambique. Ganhou em 1965 os primeiros prémios de pintura e desenho e o Grande Prémio do Salão de Artes Plásticas por ocasião das Festas da Cidade, organizado pelo N.A. (Ver António Quadros. O Sinaleiro das Pombas, ed. Árvore, Porto 2001.)

Augusto Naftal era um muito jovem artista a quem PG foi adquirindo inúmeros desenhos e que  apresentou no Congresso de 62 (ver Abdias).

B. J. Sande seria criado de mesa em L.M. O quadro foi adquirido numa loja de mobiliário.

Bertina Lopes, n. 1924 em L.M. Estudou nas Escolas António Arroio e de Belas Artes, em Lisboa, ensinou desenho em L.M. de 1953 a 61; foi bolseira da Fundação Gulbenkian e reside em Itália desde 1963. Retrospectiva na F.G. em 1993. Pormenores dos desenhos expostos ilustraram a 1ª edição de Nós Matámos o Cão Tinhoso, de Luis Bernardo Honwana, em 1964. ("Para a capa e para ilustrar as histórias aproveitaram-se fragmentos de desenhos que a Bertina tinha feito sem conhecer os meus escritos e que o Pancho usou depois de ver que as coisas que os desenhos contam são parecidas com as histórias que fiz." L.B.H (contracapa da 1ª edição).

Francisco Relógio, n. 1926, Vila Verde de Ficalho, Serpa; f. 1997. Começou no Prémio da Jovem Pintura, Galeria de Março, Lisboa, 1953. Esteve em L.M. em 1963/64 onde realizou um notável mural de 100 por 5 metros, gravado em pedra, na sede do Banco Nacional Ultramarino, depois Banco de Moçambique. Expôs em 1964 na galeria do Café Djambu. Retrospectiva em 1992 na Galeria Municipal da Amadora.

Malangatana Valente Ngwenya, n. 1936, Matalana, Marracuene; f. 5 de Janeiro de 2011, Matosinhos, Portugal* (*actualização). Em 1958, apoiado por Augusto Cabral, começou a frequentar o N.A. Primeira colectiva em 1959 na Casa da Metrópole e 1ª individual em 1961, na Associação dos Organismos Económicos. Em 1962, no nº 10 da revista "Black Orpheus" (Idaban, Nigéria), Julian Beinart dedicou um longo artigo à sua pintura (16 páginas e 15 reproduções) acompanhado por dois poemas. 1º prémio de pintura na Exposição de Artes Plásticas por ocasião das Festas da Cidade em 1964 - nesse ano é preso pela polícia política, durante 18 meses. Em 1968, Ulli Beier no seu livro Contemporary Art in Africa (Pall Mall Press, Londres), confere grande destaque à sua obra (pp. 62-72, 7 ilustrações). Bolseiro da F. Gulbenkian em Portugal, 1971; expôs em Lisboa pela primeira vez em 1972, na Galeria Buchholz e na SNBA. (Ver Malangatana, org. Júlio Navarro, ed. Caminho, Lisboa, 1998)

inauguração da 1ª exp. individual

Pedro Guedes, n. 1948, Joanesburgo, filho de Pancho Guedes. Participou no 1º Concurso de Arte Infantil em Moçambique, patrocinado pelo Núcleo, em 1958. Arquitecto e professor em Brisbane, Austrália.

Pedro Josefa Menge foi um artista que se dedicou aos bordados e à sua oferta comercial. Eram feitos por homens (em especial por soldados) e para auto-consumo, em travesseiros destinados ao enxoval, segundo P.G. Os primeiros filmes de cowboys exibidos ao ar livre tiveram grande impacto no início dos anos 60, e foram um tema frequente de desenhos e bordados.

R. Mabota é um pintor sobre o qual não há informações, mas um outro quadro de 1974 é reproduzido numa tese alemã (Romuald Tchibozo, U. Humboldt, Berlim: L’ART ET L’ARBITRAIRE: Une étude de la réception de l’Art africain contemporain en occident, le cas allemand de 1950 à nos jours.).

Rosa Passos, n. 1900, Porto; f. 1977 em Portugal. Viveu em L.M. de 1919 a 1975. Interessada pelo trabalho do filho (Álvaro), começou a pintar aos 65 anos. Expôs no Salão de Arte Moderna, 1966, e obteve o Prémio de pintura e o Grande Prémio no Salão de Artes Plásticas de 1967. Expôs no Palácio Foz (SNI, Lisboa) em 1970.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Zé Júlio, José Júlio Ferreira, n. 1925, Caldas da Rainha. A partir de 1949 viveu em Moçambique, com a profissão de faroleiro, e desde 1977 reside em Lisboa. Frequentou o curso de desenho e pintura no Núcleo de Arte desde 1957, aluno de João Ayres, e fez a 1ª individual em 1960.

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2. outras nacionalidades

Douglas Portway, n. Johannesburg 1922; f. 1993. Com uma primeira exposição em 1945, participou na Bienal de Veneza em 1956 e no ano seguinte instalou-se na Europa (Ibiza, St. Ives, na Cornualha, Dordogne, etc). Expôs em 1949, na Constantia Galery, Joanesburgo, com Pancho Guedes e Rosalind Hertslet.

 Frank McEwen (1907-1994), artista britânico activo entre a vanguarda parisiense dos anos 30, depois delegado do British Council em Paris, foi o primeiro director da Rhodes National Gallery, Salisbúria (Harare), Rodésia do Sul (Zimbábue), de 1956 a 1973, onde criou a Workshop School e promoveu o movimento da escultura Shona. A colecção que legou ao British Museum não inclui nenhuma obra da sua autoria.

 Isa Kabini, n. 1948, Vlakfontein, Gauteng, África do Sul, é – com Ester Mahlangu e Francine Ndimande - uma das mais importantes artistas cuja obra continua a tradição das pinturas murais dos Ndebele.

Manolis Callyanis, pintor grego amigo de Pancho Guedes, terá vindo para a África de Sul estudar arquitectura e partiu depois para Paris (percurso não localizado).

Tito Zungu (1939-2000), pintor autodidacta desde os anos 1960, viveu como camponês pobre em Mapumulo, KwaZulu-Natal, e trabalhou como cozinheiro em Durban. Primeira exposição individual em 1982 na Wits University Gallery, por iniciativa de Pancho Guedes, foi antes patrocinado por Jo Thorpe, do African Art Centre, e exposto pela Durban Art Gallery. Teve uma retrospectiva em Durban em 1997, e foi integrado desde 1990 nas grandes representações da África do Sul (Bienal de Veneza em 1993).

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Biographical notes

1. Artists from Mozambique and Portugal

Abdias Júlio Muhlanga, or Muchanga, (b.1940, Gaza). Muhlanga attended decorative painting night classes at Escola Industrial, while working as a car painter. Pancho Guedes included him in the exhibition that he took to the First International Congress of African Culture in Salisbury in 1962 – along with Malangatana, Alberto Mati, Augusto Naftal and Metine Macie (who was a servant, and a student at the Núcleo de Arte – one of his works in poor condition can be found in the collection). He was responsible for the Lourenço Marques city festival poster, which was selected in competition (also in 1962). In 1964, he participated in a Nucleus of African Secondary School Students from Mozambique exhibition, being arrested shortly after, remaining in prison for several years. After 1975, he went back to being a painter and exhibiting his art.

Alberto Chissano, (b.1935, Chicavane, Manjacaze; d. 1994). Chissano attended the Núcleo de Arte, first as a servant, and started exhibiting in 1966 at the first Salão of Modern Art, where Jorge Nhaka was the award-winning sculptor. In 1969, his work was exhibited at the Contemporary African Art show at the Camden Art Centre, London (the first international panorama of African art in Europe), alongside Malangatana, Valente Mahumana Mankew and the sculptor Munidawu Oblino Mabyaba - Mundau Oblino Mabjaia (Magaia, Mabyaya). He founded the Alberto Chissano Museum Gallery in the city of Matola.

Alberto Mati worked at the atelier of Pancho Guedes, who presented his drawings, some of them embroidered, at the 1962 Congress (see Abdias).

Álvaro Passos, (b. 1934, Inhambane - f. 6 Novembro 2010). Passos trained at the Núcleo de Arte and had his first solo show in 1962. He received an award in 1965 at the Plastic Arts Salão at the City Festival. He has lived and worked in Portugal since 1975.

Amaro is certainly Rui Amaro, who featured at the exhibition ”Paintings”, a collective show of students from the Núcleo de Arte, in other words, from the João Ayres School, in 1958, presented by José Blanc de Portugal, alongside Zé Júlio and Álvaro Passos. The Capitania Buildings near the Fortress, which was built in the colonial style from the iron architecture era, was demolished in 1950s.

Antero Machado, (b. 1934, Lourenço Marques). Antero was a student of Frederico Ayres at the Núcleo de Arte and made his debut in 1949 at the 1st General Exhibition of Plastic Arts. He was a painter, decorator and illustrator. In the 1960s, he settled in South Africa where, in 1983, he was one of the founders of TAM (Tertulia of Mozambican Artists). The Zambi Restaurant was built in 1956 before the visit of President Craveiro Lopes, designed by Pancho Guedes, who was also author of three mural panels that have been much altered since.

António Quadros, (b.1933, Viseu; d.1994, Santiago de Besteiros, Tondela). Quadros graduated in painting in Porto and lived in Mozambique between 1964 and 1984. In 1965, he won the 1st prizes for painting and drawing and the Grand Prix of the Plastic Arts Salon during the City Festival, organized by the Núcleo de Arte (See António Quadros. O Sinaleiro das Pombas, ed. Árvore, Porto 2001.)

Augusto Naftal was a very young artist that Pancho Guedes acquired many drawings from and whom he exhibeted at the Congress of 62 (See Abdias).

B. J. Sande was a waiter in Lourenço Marques. The painting was acquired in a furniture shop.

Bertina Lopes, (b. 1924, Lourenco Marques). Bertina was a students at the António Arroio and Belas Artes schools in Lisbon and teached drawing in Lourenco Marques from 1953 to 1961. She won a scholarship from the Gulbenkian Foundation (F.G.) and has lived in Italy since 1963. In 1993 she had a retrospective at the F.G., in Lisbon. Details of this exhibited drawings illustrated the 1st edition of We Killed Mangy Dog by Luis Bernardo Honwana, in 1964. ("We used fragments of drawings that Bertina had done without knowing my work for the cover and to illustrate the stories. Pancho used these after seeing that the things that the drawings describe resemble the stories I wrote.") L.B.H (back cover of 1^st edition).

Francisco Relógio, (b. 1926, Vila Verde de Ficalho, Serpa; d. 1997). Relógio started at Young's Painting Prize, Galeria de Março, Lisbon, 1953. He was in Lourenco Marques in 1963/64, where he painted a remarkable 100 by 5-metre mural, engraved in stone, at the headquarters of Banco Nacional Ultramarino, later Banco de Moçambique. In 1964, he exhibited at the Café Djambu gallery. He had a retrospective at the Amadora Municipal Gallery in 1992.

Malangatana Valente Ngwenya, (b. 1936, Matalana, Marracuene - d. 5 January 2011, Matosinhos, Portugal*). In 1958, with the support of Augusto Cabral, Malangatana started attending Núcleo de Arte. He had his first collective exhibition in 1959 at Casa da Metrópole and his 1^st solo exhibition in 1961 at the Associação dos Organismos Económicos. In 1962, in the 10th issue of the magazine "Black Orpheus" (Idaban, Nigeria), Julian Beinart dedicated a long article to his painting (16 pages and 15 reproductions) accompanied by two poems. He won 1^st prize for painting at the Plastic Arts Exhibition during the City Festival in 1964 – in the same year, he was arrested by the political police and served 18 months. In 1968, in his book Contemporary Art in Africa (Pall Mall Press, London), Ulli Beier gave major focus to his work (pgs. 62-72, 7 illustrations). He gained a Gulbenkian Foundation scholarship in Portugal, in 1971, and exhibited in Lisbon for the first time in 1972, at the Buchholz Gallery and SNBA. (See Malangatana, org. by Júlio Navarro, ed. Caminho, Lisbon, 1998)

Pedro Guedes, (b. 1948, Johannesburg). Pancho Guedes’s son. Participated in the 1st Children's Art Competition in Mozambique, sponsored by the Núcleo de Arte in 1958. Architect and teacher in Brisbane, Australia.

Pedro Josefa Menge was an artist whose work focussed on embroidery and its commercialisation. Embroidery was produced by men (especially soldiers) and for internal consumption, for pillows for the trousseaus of would-be-brides, according to Pancho Guedes. A common theme used in drawings and embroidery was that of cowboys and westerns, due to the major impact that this genre had in outdoor screenings in the early '60s.

R. Mabota is a painter about whom there is no information; however there other picture from 1974 that is reproduced in a German thesis (Romuald Tchibozo, U. Humboldt, Berlin).

Rosa Passos, (b. 1900, Porto; d. 1977 in Portugal). Lived in Lourenço Marques from 1919 to 1975. Interested in her son’s work (Álvaro), she started painting at the age of 65. She exhibited at the Modern Art Salon, in 1966, and was awarded the Painting Prize and the Grand Prix of the Visual Arts Salon of 1967. Passos exhibited at Palácio Foz (SNI, Lisbon) in 1970.

Zé Júlio, José Júlio Ferreira, (b. 1925, Caldas da Rainha). Júlio moved to Mozambique in 1949, where he worked as a lighthouse keeper. Since 1977, he has lived in Lisbon. He attended the drawing and painting course at the Núcleo de Arte in 1957, and was pupil of João Ayres, having his first solo exhibition in 1960.

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2. Other nacionalities

Douglas Portway, b. Johannesburg (1922-1993). His first exhibition took place in 1945. After participating at the Venice Biennale in 1956, he settled in Europe (Ibiza, St. Ives, Cornwall, Dordogne, etc.). In 1949, he had an show at the Constantia Gallery, Johannesburg, with Amâncio Guedes and Rosalind Hertslet.

Frank McEwen (1907-1994), British artist active among the Parisian avant-garde of the 1930s. He later became the British Council delegate in Paris and first director of Rhodes National Gallery in Rhodesia (Zimbabwe), between 1956 and 1973, where he founded the Workshop School and promoted the Shona sculpture movement. The collection he bequeathed to the British Museum does not include any sculpture of his own.

Isa Kabini, b. 1948, Vlakfontein, Gauteng, South Africa, is one of the most important artists whose work continues the traditional art of Ndebele mural paintings, alongside Ester Mahlangu and Francine Ndimande.

Manolis Callyanis, Greek painter and friend of Amâncio Guedes, went to South Africa to study architecture, later moving to Paris (unknown career).

Tito Zungu (1939-2000), self-taught painter since the 1960s, he lived as a poor farmer in Mapumulo, KwaZulu-Natal and worked as a cook in Durban. He had his first solo exhibition in 1982 at the Wits University Gallery, on the initiative of Pancho Guedes. Previously, he had been sponsored by Jo Thorpe, from the African Art Centre, and his work was exhibited at the Durban Art Gallery. He had a retrospective in Durban in 1997, and since 1990 his work has been included in virtually all of South Africa’s major representations of art (Venice Biennale in 1993).

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Foi indispensável a consulta do trabalho de Alda Costa, Arte e Museus em Moçambique (tese de doutoramento), Lisboa, 2005, na Biblioteca Nacional.

Visitas guiadas

Foto de Rosa Pomar

VISITAS GUIADAS
por Alexandre Pomar, no sábado (dia 5) e no domingo (dia 6) às 17 horas. Inscrições para o nº 912 325 012.

"As Áfricas de Pancho Guedes"

Mercado de Santa Clara, Campo de Santa Clara /Feira da Ladra), Lisboa, Portugal

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Uma colecção africana

A arte tradicional das máscaras e outros artefactos rituais, de que se ocupam as colecções dedicadas a África mais habitualmente mostradas, e que documentam um passado histórico e tribal mais ou menos distante, primitivo e perdido, reune-se na colecção de Dori e Amâncio Guedes com as obras ditas de artes plásticas com que se começou a afirmar a modernidade artística do continente, a partir dos anos 50, ao tempo das primeiras independências. Um excepcional conjunto de 17 pinturas de Malangatana dos anos 1959-61, no exacto início da sua carreira, é a expressão mais forte desse núcleo da colecção.
Mas a exposição "As Áfricas de Pancho Guedes" inclui também manifestações de arte popular onde se revelam novas formas de criatividade original que respondem às transformações das sociedades tradicionais, com destino aos mercados urbanos, como é o caso especial da escultura oriunda dos arredores da antiga Lourenço Marques, agora Maputo. E acolhe igualmente objectos de uso quotidiano, de restrito prestígio social ou de uso corrente e democrático, que aliam a exigência da funcionalidade à invenção de formas distintivas de diferentes culturas e regiões, de que são exemplos mais frequentes os bancos e os apoios de cabeça que fazem as vezes de travesseiros.

A diversidade dos núcleos da colecção assim vistos em contiguidade põe em questão as fronteiras entre géneros e as respectivas hierarquias, ilustrando a multiplicidade e a simultaneidade das práticas numa África viva e sempre em mudança – aqui, a partir de um momento decisivo da história comum, as décadas de 50/60.
O acervo que se expõe, depois de ir viajando e ampliando-se pelos vários espaços domésticos dos seus proprietários (Lourenço Marques, Joanesburgo, Lisboa), também permite pôr em diálogo ou em conflito as variadas relações que se estabelecem com o diferente e o exótico, o tradicional e o moderno, questionando o valor atribuído às antiguidades e as reacções face à novidade, proporcionando a abordagem erudita do antropólogo ou do historiador de arte e o olhar sensível mais interessado pelas formas, ou pelo acordo entre a função e a forma, mesmo se a localização ou a cultura de origem não está identificada.
Viaja-se da chamada "arte tribal" (que já foi arte negra e foi arte primitiva e que alguns designam agora como artes primeiras) até à arte popular destinada ao consumo urbano, passando pelas situações de convivência ou transição entre as tradições locais e as técnicas artísticas de lição ocidental, com atenção às criações de amadores e artistas "outsiders”. “É tudo arte popular”, diz Pancho Guedes.

A formação da colecção acompanha a intensa actividade desenvolvida em Moçambique e depois na África do Sul por Pancho Guedes, arquitecto e professor, testemunhando o seu interesse constante pelo diálogo concreto com outros modos de expressão. Os objectos que coleccionou, como ele próprio também afirma, ajudaram-no a livrar-se “do eurocentrismo dominante do homem branco que vive na terra dos outros” (In Pancho Guedes, Vitruvius Mozambicanus, Museu Colecção Berardo, 2009, pág. 165).

Noutras situações, mais frequentes, a selecção coleccionista dos objectos, com os seus critérios próprios de atribuição de valor e distinção, é um exercício possessivo de eurocentrismo. Ao contrário das colecções que se querem especializadas ou sistemáticas, feitas na Europa e no mercado dos antiquários, esta é uma colecção africana vivida em África, reunida ao sabor das viagens, das circunstâncias e dos encontros pessoais, feita de escolhas próprias, com algumas recolhas no terreno e também com um olhar subtilmente erudito e atento exercido sobre a oferta múltipla dos vendedores de feira. Dos cemitérios Mbali em Angola aos terreiros de adivinhos Yoruba, na Nigéria, e aos contactos directos com os populares macua-lómue, a quem adquiriu tanto as raríssimas máscaras de entrecasca de árvore como os bancos pessoais que os homens transportam consigo na bicicleta.

É uma colecção plural e diversificada, uma colecção de colecções, mas em especial um acervo singular e ideossincrático, associado à própria actividade criadora de um grande arquitecto com inúmeras obras construídas em África, que é também pintor e escultor (tudo isso se mostrou amplamente na exposição apresentada no CCB/Museu Colecção Berardo, em 2009). E que – ponto menos referido - é igualmente reconhecido internacionalmente como um dos principais patronos ou impulsionadores da arte contemporânea africana numa década decisiva, a das independências de muitas antigas colónias, em diálogo estreito com figuras determinantes como Frank McEwen, em Salisbúria/Harare, o organizador do 1º Congresso Internacional da Cultura Africana em 1962, ou Ulli Beier, fundador do Mbari Club e da revista Black Orpheus, em Ibadan, Nigéria.

O cenário expositivo bifurca-se pela galeria das chamadas artes plásticas e pelo itinerário através dos objectos tribais e/ou populares. No percurso lateral do Mercado de Santa Clara, as máscaras estão desde logo em evidência com a teatralidade específica dos lómues e macondes, e destacam-as duas antigas e muito raras máscaras Ngoni/Nyau de Moçambique, cujo naturalismo identifica uma direcção estética aí muito presente, divergente das orientações sintéticas e abstractas que interessaram as vanguardas do século XX. A arte funerária Mbali, de Angola, é entretanto um caso específico de aculturação, de arte popular. A arte do bronze e o tráfico do ouro da antiga Nigéria comparece em versões aí recolhidas nos anos da respectiva independência, e no campo dos objectos rituais destacam-se como muito pouco vistas as bonecas do Sudoeste de Angola, que também são brinquedos. As peças de escultura maconde documentam momentos de transição de um grupo étnico há muito identificado pela produção de arte - agricultores e artistas -, sendo exemplos singulares as figuras dos dois veneráveis casais e depois as ilustrações da ordem colonial.

No espaço dedicado a processos e suportes artísticos de lição europeia (a pintura móvel), atravessa-se também uma situação plural onde convivem artistas de origem portuguesa e os primeiros pintores locais, de formação escolar ou sem ela, mas aí podem caber práticas da escultura que têm fortes linhas de continuidade com a tradição. Ao lado de Malangatana estão os outros africanos que Pancho Guedes levou ao Congresso de 1962, até agora nunca de novo reunidos, e mais pintores que intervieram numa situação que os impasses da guerra colonial afectou. Artistas eruditos ou de aprendizagem local, conhecidos e desconhecidos – são as obras que valem por si, e por terem sido coleccionadas por Dori e Pancho Guedes.

Entre as derivas mais originais, estão os bordados feitos por homens de Lourenço Marques/Maputo, vindos de uma recente tradição perdida, e já ignorada, e o caso singular do pintor Tito Zungu, de que Pancho Guedes apresentou a primeira exposição individual em 1982, e que em 1993 pôde integrar a representação oficial da África do Sul na Bienal de Veneza. São as Áfricas, várias Áfricas, que aqui comparecem, e de que assim nos podemos aproximar, não uma qualquer ideia redutora das muitas diferenças locais e das múltiplas relações a estabelecer.

Alexandre Pomar

Re-contextualizar o MAP

Outras urgências vão atrasando o comentário sobre o entreaberto Museu de Arte Popular.

1. Haveria que comentar um projecto expositivo que segue demasiado a opção recente de substituir a exibição de objectos pela paginação de textos e fotografias. (Opção recente ou reedição de uma metodologia antiga servida por novos meios?) 

As comemorações centrais da República (Cordoaria, Praça do Comércio) serviram de exemplo mais gritante de uma confusão crescente (?) entre exposição e paginação, que resultará da facilidade tecnológica com que se mandam ampliar ilustrações, imagens documentais e extractos de textos, os quais têm lugar certo nas páginas de livros mas passam a preencher muitos metros de parede e a lembrar antigas práticas de propaganda. O que agora é digital fazia melhor o antigo SNI com processos de fotomontagem e cenografia.

Faltam na fotografia uns manequins do Museu do Teatro (o Teatro do Povo) e várias vitrinas de objectos (bonecos de Estremoz e miniaturizações etnográficas), mas parece um desdobrável ou dépliant distribuido pelas paredes

O (contexto do) MAP

O importante é ter reaberto e é ter visitantes numa manhã de domingo de inverno (entrada gratuita até às 14h). Reaberto parcialmente e ainda à espera de obras de conservação do antigo pórtico e de outras incertas beneficiações ou alterações, de programa e calendário também incerto. Começou assim a cumprir-se a promessa da actual ministra da Cultura e a corrigir-se um erro grave de outra ministra do 1º Governo de Sócrates, quando um edifício em vias de classificação e há vários anos em processo de reabilitação (desde 2000?) foi imprevista e impensadamente desviado para outros fins. Criminosamente desviado, porque estava em questão um acto de delapidação do património.

Artur Loureiro

No Museu Soares dos Reis,

ele mesmo,

um interessante pintor do Porto...

É proibido fotogafar, mas não há um desdobrável, uma folhinha impressa, um postal. Não será só penúria.

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No site do MNSR anuncia-se de forma muito sintética a exp.: Artur José de Sousa Loureiro (1853 – 1932):

http://mnsr.imc-ip.pt/pt-PT/agenda/ContentDetail.aspx?id=834.

Numa outra entrada a partir da colecção do Museu, aparece a (antiga) nota biográfica incluída no catálogo do MNSR, também sem imagens : http://mnsr.imc-ip.pt/pt-PT/coleccao/autoresrepresentados/PrintVersionContentDetail.aspx?id=709.

É muito oportuna a simultaneidade das exposições Artur Loureiro e Columbano, corrigindo uma apressada desvalorização do pintor do Porto, sempre menos visto pela crítica de Lisboa e pela história oficial. É com Silva Porto (a favor de quem desistiu em 1873, num concurso para pensionista do Estado em Paris) que se mede A.L., bem como com José Malhoa (1875, concurso para Roma, com empate e anulado), com Columbano e Condeixa (vencendo-os em 1879). À frequência naturalista em França segue-se o parentesco simbolista e um paisagismo melancólico que precede o de António Carneiro. O regresso ap Porto em 1901-04 e até 1932 integra-o plenamente no séc. XX, e no seu pequeno meio nacional.

 

sem palavras

deve ter sido uma pichagem feita ontem à noite, uma coisa anarca para tentar provocar polémicas, e eu caio na armadilha. mudo a frase para: "Não tenho palavras para vos dizer quanto odeio a arte contemporânea" - ou parte dela, ou o seu gueto ou gang, sem saber se Serralves quer ser ou não parte desse gueto, se é ou não é cúmplice desse gang (foi sempre marce de identidade de Serralves não se deixar conhecer, e assim ir satisfazendo várias clientelas e vários patrões).

Serralves trocou a PSP pela Securitas, mas precisa de polícias para defender os seus muros - as suas boutiques, os seus restaurantes, as suas galerias. Fazem todos eles partes do universo ócio e do luxo, e têm de ser murados e defendidos. Serralves precisa dos polícias que a defendam (do povo, se entrarmos pela demagogia equivalente)

De onde pode vir essa ideia de odiar a polícia, se ela nos regula o trânsito, atende as queixas, vigia as propriedades (as nossas também, não só as dos outros)? Que arcaico anarquismo propõe hoje a destruição de toda a ordem, sobrevivendo às lições de todo um século? Quem beneficia com a recusa em distinguir regimes democráticos e regimes policiais? Quem engana quem?

Lá está o agente à esquerda, diante das boutiques de Serralves - não chegou no Natal o quiosque do Siza e acrescentaram-lhe a barraca pré-fabricada

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Fazer pichagens "revolucionárias" atrás destas grades, integradas ou não no "itinerário expositivo", deixa-me agoniado:

notem-se os menus "à carta" propostos pelos premiados consultores gastronómicos... Eu sei que a direcção comercial é mais poderosa (tem de ser mais poderosa) que a direcção artística - porque estes entretenimentos expositivos têm de ser pagos, com o seu parque e outras atracções - , mas é chocante que quem expõe ou comissaria não entenda ou não queira entender o saco de contradições (e embustes) em que se mete.

ainda não vi a exposição ("Às Armas, Cidadãos", comissariada pelos meus amigos Óscar Faria e João Fernandes (como diria o meu amigo João Soares), mas temo o pior.

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Em tempo: a Leitura/Bulhosa de Serralves é uma boa livraria, não uma boutique - tendo em consideração o lugar onde está e o espaço de que dispõe.

 

 

 

BNU/MUDE, os cofres as sementes

BNU/MUDE, os cofres as sementes, originally uploaded by alexandrepomar.

É (também) uma exposição: uma apresentação de objectos instalados num espaço adaptado para o efeito. Num tempo em que, graças à facilidade com que se imprimem painéis ilustrados de matriz publicitária, de grande formatos, se apresentam publicamente coisas que não passam de paginações como se de exposições se tratasse. Há que travar uma guerra neste domínio, contra a aliança entre gráficos expeditos e gráficas sofisticadas. Sacam-se umas fotos do Google ou dos anexos de qualquer tese e passa-se à parede o que é do domínio do ecrã do computador.

O caso mais escabroso foi a exp. da República, na Cordoaria, certamente por excesso de empregos dos comissários-historiadores. Aí havia dinheiro (um milhão só para a Cordoaria, ou para tudo? - tanto faz) e havia falta de ideias, e o Cayatte lá foi arranjando uns cenários monumentais de MDF para substituir os objectos que não se preocuraram.

A coisa tem sido discutida em surdina, mas é preciso enfrentá-la, porque qualquer dia já ninguém distingue ou desdobrável/dépliant/flyer de uma exposição.

Inauguração

Cruzamento 1 Cruzamento 1

Cruzamento 2

CONVITE:

 

Um museu desaparecido

Memória de um museu desaprecido na mais importante exposição republicana. "Viagens e Missões Científicas nos Trópicos 1883-2010", Instituto de Investigação Científica Tropical, Palácio dos Condes da Calhetas, Belém

Jorge Dias, a "Missão de Estudo das Minorias Étnicas do Ultramar Português", iniciada em 1957; o Centro de Estudos de Antropologia Cultural, 1962, o Museu de Etnologia do Ultramar, 1965, etc...

Na imagem, uma exposição do antigo Museu Nacional de Etnologia e duas estatuetas maconde.

 

A República era colonialista, "naturalmente"

 

batarda

a consulta no google (ao Google) abriu uma página do CAM com um quadro de 1967, da 1ª exp. na Quadrante, no ano seguinte, chamado I Like Art ou a Perspectiva do Costume com Água no Bico. Acontece que a actual exposição inaugurada no sábado 13 na 111 se chama Bicos - a ideia de "água no bico" reaparece assim, intencionalmente ou não, numa exposição de múltiplos regressos, entre os otros sentidos possíveis da palavra-título. À pintura e às exposições dela depois de uma pausa de 5 (6) anos, e vários regressos ao passado, a 1967, data que aparece inscrita pelo menos num quadro (1967-2009) e o mesmo chama-se Laboul Patty Gleat Blitain (a Chlonology), de 2009 - por Labour Party Great Britain, mais ou menos obviamente. Mal escrito deve querer significar (entre outras coisas) mal-pintado, de acordo com o gosto autocrítico do autor, ou será um comentário político sobre as desventuras de Gordon Brown?

Não são muitos os artistas que se permitem suspender a produção por se entenderem em crise. Há sempre um caderninho de estudos que se podem ampliar, uns assistentes que podem repetir umas coisas feitas virando o decalque do vegetal ou o slide ao contrário. E tantas vezes que isso seria necessário, a pausa prolongada, ou mesmo o fim.

Batarda, se eu percebo uma pintura que tem por natureza esconder-se (ou negar-se às facilidades do olhar), faz um pintura literal e literária - o que me parece dever ser contraditório. Literal porque o que se vê é o seu modo de fazer-se: a aplicação de cor sobre cor, num exercício de ocultação ou camuflagem -  o camuflado não é aqui um padrão mas um desafio ao observador visualmente excitado com invisibilidades, pelo menos com não reconhecimentos.

Por outro lado trata-de de uma pintura de ideias, talvez não uma pintura conceptual porque o sentido da palavra se desgastou ao cabo de um século de vida, e em geral o que se diz conceptual é de uma indigência intelectual que condena o rótulo para sempre. Pintura de palavras e tambem literalmente de letras. As inscrições mais ou menos extensas não são pistas de leitura de um sentido que lhes seja alheio, ou alheio ao quadro; conduzem o olhar e a leitura como as formas que sugerem isto ou aquilo, e aqui as formas são pouco faladoras. As letras também; em geral sustentam títulos, que por sua vez se oferecem à decifração. Circolo Ufficciali (Reversível) fará referência aos auto-retratos da Galeria dos Ufficci? - e por razão acrescida vindo depois de um quadro chamado Cara de um Gajo nº 37? Nunca foi fácil entender  os puzles incluídos nos quadros e, aliás, muitas vezes isso não parece ter sido importante, porque a condição de exercício com sentido-sem sentido, de enigma irresolúvel, pode ser mais interessante do que a respectiva decifração.

Um longo texto editado em livro acompanha agora os quadros pintados para esta exposição, na sequência dos longos títulos de dois quadros que o antecederam. Dada a paginação escolhida, os quadros parecem ilustrações desse longo texto, invertendo a relação que é mais habitual em catálogos e livros de arte, onde é o texto que ilustra as imagens. Pode ser que o texto seja mais um passo da camuflagem - a ler.

África. Objetos y Sujetos

Chegou o enorme catálogo da exposição apresentada em Gijón pela CajAstur, que em Janeiro estará no Museu de Antropologia de Madrid. "África, Objetos y Sujetos", comissariada por Francisco de Santos.

  438 pág., 3 kg., 30€

É (prologada até Dezembro), foi uma das duas exposições que em Espanha, na Galiza e nas Asturias, marcaram o actual interesse por África. A outra foi "Afro Modern. Viajes a través del Atlântico Negro", importada pelo CGAC de Santiago de Compostela, desde a Tate Liverpool, mas desfalcadíssima (no local - não no catálogo) de obras essenciais para o seu projecto conceptual - quando ouço recomendar esta versão abreviada percebo que se fala de cor, como é hábito.

"África", de Gijón, é (também) matéria de debate e divergência, pela concepção da mostra, o que será positivo, mas o que começa por ser assinalável é nos dois casos o interesse em sustentar a actual circulação de temas e interesses africanos sobre alguma informação ou pesquisa histórica, contextualizadora e duplamente exploratória, sobre o objecto África e sobre as abordagens europeias do tema África.

Por cá diz-se e repete-se que "África está na moda" - e é efectivamente moda o que acontece, um interesse circunstancial e passageiro, superficial e possessivo (esta moda é minha), que depressa será substituído por outra moda qualquer. Percorrem-se umas actualidades mais ou menos fúteis, e esboçam-se umas estratégias de ocupações de terreno (umas cátedras, uns patrocínios, uma viagens pagas). Pouco mais. Não há nada mais substancial e profundo, ou não estaria o Museu de Etnologia fechado, não estariam esquecidas ou perdidas as colecções que por cá existem, para cá vieram, mas se ignoram. Não teriam passado ignorados em Lisboa, por ocasião do CIEA7, Aminata Traoré e Elísio Macamo: http://zasb.unibas.ch/about/people/macamo/ (Alguns estudos sérios têm saído em livro - é outra coisa.)(E não estou a referir-me às meninas do Buala).

No lado espanhol ambas as exposições ultrapassam a espuma da moda para averiguar o que esteve antes da moda, o que é interrogar a história e construir abordagens conceptuais para isso. É uma forma mais sólida de voltar à exploração africana no tempo presente, investigado o passado em grande parte comum. A de Liverpool/Compostela foi valorizar a ideia de um Atlântico Negro, a circulação nos dois sentidos, o espaço entre, trocas e diásporas, o que acontece na sequência de anteriores leituras feitas noutras perspectivas sectoriais - porque em si mesmo é obviamente um discurso insuficiente (e descentrado, eurocêntrico) sobre a relação da África com a modernidade (ocidental, exterior). A de Gijón/Madrid tem um programa mais abrangente e mais extenso, embora conceptualmente menos original ou ambicioso.

Constituída em duas partes contíguas mas estanques, a mostra vira-se para a história (a tradição, a arte primitiva ou tribal, vista pelo olhar da antropologia e do gosto estético) e para  o moderno- contemporâneo (sem uma barreira cronológica definida, o que está certo) que se manifesta desde a década das independências e que se entende bem como uma dupla situação de pertença local e circulação diaspórica. O que acontece é que não há passagens ou continuidades reconhecíveis entre a parte histórico-tradicional dos primitivos (a cargo de Francisco de Santos do Museu de Antrologia) e a zona plural ou polimorfa do presente, em geral subordinada aos artistas que são cooptados pelo circuito ocidental (comissariada por Salvador Nadales, do Reina Sofia).

A prática artística contemporânea na África subsahriana inclui 53 obras de 24 artistas, sendo sete ditos emergentes e menores de 40 anos, oriundos de 14 países e alguns residentes na Europa e nos EUA.

"Afro modern" com desfalques (Santiago) http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2010/08/afro-modern-1.html

Africa nas Asturias  http://alexandrepomar.typepad.com/alexandre_pomar/2010/08/afro-modern.html Desde el 09-07-10 hasta el 19-12-10

http://www.youtube.com/watch?v=LDXupla13u0

 

Ana Mata 2010

A cada nova exposição de Ana Mata apetece ver-rever o que foi mostrando antes, porque é uma obra discreta com que não nos cruzamos nos sítios habituais (mostram sempre o mesmo, sempre os mesmos -. e é uma pasmaceira) e porque as pinturas continuam-se uma às outras, ou continuam a mesma discreta relação entre a produção de imagens, a prática (e interrogação prática) da pintura e a vida da pintora, já que a auto-representação está presente, mas não precisamos de o saber para que a pintura e a vida evidentemente se encontrem e se troquem, entre si e com o olhar do espectador.

Há aqui quatro telas de grande formato, 179x138 cm a de cima, acrílico sobre tela, Sem Título, de 2009.

Massanguitana

 

Leão, de Mário Massanguitana José Mazoio (Massanguitana, ou Mário Mazoio), n. 1926, Mahiveni, Chibuto, Gaza, Moçambique. Barbeiro, adivinho e escultor. (Inf. de Betty Schneider, "Massanguitana of Mozambique", African Arts, October 1976)

La Golondrina, Zamora, Pedrero

Vou perder a exposição «Bar La Golondrina. 1960-2010. Medio siglo del mural de Antonio Pedrero» que reúne en la iglesia de la Encarnación la obra y los muchos bocetos realizados por el pintor zamorano.

(col. Caja España)

Mas vou ficar à espera de uma próxima oportunidade e à espera do catálogo. Entretanto, graças à colaboração de um leitor, surgida como comentário a uma nota anterior, fica sacada de El Correo de Zamora alguma informação adicional: http://www.laopiniondezamora.es/ultima/2010/10/08/cronica-barra/468779.html

Crónica de barra

La Encarnación acoge una exposición de los bocetos y el mural del «Bar La Golondrina», que cumplen medio siglo

 

NATALIA SÁNCHEZ
«Fue un hito en el panorama cultural de Zamora y para él, el arranque de una trayectoria larga y cuajada de éxitos», señaló ayer el vicepresidente del IEZ Florián de Ocampo, Miguel Gamazo, en la inauguración de la muestra «Bar La Golondrina. 1960-2010. Medio siglo del mural de Antonio Pedrero» que reúne en la iglesia de la Encarnación la obra y los muchos bocetos realizados por el pintor zamorano. El artista, muy emocionado, dedicó la exposición a sus padres y sus hermanos al tiempo que habló de que la exhibición «es la historia de un cuadro y de una historia interior».
Antonio Pedrero comenzó la obra «un poco por capricho», atestigua. Las horas que pasaba en el bar familiar, situado en las inmediaciones de la iglesia de San Juan, le hicieron observar «a muchas personas interesantes desde el punto de vista psicológico». Cada uno de los personajes pintados, «por interés plástico y estético», dispone de un estudio detallado en carboncillo que puede observarse en la muestra, salvo Manuel de Dios, cuya cabellera está presente en la obra. «Era conocido en toda Zamora por su pelo», detalla el artista.
El cuadro mide 4,50 por1,50 metros, lo mismo que la pared para la que fue ideado, está hecho al modo renacentista, a decir del artista, y compositivamente está formado por medios círculos cortados por una horizontal y líneas verticales, ya que «me interesaron los grupos de amistades», afirma el autor que optó por la paleta del blanco, rojo y ocres. Así uno de los conjuntos lo forman distintas personas relacionadas con oficios y otro lo conforman los intelectuales Claudio Rodríguez, Ramón Abrantes y Julio Mostajo. En la pieza también tienen cabida el señor Matías, el conserje del Museo Provincial de Bellas o un cantaor gitano así como los hermanos Pedrero, situados al otro lado de la barra, y... hasta un total de 22 personajes, todos ellos con sus gestos y en sus lugares habituales en el bar.
Pedrero inició la obra en su estudio de Magistral Erro y lo concluyó en un almacén municipal, que estaba situado en la última planta del edificio que ahora alberga la Policía Municipal, «por las dimensiones que había tomado la obra», señala el artista que trabajó más de dos años en la pieza.
Además del mural, cedido por Caja España propietaria de la obra desde 1982, y los bocetos, en manos de la Fundación Caja Duero, la exposición cuenta con dibujos que conservaba el autor y otros bocetos que éste regalo a amigos que permiten conocer los orígenes del bar y toda la historia del cuadro.
Julio Mostajo, uno de los retratados, subrayó ayer su «gran satisfacción por la iniciativa» porque «he estado muy vinculado a Pedrero. He visto sus triunfos y sus malos momentos», reconocía a la par que mentaba, con gran emoción, a los muchos personajes ausentes. Otro de los captados en la obra, Eduardo Pedrero, remarcó que el cuadro plasma «una época difícil para la familia, ya que mi madre viuda luchaba entonces por sacarnos adelante». «Es la historia de una época de Zamora y de unos personajes con sus propias historias», enfatizó. También aludió a que cada retratado «representa distintas funciones en la sociedad local». «La obra debería de conservarse toda unida ahora que la fusión de las cajas lo puede posibilitar», añadió.
La artista María José Rodríguez Tobal manifestó su sorpresa por «la ingente cantidad de bocetos a carboncillos del cuadro» que Pedrero efectuó. Por su parte José Luis Cooomonte declaró: «para Zamora esta muestra podría ser un motivo de arranque de un museo de arte contemporáneo». «Se trata un cuadro que muestra una concelebración con el vino y las tapas» y «Pedrero realiza un trabajo ímprobo con unos bocetos de gran tamaño».
En unas semanas se presentará el catálogo de la muestra que recogerán los inicios del establecimiento con un texto explicativo de Ana Pedrero, los bocetos del cuadro, un apartado de críticas a la obra así como testimonios sobre el cuadro y sobre Antonio, escritos por Claudio Rodríguez, Miguel Gamazo o José Navarro Talegón, entre otros."

 

Malick Sibidé

É um dos grandes fotógrafos das independências (Mali),

com Philippe Koudjina (c. 1940-) na Nigéria, e Jean Depara (n. em Angola 1928 - Kinshasa 1997) na Rep. Dem. do Congo. E também Abderramane Sakaly (1926-1988) no Mali e Ambroise Ngaimoko / Studio 3Z (n. Angola 1949 - Kinshasa) igualmente na RD Congo. É costume situá-los a par de Ricardo Rangel (L.M. 1929 - Maputo 2009), mas aí antes da independência. A grande Anthologie de la Photographie Africaine da Revue Noire de 1998 ou a versão abreviada/actualizada L'Afrique par elle même (2003) - que veio (mais ou menos e maltratada) à Cadeia da Relação (Porto, 2006) - arrumam-no no capítulo "L'Éveil d'un regard" (o despertar de um olhar).

Foi "descoberto" em 1994 nos 1ºs Rencontres de la photographie africaine em Bamako ("Revue Noire" Nº 15, Décembre 1994 - nº dedicado à fotografia de Moçambique!!) e levado a Paris no ano seguinte (1962-1976, Fondation Cartier/André Magnin/Coll. Jean Pigozzi. Nunca mais parou de circular - muito mais tarde abriu-se um contencioso sobre direitos e acervos com a Colecção Pigozzi (CCAC), que detem óptimas vintages de pequeno formato, e a circulação ampliou-se mais ainda, com maiores e mais brilhantes ampliações.

Deram-lhe o Prémio Hasselblad em 2003, foi exposto no CAV de Coimbra em 2004, recebeu um Leão de Ouro da Bienal de Veneza de 2007, o prémio do Centro Internacional de Fotografia de NI em 2008, mais o Prémio PhotoEspaña de 2009. Entre muitos outros, que a imaginação dos premiadores é escassa.

Hoje inaugura-se mais uma exp. (via Hasselblad Foundation) no Palácio Galveias, no quadro do DocLisboa 2010.

Qualquer dia podiam mostrar o "contexto".

cultura inculta

Christiano Cruz (soldado a atirar uma granada)

Que fazer à cultura inculta que por aí escorre - e, em especial, à que se legitima como arte? Exemplo: "O incêndio de um dos últimos pavilhões* do Mundo Português é a desilusão da Neo-Vanguarda". Assim acaba, ou começa, pela direita, com esta frase absurda, a exposição com que reabriu hoje a Galeria Quadrum ( "Anti-Totem" ) sob tutela e programação camarária. O disparate é arte, esta arte é oficial, e eu devia ficar calado. Tenho boas relações pessoais e políticas e de trabalho com os responsáveis culturais camarários.
O que é que aquela frase quereria dizer se fosse certa a referência aos pavilhões de 1940? Nada que se perceba: o incêndio do pavilhão "fascista" não seria uma vitória da neo-vanguarda, é a desilusão desta - a perda, o fim?, das ilusões na ou da neo-vanguarda? Incompreensível. E o que é que a mesma frase significa se o pavilhão ardido não datar da Exposição do Mundo Português, mas sim de bastante mais tarde (1966), e tiver sido, aliás, refundado ou pelo menos regenerado pelo regime democrático? Aquele é, de facto, o pavilhão do painel colectivo do 1º de Maio de 1974 e da Alternativa Zero, de Prado Coelho e Ernesto de Sousa, em 1977, da exposição Wostell em 1979, de uns novos estúdios de video-arte em instalação pela então DGAC (SEC)? Se se quer dizer que era isso a ilusão da Neo-Vanguarda, e o incêndio foi a desilusão, o espectador não tem quaisquer dados prévios para o entender. Aparentemente, os artistas-comissários (?) também não conhecem o "contexto" - e na melhor hipótese decidiram ocultá-lo. Uma trapalhada.

    (Em tempo: porquê um dos últimos? além do MAP e do Espelho de Água, transformados, há os pavilhões naúticos e pelo menos dois edifícios no Jardim Botânico Tropical) 

José Miguel Gervásio

Há mais de 15 anos que vou seguindo o trabalho do J.M.G.

agora na Módulo.

Não é um aparição fulgurante como aqueles grandes artistas que desaparecem dois anos depois. A singularidade da obra confirmou-se em todos os encontros, mas só deparei com duas breves notas do EXPRESSO e rápidas referências em feiras e bienais ou balanços do ano (não sei se houve mais notas, ou se andei a correr atrás das tais novidades de desgaste instantâneo.

SANDRA QUADROS  e JOSÉ MIGUEL GERVÁSIO, Moira, Lisboa - 16-12-95
Em último dia, ou talvez já encerrada (mas seria injusto que dela não ficasse alguma memória), uma mostra de dois jovens artistas das Belas Artes do Porto — S. Quadros (n. 1970, Angola) e J.M. Gervásio (n. 1968, Montijo) — que deram o título genérico de «Colagem» a trabalhos que são pintura, utilizando a colagem para fazer entrar no quadro imagens recortadas e reinventadas, confundindo sentidos originários como gesto de subversão, de humor e de reconstrução poética, que se prolonga ainda nas inscrições escritas e títulos de S.Q. Processos reutilizados com uma especial frescura e liberdade.

GERVÁSIO, Quadrado Azul, Porto, 9-02-2002  
Duas séries de desenhos, um alinhamento de trabalhos a tinta-da-china e uma parede de folhas riscadas a carvão fazem regressar José Miguel Gervásio à gal. onde já antes mostrara pintura, construções escultóricas e uma instalação invasora da sua produção gráfica. Os títulos «UMP LIX» reservam-lhes um secreto sentido narrativo, que não se deixa decifrar em figuras e espaços paisagísticos identificáveis, embora elas e eles estejam presentes, metamorfoseados por um grafismo imaginativo e livre. O automatismo gestual conduzido pelos caminhos de uma fantasia sonhada aproximam-nos de algum surrealismo, mas à margem dos seus estereótipos. Este é um mundo pessoal. (Até dia 20)

A 1ª mostra vi-a na então Galeria Moira, da Moira Forjaz, na Praça das Flores.

"Afro modern" com desfalques (Santiago)

Pode anunciar-se a circulação de uma exposição quando não viajam algumas das suas obras determinantes?

A mostra "Afro Modern. Viajes a través del Atlántico negro" (Centro Galego de Arte Contemporánea,  Santiago de Compostela, até 10 de octubre) parece justificar a deslocação, mas conviria saber que não vieram de Liverpool pelo menos duas obras que assumem papel de destaque no respectivo programa:

Jacob Lawrence's "Street to Mbari" (1964) at Afro Modern, Tate Liverpool. Photograph: National Gallery of Art, Washington (tempera over graphite on wove paper, 56.5 x 78.4 cm - Gift of Mr. and Mrs. James T. Dyke )

Africa nas Asturias

Africa, objetos y sujetos. Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo. GIJÓN, Hasta el 30 de septiembre de 2010

"La exposición se articula siguiendo un orden geográfico y cultural, mediante una selección de objetos representativos de dos de las principales preocupaciones de los africanos: las creencias y los símbolos de poder. Están representadas diversas culturas y países de África Oriental y Meridional, África Central y Ecuatorial, así como África Occidental. En total, se presentan 190 obras. La selección tradicional muestra 137 objetos representativos de 56 grupos étnicos de 25 países. Estas piezas trasmiten información acerca de su uso y su función, así como del propio africano, del individuo y de la cultura de la que forma parte. Por otro lado, la selección contemporánea agrupa 53 obras de 21 artistas, todos ellos integrantes de una generación de importantes artistas visuales implicada en la vida cultural y social africana, formando parte de ella como actores y testigos.

Los comisarios de la exposición, Francisco de Santos, conservador del Museo Nacional de Antropología y Salvador Nadales, conservador del Museo Nacional Reina Sofía, han trabajado en profundidad en esta muestra, realizando una magnífica y nutrida selección de piezas provenientes en su mayoría de los grandes museos antropológicos europeos y africanos, así como de fondos personales de artistas contemporáneos."

Gijón. Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo
Lunes a sábado: de 11 a 14 y de 17 a 21 h.
Domingos y festivos: de 12 a 14.30 h.

ver http://tectonicablog.com/?p=12377

com inf sobre o catálogo em pdf : http://mnantropologia.mcu.es/

mnantropologia.mcu.es/pdf/Africa_Objetos-Sujetos.pdf

(da...) Presentación
Con esta exposición se pretende contribuir al conocimiento de la diversidad cultural africana como base para fomentar el respeto y la tolerancia entre pueblos de diferentes tradiciones culturales y religiosas, en un mundo empequeñecido por los medios de comunicación que acerca, cada vez más, otras formas de vida y manifestaciones artísticas.
Las creaciones materiales, de diferentes áreas geográficas y culturales, que son el reflejo de la propia evolución cultural, así como de sus preocupaciones en lo social, lo político y lo religioso, serán el vehículo para descubrir esa pluralidad cultural, sin olvidar los efectos que ha tenido el desarrollo de la educación, las misiones cristianas y la expansión del Islam, así como las nuevas tecnologías en la evolución y cambio de las culturas africanas subsaharianas.
El titulo de esta exposición África, Objetos y Sujetos, tiene un carácter de reciprocidad, por un lado responde al objetivo de profundizar en el conocimiento de diferentes objetos relacionados con el mundo de las creencias tradicionales y con los símbolos de poder en una amplia selección de culturas africanas, relacionándolos con los sujetos que los han producido para diferentes propósitos; por otro, se relacionan las circunstancias históricas, sociales y económicas en las que se desenvuelven los individuos y colectividades con dichas manifestaciones materiales.
El objeto se presenta no sólo por su valor estético, sino como documento cultural, desde una perspectiva antropológica, contextualizado en el espacio y en el tiempo y relacionándolo con las culturas, sociedades y circunstancias en las que se producen y utilizan. A través del objeto se intentará descubrir al sujeto.
Por otro lado, conviene destacar que la vinculación de lo tradicional con lo utilitario donde los objetos están ligados a un uso y lo contemporáneo donde ese uso para a ser sustituido por la contemplación dando mayor importancia a su valor estético, pierden sentido en un contexto africano donde el carácter y sentimientos del artista se transmiten en su obra, sea tradicional o contemporánea, ya que ambas están íntimamente ligadas a su entorno social y cultural. La general separación aplicada en occidente a los conceptos arte/artesanía, primitivo/desarrollado, tradicional/contemporáneo plantea problemas que ponen en cuestión esas dicotomías. Aunque el uso dado a los términos “tribal” o “primitivo” han acabado siendo sustituidos por el de “tradicional” que es menos problemático y más políticamente correcto.
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La falta de interés por las culturas africanas ha ignorado, generalmente, las circunstancias en la que se producían los objetos e impedía la apreciación de los mismos más allá de su valor estético, al tiempo que obviaba y minusvaloraba la existencia de otros pueblos y culturas que buscan y hallan respuestas, cambian, evolucionan y se desarrollan. Por este motivo se ha procurado incorporar a la exposición y catálogo una selección fotográfica con carácter documental que permita la contextualización del objeto en su entorno, mostrando asimismo la imagen que han transmitido y transmiten muchos fotógrafos y artistas occidentales sobre África.
La exposición se articula en un orden geográfico y cultural mediante una selección de objetos representativos de dos de las principales preocupaciones de los africanos: las creencias y los símbolos de poder. En el mundo de las creencias y del ritual relacionado con las mismas destacan las tallas relacionadas con el culto a los antepasados, las figuras de poder utilizadas para combatir el mal, las máscaras, con carácter lúdico o ritual, que ocultan la identidad del danzante para interpretar un papel en los ritos de paso, estacional o vital, vinculados con el ciclo agrícola o con el paso de la pubertad a la edad adulta, o las ceremonias funerarias, que constituyen, junto con las muñecas de fertilidad, algunos de los aspectos más celebrados en las sociedades africanas. Las representaciones antropomorfas se muestran como creaciones conceptuales en las que la transcripción plástica de divinidades, espíritus, héroes o reyes, da origen a una imagen distinta a la de la realidad, sin renunciar por ello a detalles realistas específicos de cada etnia, como los peinados, las marcas de tatuajes o escarificaciones.
Entre los símbolos de poder se encuentran los relacionados con una posición de prestigio que marca y diferencia el estatus social de los miembros de la comunidad. Estos serán utilizados tradicionalmente por los dignatarios, los jefes o personas encargadas de llevar a cabo los rituales como intermediarios entre la comunidad y la divinidad. Los bastones de mando, o los asientos y reposacabezas sirven para marcar esas diferencias en culturas donde tradicionalmente el uso de mobiliario es un bien escaso y reservado. Esos objetos de uso de la Corte serán mostrados con motivo de ocasiones especiales, como la entronización de un rey, para demostrar y glorificar su poder divino, asegurando la continuidad de la dinastía. Del mismo modo, los textiles, aunque en la actualidad son bienes de uso generalizado, tradicionalmente están relacionados con la distinción, aunque también con ritos y creencias, al ser utilizados, en muchos casos, para envolver los restos de las personas fallecidas.
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En la mayoría de estos objetos de uso tradicional se desconoce a su autor pero no la cultura de la que forman parte. Aunque el trabajo de artistas individuales pueda llegar a ser reconocido, no ha habido demasiado interés hasta tiempos recientes por los escultores africanos como individuos, algo quizás debido al concepto de “arte tribal”, consecuencia en gran parte del enfoque eurocentrista que ha dominado la visión de África. Sin embargo, en algunos casos hay excepciones y se cuenta con información que permite atribuir el objeto a un sujeto determinado, como es el caso de la máscara de los Idoma de Nigeria, atribuida al maestro escultor Oba del poblado Otobi, en la colección del Quai Branly de Paris, presente en esta exposición de África, Objetos y Sujetos.
Por otro lado, las obras más contemporáneas reflejarán en muchos casos esas raíces culturales, creando a menudo una plástica más realista, pero que, en un aspecto u otro, también se constituyen en las marcas de identidad de un grupo. Estas obras nos ofrecen otro punto de vista donde el sujeto como individuo gana protagonismo y es reconocido como artista. En sus trabajos se plasman las inquietudes, sentimientos y visiones propias de su entorno cultural, dejando de lado el exotismo o sensacionalismo comunes en la mirada occidental. Con ello, se contribuye a reflejar la continua evolución de las sociedades africanas con artistas que representan plurales posiciones creativas, que son el testigo de la sociedad contemporánea poscolonial. De esta forma se produce un acercamiento a la creatividad del continente africano que, pese a su proximidad geográfica, sigue siendo un gran desconocido y se intenta romper con las nociones estereotipadas sobre África.
La mujer, tradicionalmente relegada a su papel de madre y esposa, es ahora reconocida como artista que expresa y refleja en sus obras sus sentimientos e inquietudes. Aunque algunas vivan fuera de África no por ello olvidan la problemática social, económica o política de sus países de origen. Ese es el caso de mujeres de distintas áreas geográficas y culturales presentes en esta exposición, como Aida Muluneh de Etiopía, que reside en Canada o Marlène Dumas de Sudáfrica y Angèle Etoundi Essamba de Camerún, que viven en Holanda.
En suma, los dos ámbitos que abarca este proyecto permiten una lectura plural de la creación artística africana, en algunos casos fieles a la tradición, pero en coexistencia con las propuestas abiertas, plurales e individualizadas de los artistas contemporáneos que les permite expresar en sus creaciones su herencia cultural y su identidad, como se refleja en la obra Yokoro de Malick Sidibé, presente en esta exposición.
La separación entre tradicional y contemporáneo pierde fuerza cuando en el mismo espacio y tiempo habitan los grupos de enmascarados junto con los artistas plásticos y visuales educados en las escuelas de arte. Por ello, es preciso recordar que la tradición no es algo estático e impermeable, sino que está sujeta al cambio social y cultural, conservando su importancia entre los artistas de los nuevos estados africanos que en sus expresiones contemporáneas muestran, cada vez con más ímpetu, otra visión de África."

http://www.cajastur.es/osyc/acultural/actividades/actividad2149.html

 

tb com obras cedidas por:
Museu Nacional de Etnología, Lisboa
Museu Antropológico da Universidade, Coimbra

"Viajar" por um centenário maltratado

Este terá sido o primeiro cartaz turístico português, publicado pela SOCIEDADE PROPAGANDA DE PORTUGAL, em 1907:

Não está na exposição "Viajar". Em baixo, Postal ilustrado do IV Congresso Internacional de Turismo (o 1º em Portugal) da autoria de Raúl Lino (1879-1974), que foi um influente membro da Sociedade Propaganda de Portugal, 1911:

reproduzido a preto e branco na exposição e no catálogo (!) da exposição "Viajar", org. do Centenário da República.

( de http://oeiraslocal.blogspot.com/2008/04/portugal-o-turismo-no-sculo-xx.html , reproduzido de PORTUGAL - O Turismo no Século XX, Paulo Pina )

Parar em Ciudad Rodrigo.

Em geral passa-se ao largo, à ida ou à volta. Mas vale a pena parar. Não exactamente por causa do casco histórico, embora ele seja monumental e muito apreciável, mas porque aí se apresenta uma exposição histórica sobre a Guerra Peninsular, ou Guerra da Independência, na designação espanhola. Assinala-se o bicentenário do cerco de Ciudad Rodrigo pelo exército napoleónico (de 25 de Abril a 10 de Julho de 1810!), e também já a recuperação da praça forte a 19 de Janeiro de 1812, pelas tropas aliadas sob o comando de Wellington.

   

Bienal 3

Restauradores, ruinas, bienal Portugal Arte 2010

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Bienal 2

Da Rua Augusta aos Restauradores:

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Bienal 1

Caso de polícia ou uma exposição democrática? É a Bienal Portugal Arte 2010 em algumas imagens ocasionais.

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(1 e 2, Pavilhão de Portugal)

Portugalarte 2009

Para memória futura e para "contextualizar" a inauguração de hoje (todos ao Pavilhão de Portugal às 19h!) recuperam-se documentos históricos de grande importância para a arte em Portugal (ou documentos artísticos de grande importância para a história de Portugal). Duas fotografias de 2009, do anúncio público da bienal de Lisboa e Grândola. Na Central Tejo.

Foto 1:

 

e Foto 2:

 

Encontram-se no site da CML: " Bienal Portugal Arte 2010 - Uma grande manifestação de arte pública, de nível internacional, está prometida para Lisboa e Grândola, em 2010, numa parceria que junta as autarquias das duas cidades, a EDP e a Associação Portugal Arte." [2009-09-17]

http://www.cm-lisboa.pt/?idc=42&idi=43248

Trocas

O pessoal etnochique que circula pela Gulbenkian do Próximo Futuro, pelo Artafrica e o Buala, etc, também põe os pés na FIA? Não é por aqui que passam de formas mais vivas e participadas o diálogo intercultural, as trocas poscoloniais, o anteriormente chamado multiculturalismo?

A foto é de 2009, antes da crise ser crise (e também aqui se nota)

a invenção do passado

Por qualquer razão que me escapa, o texto crítico que publiquei em 2001, no caderno "Actual" do Expresso (7/Abril), a respeito de uma anterior exposição retrospectiva do pintor Nadir Afonso no Centro Cultural de Cascais, não é referido na bibliografia incluída no catálogo da semi-retrospectiva (anos 30-60) que o Museu do Chiado apresenta desde 3ª feira, 22 - e nela se referem vários escritos irrelevantes.

O facto é tanto mais insólito quanto à data o mesmo texto não passou despercebido ao artista, já que lhe respondeu numa carta publicada no mesmo lugar a 12/5/2001, que preferi deixar sem réplica, e pelo menos este texto do pintor deveria ser referenciado pelo contributo que traz à compreensão dos processos usados: "Não sou esse pintor de gestos espontâneos, contente com a sua obra pronta de momento: penso que existem leis universais, imutáveis, absolutas; leis de formas que tacteio, hesito, corrijo ou tento corrigir. Sobre cada tela trabalhei, comecei, por vezes há mais de 60 anos, e sobre cada tela, se nela sentir qualquer carência, acabarei no retoque da minha última hora». Eu fiquei a pensar que as tais leis absolutas convivem com o uso imoderado do papel vegetal (usado de um lado e do outro, facilitando versões em que a forma se desenha ou enrola da direita para a esquerda ou da esquerda para a direita, como a actual exp. mostra), mas estou pronto a assegurar que nunca vi o tal papel vegetal, afinal um acessório tão estimável como a régua e o compasso.

Povos

Na exposição Povo (ver nota anterior), o Francisco Vidal fez-se instalar com visibilidade reduzida - é uma opção curiosa (ou que desperta curiosidade): o painel "fotográfico" dobra-se para um corredor não iluminado e prolonga-se num nascimento de Vénus onde a Rita grávida aparece sobre um avião em voo, certamente a caminho de Nova Iorque, tenho de ir ver melhor...

e na parede oposta está (escondida) uma pintura sobre tela, o retrato da mesma Rita, colocado de cabeça para baixo, com menos luz ainda.

Popular e erudito

Mais de 300 nºs de catálogo. Pousão. Arpad Szenes, Álvaro Cunhal, Graça Morais, Francisco Vidal, o colectivo Kamaraphoto, e também Jeff Koons ou Cindy Sherman, por exemplo. João Abel Manta. Ali, à partida, não são nomes, mas imagens e um nº que será preciso identificar, com a ajuda do roteiro. Não é fácil pormo-nos a adivinhar, até porque muitas coisas vieram das reservas de museus. O puzzle torna a visita muito mais estimulante do que uma montagem rotineira, tira os visitantes da sua preguiça**.

Para escolher algumas presenças: os bonecos do Tom, Thomas de Melo, que vêm das exposições de 37, 40, etc e ainda se vendiam em pequeno formato, como aqui, na Casa Leonel, fim dos anos 80, parece. Abaixo um impresso, lá a colecção* ( 28 Figuras populares de madeira, escultura em madeira pintada, alt. c. 20 cm, nº 274), ao lado de fotografias desconhecidas de António Cézar Abrunhosa (?), outra de Fernando Lemos (sargaceiras de Modelo, de um curioso neo-realismo experimentalista ou surrealismo; prova de pequeno formato do CAM, pouco vista), outros bonecos, desenhos (João Abel Manta), etc:

Depois as fichas de inventário do Inquérito Arquitectura Regional Portuguesa, colecção da Ordem - técnica mista sobre papel !! (115-6) -, que talvez se mostrem pela primeira vez:

Depois o desenho fotografado - desenho digital sobre 150 folhas (fomato US Letter), Iemanjá 2010 - de Francisco Vidal (104), de que não tenho imagem.

É uma exposição popular e erudita.

Povo na Fundação EDP, Museu da Electricidade
Período de exibição: 19 de Junho a 19 de Setembro de 2010 Horário: todos os dias, entre as 10h e as 18h e aos sábados até às 20h. GRATUITO
http://www.centenariorepublica.pt/conteudo/exposicaopovo
http://www.edp.pt/pt/sustentabilidade/fundacoes/fundacaoedp/agenda/Pages/POVOPEOPLE.aspx

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* existe uma colecção restaurada há poucos anos no espólio (acervo?) do Museu de Arte Popular. Vamos lá ver se a mostram, quando, e se a mostram bem, com muitas coisas à volta.

** Depois das exposições do Jorge Calado, depois da montagem do Heimo Zobernig no CAM, e da recente reabertura do Museu do Chiado está-se a usar, encenar, dispor e pensar as imagens com mais desenvoltura.

Histórias de tapeçarias

A propósito das tapeçarias chamadas de Pastrana (um grande espectáculo a decorrer no MNAA), algumas pesquisas via Google, porque há muitas lacunas na informação disponível:

1: mostradas em Bruxelas (eram os "Tumultos guerreiros")

Detalle de uno de los tapices de la colegiata de Pastrana, tras su restauración (EFE | 12-01-2010)

Tumultos guerreiros e invenção da glória

É curioso observar que as "nossas" tapeçarias de Pastrana (encomendadas por Afonso V e descobertas em Espanha) têm sido expostas sob diversos títulos na triunfal digressão que se tem sucedido ao respectivo restauro em 2009: em Bruxelas, a mostra intitulou-se (em francês) "TUMULTES GUERRIERS À LA CÔTE MAROCAINE - Quatre tapisseries tournaisiennes de Pastrana", e viu-se entre Janeiro e Março no Musée du Cinquantenaire (o nome do Museu vem do parque onde se encontra, que celebra os 50 anos do reino da Bélgica, feitos em 1880 no reinado de Leopoldo II). Foi a 1ª apresentação depois do restauro feito pela Manufacture royale De Wit à Malines ou Mechelen em flamengo (grâce au soutien financier apporté par le Fonds InBev-Baillet Latour et par la fondation espagnole Caja Madrid, com a intermediação da Fundación Carlos de Amberes de Madrid: http://www.kmkg-mrah.be).

O acontecimento integrou-se nas celebrações da presidência espanhola da União Europeia, o que mais justificava a prudência politicamente correcta do título.

pormenor do 1º episódio, O desembarque em Arzila: o rei Afonso V e o infante João dirigem-se para a cidade - a riqueza das armaduras distinguem-nos e ficam perto o estandarte de Portugal e o pendão real que aqui não se vêem

Um artista de proximidade

A visão da grande nave do CAM deserta numa manhã de feriado é devastadora. Certamente, com a crise, não há verbas para a publicidade e sem ela as massas não se movem. Seguramente, com ou sem crise, os 4 € (quatro euros!) exigidos por cabeça não são convincentes para atrair o passeante desprevenido, que melhor poderá passar a manhã passeando pelos jardins (se entrar, verá que o artista, afinal, também ele se passeia, mas no espaço natural - não num jardim). Presumivelmente, nenhuma informação, nenhuma imagem prévia suscita a curiosidade a respeito de um artista galego desconhecido a quem é dedicado o imenso espaço vazio da nave e da galeria superior do CAM (a directora não terá culpa, foi uma teimosa imposição da administradora, que optou por delapidar um museu e por contrapor à velha ideia de exposição a fórmula da instalação, afinal mais antiga ainda, mas tida por pós-modernaça - trata-se só de ir dispondo uma coisa aqui e outra coisa ali, ou mesmo apenas uma "ideia" aqui e uma coisa além, espaçadamente, substituindo-se o discurso expositivo pelo espaço vago, ou, com benevolência, pelo espaço arquitectónico). Acho obsceno aquele espaço despido.

*L

o social

Citar Marx e Engels é já só um pro-forma (não um pro-conteúdo). Mas a exposição sobre o "social" na Colecção Berardo tem algumas qualidades sempre que é inesperada:

 

1) as obras ou instalações de Rigo (Teko Mbarate e Sapukay, uma bomba de fragmentação e um submarino nuclear) construídos com e por populações do Brasil - valia a pena fornecer mais informação aos visitantes sobre estes "projectos" - vindos de São Francisco;

2) a entrada através de uma parede de cartoons políticos publicados pelo jornal Combate e editados em livro com design Jorge Silva (como é que a rotina teórica do velho trotskismo se acompanhou com esta imaginação gráfica dos ilustradores?) - mas o começo da exp. não está indicado e o visitante entra enganado por um preguiçoso núcleo de arquitecturas e pela sinalética do João Louro;

3) a imensa pintura a óleo à antiga do Gonçalo Pena (corrijo o lapso - ver comentário: desculpe GP/obrigado MC) que apela a uma visão mais demorada.

4) acrescento em tempo a presença de Portinari e Di Cavalcanti, acompanhados por Siqueiros - é a representação de "vanguardas" que foram recalcadas com os formalismos do 2º pós-guerra e o confronto entre blocos. Não é costume saírem das reservas. Depois da presença do "outro" inscrita na atracção pelos primitivismos à maneira surrealista (mais o oculto do que o outro - o interesse pelos fetiches), que vem, aliás, da anterior montagem; o breve corredor latino-americano (e ainda não terceiro-mundista) mostra como é exígua a abertura ao espaço exterior ao eixo Europa-USA.

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Quanto ao social a noite não foi famosa. Nunca se percebe, eu não percebo, o que orienta o tropismo dos inaugurantes. Mas isso é o menos importante.

Vindos das reservas

Não sei se o património dos nossos museus é tão rico que se tenha justificado manter nas reservas alguns pequenos quadros de Courbet, Boudin, Troyon e Lépine, entre outros, ou se a permanência dos gostos tardo-naturalistas nacionais justificaram que as obras alheias se resguardassem nos depósitos. O certo é que a vinda à superfície dessas e doutras obrinhas desconhecidas ou mesmo inéditas deveria ter tido mais espaço noticioso, se teve algum. Não vi no Ypsilon, que dá muitas páginas a artes, mas mais mundanas e recentes.

A mostra chama-se "Na sombra das colecções. Proveniências Europeias nas Reservas da Casa-Museu" e já abriu há um mês - e continua até Setembro. O cartaz, ou ilustração do desdobrável e das notícias, é um pormenor de uma vista marinha de Eugène Boudin (1824-1898), que foi um dos expositores da 1ª exposição dos impressionistas, em 1874, os quais à partida não se designavam assim e usaram o nome de Sociedade Anónima Cooperativa de Pintores, Escultores, Gravadores, Etc. Stanislas Lépine (1835-1892) é outro pintor representado e também aí expôs, no estúdio do fotógrafo Nadar, entre vários outros cujos nomes não são lembrados. Muitas histórias só retêm o nome de Boudin por essa ocasião, ou no máximo referem a inicial aprendizagem do jovem Claude Monet junto do "modesto Boudin". (John Rewald, p. 55-58, Poche 1965)

Honfleur, 35,5 x 45,7 cm

Na Colecção Gulbenkian figuram três outras pinturas (sobre madeira) de Boudin, três vistas de portos, mas esta é particularmente marcante pela sobreposição dos planos horizontais sucessivos de praia, mar e céu, brevemente interrompidos apenas pelas figuras recortadas e barcos, deixando todo o espaço aberto à agitação da matéria pictural impregnada pela luz, com o dramatismo de um provável céu de tempestade. À observação realista da natureza, trabalhada no lugar, Boudin, acrescentava uma sensibilidade lumínica que se diz pré-impressionista. As suas praias com figuras tinham êxito no Salon, como diz o desdobrável que faz as vezes de catálogo. Uma delas, Trouville, com os veraneantes modernos frente ao mar viera em 2006 ao Museu de Arte Antiga com a Colecção Rau, e deixara boa memória.

Outra obra com importância é de Gustave Courbet, assinada e dita Floresta Fechada, com 46 x 38 cm. Ou  atribuída a Courbet, apesar de assinada. Como é habitual, as nossas obras estão em muitos casos pouco certificadas, e quanto a esta o desdobrável refere com prudência um restauro intervencionista e repintes.

 

É uma vista de Fontainebleau, marcada pelo rendilhado dos efeitos de luz por entre a folhagem e pela aspereza texturada das rochas em primeiro plano, numa paisagem quase sem profundidade. 

 

Outro paisagista formado pela "escola" de Barbizon é Troyon, presente com mais um pequeno quadro que a foto retirada da MatrizPix não representa com visibilidade suficiente. Constant Troyon (1810-1865) comparece aqui em pequena escala como grande animalista, num apontamento de composição rápida e agitada pela própria disposição movimentada do rebanho, cromaticamente sintética e marcada pelo jogo das luzes - já sem a inspiração romântica que se reconhece na obra de maior vulto e mais "acabamento" que o representa na Gulbenkian. Como Boudin foi um pintor de sucesso e também é visto como antecessor de impressionistas.

E há mais coisas a referir, numa interessante pequena mostra.
  

mais algumas inaugurações

cinco inaugurações escolhidas, por variadas razões. Em especial, por curiosidade.

1. (quinta 22 - até 12 Jun.)

 

2. (sexta 23)

3 (sexta 23 - até 29 Maio)

 

4. (sábado 24 - até 19 Jun.)

 

INFLUX CONTEMPORARY ART  inauguração - 24/4 > 16:00

(WED > SAT | 14:00 > 19:00) http://www.influxcontemporary.com/ Um artista nascido no Senegal (1969), que já tinha exposto em Lisboa (Arte Periférica) por ocasião do 1º Lisboa-Dakar

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5 (sábado 24. Estói, Faro)

Convites da semana

ou Entre os convites da semana

1
dia 13 pelas 18h30: "J. Laurent e Portugal - Fotografia do séc. XIX" apresentados pela Associação Portuguesa de Photographia no Arquivo Nacional da Torre do Tombo (depois de ter estreado no CFF, Porto)

 

2
dia 15 no Padrão dos Descobrimentos (18h) e no Arquivo Fotográfico de Lisboa (19h30)

3
dia 15, 19h, no PORTO: "Nadir Afonso. Sem Limites", no Museu Nacional de Soares dos Reis

http://mnsr.imc-ip.pt  Anos 34-60 e cerca de 100 obras. Co-produção com o Museu do Chiado (o retorno ao bom princípio da itinerância Porto/Lisboa) comissariada por Adelaide Ginga

Dois lados de Serralves: Lourdes Castro e ruídos

Não percebi porque se associam no programa de Serralves as exposições de Lourdes Castro (com Manuel Zimbro) e da norte-americana Dara Birnbaum (Nova Iorque, 1946). Talvez a ideia seja estimular a curiosidade do visitante colocando-o perante o desafio de perceber por que se associaram na programação de Serralves as exposições de Lourdes Castro e de Dara Birnbaum. Julgo que o visitante não descobrirá essa eventual razão, o que o levará a interrogar a lógica geral da programação de Serralves. Talvez isso o ajude a ser mais um visitante questionador do que um mero consumidor de arte contemporânea - é a minha perspectiva amigável ou optimista. Ou, pelo contrário, face à impossibilidade de perceber a associação de duas exposições tão adversas ou conflituantes, talvez perceba que estas coisas da arte contemporânea não são para perceber, mas só para consumir, passando-se pelo centro cultural com a mesma displicência indiferente com que se passeia nos restantes fins de semana pelos centros comerciais (e aliás, o tio Belmiro, o BPI, etc, estão de ambos os lados).

Lençóis bordados, "Sombras sobre lençol" ou "Sombras deitadas", c. 1968-72 ("Faço-os eu própria porque realmente tenho prazer em bordá-los; é muito socegado e tranquilizante; uma espécie de concentração e meditação. Às vezes ouço música, e muitas vezes não penso em nada." L.C. Paris 1969)

Marta Soares na Módulo

Novas pinturas. A mesma coisa e outra também, num itinerário singular (único e em grande medida insólito), continuado ou persistente, subtilmente diverso, discreto mas reconhecido. Agora maiores formatos, agora acrílico, e não óleo, agora "descolagens" ou transferências com passagem por velhas paredes de azulejos, às vezes com grafitis. Por caminhos seguros, entre o rigor de uma disciplina construída e a abertura à imprevisibilidade dos acidentes e à diversidade dos resultados.

Victor Palla/Costa Martins, 1958 (2)

A exp. de "Lisboa 'Cidade Triste e Alegre'"na Galeria Divulgação, Porto:

a partir de 2 Dez. 1958 - a foto, do espólio dos arquitectos, foi publicada na pág 281 da História da Imagem Fotográfica em Portugal - 1839-1977, de António Sena, Porto Editora (1998)

e antes na Gal. Diário de Notícias, 21 a 28 de Out. 58, vendo-se Costa Martins sentado ao centro (foto mostrada na exp. "Lisboa tem histórias", Museu da Cidade, até 3 Abr.

 

São os mesmos painéis "paginados", com uma diferente disposição por o espaço ser menor.

Figuras de Lisboa, Victor Palla (1958-2010)

Uma das coisas curiosas (e bem feitas) da exp. "Histórias de Lisboa no Museu da Cidade" (10 Fevereiro - 31 de Março) é a presença de Victor Palla, arquitecto, fotógrafo e designer (e tb. pintor, tradutor, editor, etc). E essa comparência tem a qualidade adicional de acrescentar um dado importante sobre a divulgação do livro que realizou em parceria com o tb arquitecto Costa Martins e publicou em fascículos depois de duas exposições de promoção do mesmo livro, em Lisboa e no Porto, na Gal. Diário de Notícias e na Divulgação do Porto.

(provas impressas a partir de negativos cedidos pela família de Victor Palla)

Isto que parece uma "obra conceptual" (para citar um repetido disparate) é a sobreposição de três fotos da montagem da exp. na Diário de Notícias em 1958 (de 21 a 28 de Outubro de 58 - está mal datado na tabela), onde se reconhece a "paginação" das fotografias ao longo de um suporte contínuo, em cima de quatro imagens do programa televisivo de David Mourão Ferreira, com a presença dos dois arquitectos-fotógrafos.

desenho de João Fazenda

Dois, três novos pintores

A ideia de novos média, contrapostos aos velhos média, é totalmente idiota embora com largo curso (ou por isso mesmo). Cada fala que começa é uma nova voz, e ninguém se lembraria de classificar como velha a prosa ou a poesia, a música, o canto, etc. Com cada novo pintor, começa a pintura, por maiores que sejam as referências ou inspirações ou aprendizagens que os animem. Começa e também continua...

Com Rui Jorge ("Portuguese Man-of-War", na 111) e com Tiago Baptista ("Um dia destes...", na 3+1 Arte Contemporânea) as primeiras individuais são uma boa surpresa, no caso do primeiro, e uma confirmação. E a terceira individual de Mariana Gomes ("Erro", na Módulo) tem também a frescura das primeiras aparições.

Rui Jorge: "Lenga lenga que é longa pá", acrílio e óleo sobre papel, 212 x 143 cm - http://www.111.pt/#/pt/exhibitions/detail/ruipedrojorgeportugueselisboa/

Tiago Baptista

Mariana Gomes, pintura sem título

 Como se vê, tratando-se de pintura, são três pistas de trabalho totalmente diversas. Três pinturas. Mais três pinturas e não a continuidade de uma suposta natureza, condição ou essência da pintura.

CAM 1985, Lourdes Castro

Não fui a Serralves, hei-de ir. Entretanto, do Arquivo em 1985, no âmbito da Exposição Diálogo, a abrir o programa de performances, happenings e espectáculos, quando a abertura do CAM parecia poder ser um acontecimento internacional. Lourdes Castro e Manuel Zimbro, "Linha do Horizonte"

 

Arquivo, Expresso Revista, 5 Abril 1985, pág. 28.

O tempo de ver

RAROS percursos criativos testemunham uma tão grande coerência interna como o de Lourdes Castro,
prosseguindo desde 1962 um trabalho com sombras, que foram primeiro impressas em serigrafia, depois pintadas na tela, recortadas em plexiglás, bordadas em lençóis e agora são projectadas num écrã e dadas em espectáculo, tornadas movimemtos e acção.
Poderá falar-se na utilização de um achado - se através deste chegarmos ao «ready-made» e daí a uma atitude dadá que está presente em Lourdes Castro como esteve nos novos realistas dos anos 60 em que se afirmou, e como se reactualiza também de vários modos nestes anos 80. Não é no entanto a permanência de uma inspiração que importa sublinhar a propósito de Linha do Horizonte, estreado em Lisboa a abrir o programa de acções complementares da "Exposição-Diálogo", mas o efeito próprio dessa forma particular de performance que, como as suas homólogas, inscreve o corpo e a acção do artista num objecto efémero, que retoma uma prática infantil e uma arte oriental de teatro de sombras, além de aprofundar a direcção particular da criação visual de Lourdes Castro.
Poder-se-ia, inserindo o espectáculo na sequência já formada pelos de Mauricio Kagel e Jan Fabre, interrogar qual é o lugar de Lourdes Castro (e Manuel Zimbro, co-autor) nesta amostragem de criações contemporâneas que fazem da inexistência de fronteiras entre géneros uma marca decisiva, e do excesso, da violência e das referências culturais a via de regresso a emoções originárias.    
Esse lugar é, primeiro, o da radical diversidade actual dos produtos em circulação, negando de forma que se espera decisiva uma crença positivista da ultrapassagem dos efeitos ou do isolamento progressivo dos elementos. Nessa diversidade se inscreve tanto uma obra como a de Jan Fabre, que explicitamente refere as que lhe servem de necessário fundamento, como a de Lourdes Castro, onde são as imagens de um quotidiano familiar e não as de um universo cultural que constroem o discurso. Diria, aliás, que o colocar-se como presente e o não justificar-se como história se configura como manifestação de uma diferença particularmente sugestiva.

Depols, se a sombra é a marca de uma ausência, ela é evidência de um artifício que aqui em manifestar-se se basta: o seu movimento dá-se como ficção que nenhuma narração suporta. Esse artifício, produzldo por recursos técnicos que o écrã oculta, contido num plano puramente visual (onde alguma música apenas surge como «companhia", sem produção de outros sentidos), alimenta uma ficção que de simples gestos não-artísticos, banais, se serve para inspirar uma forma de estar. Presença, afinal, de quem vê - e é ainda através do écrã, preservando a ausência fundadora do espectáculo, que Lourdes Castro responde à tradição dos aplausos finais.
Uma linha é horizonte, é corrimão ou cana de pesca, é parede, moldura, eixo onde se definem planos de luz e de cor. Ou uma figura, segundo uma duração regida por uma estrita economia do tempo de ver, e de fazer dessa visão um modo de presença que é disponibilidade para acolher uma intensificação de emoções, repete actos tão usuais como subir uma escada, folhear um livro (de imagens), comer, dançar, dormir, entrar em casa. etc. Actos mínimos, recolhidos e não representados - e ao contrário da tradição do happening não desmontados ou denunciados mas ilusoriamente preservados para um efémero momento repetível.
Conquista-se assim uma dignidade plena do ver (como noutros retornos ao suporte bidimensional do quadro), num percurso pela acção. Visão em acto, portanto já não marcada por qualquer fatal transgressão que praticas de crueldade antes encenaram. Apenas ver, sem mácula e sem medo.

Clara Martins

A Galeria António Prates inaugura hoje, 5 de Março, pelas 22 horas, uma exposição de Clara Martins.  A exposição contará com cerca de 20 pinturas, além de uma instalação de grande escala intitulada “Heads Full of Sand” (Cabeças Cheias de Areia). 

'Mihanovichi ', pastel de óleo, tinta da china e acrílico s/ papel s/ tela, 140 x 115 cm, 2009

 

"Don't sit on me", 86 x 300 x 230 cm, 2001

Rui Serra

© Rui Serra, “Faster than light”, Acrílico sobre tela, 170 x 190 cm

Hoje pelas 22h00, a Galeria Graça Brandão inaugura uma exposição de Rui Serra, intitulada “Pelo Buraco da Agulha”.

A Presença das Coisas* inanimadas

AO DOMINGO ENTRADA GRATUITA

A Gulbenkian  não podia cortar o orçamento de produção da sua grande exposição sobre a natureza morta europeia dos séculos XVII e XVIII, mas cortou as verbas da promoção, porque a crise toca a todos e as respostas à crise são ou parecem ser muitas vezes absurdas. Ajudemos então a publicitar uma exposição sem paralelo na nossa história recente (e antiga?) e que é também uma iniciativa de grande relevo em termos internacionais: têm-se multiplicado as revisões sectoriais e regionais, mas são raras e distantes as mostras com intuitos de traçar um panorama geral da n-m.

Josefa de Ayala (dita de Óbidos), 1630-1684, Natureza-morta com doces e barros, 85x160,5. Santarém, Casa-Museu Anselmo Braamcamp Freire

Esta e outra obra aí mostrada são das mais significatiovas pinturas decorativas da freira portuguesa, mas faz falta a representação do respectivo pai, Baltazar Gomes Figueira, que foi um mais notável pintor e esteve em mais directo contacto com Francisco de Zurbarán em Sevilha. Dele tem o Louvre uma Nature morte au poisson, uma truta, que teve uma grande notoriedade enquanto obra de autor desconhecido usada na capa de um livro clássico do especialista Charles Sterling.

* Entretanto, nunca é demais lembrar que "a" Gulbenkian fica também responsável por um acréscimo de incultura a propósito de pintura e em especial de Natureza-morta ao ter deixado passar sem revisão a absurda tradução do título original "IN PRESENCE OF THINGS" como "A perspectiva das coisas". A presença é muito mais que a perspectiva. E aliás, qual perspectiva? É que há várias...

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ver também "A arte da mesa / Mesas pintadas" ( aqui )

e "Humildes coisas" / A Natureza morta nas Colecções Alentejanas, Museu de Évora, 1999 (naturezas-mortas)

Joana Vasconcelos, a obra ou a fama

É sintomático que se erga uma barragem à apreciação da obra de Joana Vasconcelos interpondo a respectiva notoriedade como questão prévia. A circulação, a projecção mediática, os valores pagos pelas obras, a dinâmica da consagração, são usados, no caso da Joana, como tema obrigatório a debater, confrontando alegadas opiniões divergentes - e em parte anónimas (invocam-se vagamente opiniões hostis). É uma rasteira que é difícil evitar, tanto por ela (no caso da entrevista na Time Out) como por quem segue com apreço o seu trabalho (e é o meu caso, que resolvi não me furtar ao tema, e a ele volto).

A mediania é bem vista e protegida, porque coloca os escreventes e os leitores numa prateleira acima, lugar de benevolência ou favor (é uma inversão de posições: o artista é quem deve). A banalidade ou mesmo a mediocridade são toleradas com complacência, em especial se aparecem tuteladas pelo poder fáctico de algum director ou comissário empreendedor. Nesses casos, o suposto êxito, em que não se crê e também não importa contestar, inclui os assistentes numa roda de cumplicidades, em que todos se reconhecem próximos. E em geral (quase sempre; com raríssimas excepções) nada se passa senão uma fugaz notoriedade, voltando-se à rotina dos destinos perdidos. Tomando-se o estrelato internacional como ambição e modelo provincianos, diz-se depois que o país não sustenta tais carreiras, e a ordem refaz-se.

De facto, há admiráveis artistas secretos (antes de serem reconhecidos, ou à margem dos padrões habituais de reconhecimento, sejam oficiais ou anti-oficiais). Há notáveis artistas discretos. E há grandes artistas sobremediatizados (como Picasso, para dar um exemplo). Ou também artistas mediáticos, populares e reconhecidos que pouco importam - me importam. Por aí se farão apenas abordagens sociológicas, não sobre as obras, mas sobre os mecanismos da circulação, da mediatização e da consagração.

No caso da entrevista da Time Out - com um título manifestamente desajustado (sucata?, junk art?, ou o seu contrário?) -, a aproximação à artista faz-se desde uma posição de aparentemente ingénua surpresa por ela chegar tão nova ao espaço do Museu, e a Joana lá vai cedendo a tal abordagem, que além de escamotear a obra para a substituir por preços de leilão, tem por base alguns erros. Há vários anos que os muito jovens artistas se expõem nos museus (museus "laboratórios", diz-se), envolvidos na lógica das descobertas e das promoções, quando não das cumplicidades galerísticas ou coleccionistas. Estão em jogo notoriedades de directores e não de artistas, baixos custos de produção ou aquisição, e outra razões menos dignas. Há vários anos que a individual de museu vem articular-se com a sequência das exposições de galeria, variando apenas o lugar onde, não a importância do trabalho. Há vários anos também que museus se esvaziam para apresentar antologias de artistas de ainda muito escassa ou pouco relevante obra - por exemplo de artistas ditos da geração da J.V. ou muito próxima (e agora confunde-se geração com promoção, e com mais ou menos cinco anos já se fala por facilidade em geração). Por exemplo nos casos de João Onofre ou Alexandre Estrela no Museu do Chiado. Não vi manifestações de surpresa à época, e seriam acertadas. São, como se observa, pequenos estranhos casos que passam ser ficar na memória.

O que causa escândalo é o facto óbvio de a imprensa ou a crítica ter de acompanhar a notoriedade alcançada por um(a) artista sem poder julgar que a fabrica ou "promove". O que surpreende é que se tenha a ambição de que uma obra, um trabalho, uma carreira ocupem o espaço público com obras de escala pública, ou urbana, ou ganhem uma ampla visibilidade social, quando esse espaço, essa escala, essa visibilidade são condições de eficácia das obras, ou determinam as condições da sua encomenda e produção. Os mecanismos de protecção da mediocridade ambiente são contagiosos.

Simultâneas

Quinta-feira, 25 Às Amoreiras

 

e

e ao Campo Grande

 

Milly Possoz

Rita Barros Pente 10

Rui Pedro Jorge (um jovem pintor em estreia)  111

 

Mucavele no ccfm

hoje

O CCFM e o Núcleo de Arte apresentam

Estevão Mucavele

Exposição individual | pintura | Moçambique

Terça dia 23 de fevereiro às 18h30
Exposição de pintura individual de Estevão Mucavele
De 23 de Fevereiro à 6 de Março de 2010

O Centro Cultural Franco-Moçambicano e o Núcleo de Arte têm a honra em apresentar o pintor moçambicano Estevão Mucavele e as suas últimas obras numa grande exposição a inaugurar Terça-feira dia 23 de Fevereiro as 18h30.