Alexandre Pomar

"directora artística para as Artes Performativas e Pensamento", ou as tropelias do ccb

Enquanto se aguardava (e aguarda ainda) o resultado dos concursos para director do museu no CCB (MAC-CCB, ex-Museu Berardo), e para 'Chief Curator' da Garagem Sul / Centro de Arquitetura, a nova presidente do conselho de administração da Fundação Centro Cultural de Belém (FCCB), Francisca Carneiro Fernandes, que entrou em funções em dezembro, nomeou sem concurso Aida Tavares para o cargo de "diretora artística para as Artes Performativas e Pensamento", lugar antes não existente e só instituído no final 2023. Já tem sido divulgado que se tratou, através de Pedro Adão, de uma recomendação pessoal e directa de António Costa, com o qual colaborou em actividades autárquicas e eleitorais. É "uma contratação considerada essencial e urgente para o cumprimento da missão integral da instituição, acompanhando o novo ciclo estratégico iniciado com a nomeação de Francisca Carneiro Fernandes”, segundo comunicado distribuído às redacções (Público 27 Dez.)

A nova presidente do CCB foi entre fevereiro de 2018 e julho de 2022 directora executiva de Novos Projetos da empresa municipal do Porto Ágora, empresa pública da CMP, e é (ainda) presidente da Performart (Associação para as Artes Performativas em Portugal), dirigindo em acumulação uma associação de pessoas coletivas, públicas ou privadas, tendo lugares de administração autárquica e central, em vasos comunicantes). Fora antes presidente do CA do Teatro São João (cargo que exerceu de 2009 até fevereiro de 2018). Substituiu Elísio Summavielle, que ocupou o cargo desde 2016, durante 7 anos, e preferiu afastar-se antes do final de um 3º mandato. Continuaram no CA Delfim Sardo e Madalena Reis como vogais.

Na direcção de Artes Performativas do CCB encontra-se Paula Fonseca, directora, acompanhada na programação por Cesário Costa (Música Erudita) e Fernando Luís Sampaio (Teatro, Dança e Músicas Plurais), e Beatriz Serrão na área Pensamento.

Aida Tavares, formada como educadora de infância, foi diretora artística do Teatro São Luiz durante 8 anos, também nomeada sem concurso, pela vereadora Catarina Vaz Pinto, depois de ter feito parte do respectivo juri. Ali chegou, segundo o Observador de 27 Dez, pela mão de Jorge Salavisa em 2002, para ocupar as funções de coordenadora de direção de cena, em 2006 passou a adjunta da direção artística e, a partir de 2010, juntou o cargo de diretora executiva. Forma um casal com Miguel Honrado, que foi brevemente administrador no CCB, por 8 meses em 2019, sem assumir o pelouro da programação, que antes fora de Luisa Taveira, devido a declarações deselegantes ou impróprias feitas em entrevistas e na apresentação da temporada seguinte (Público 5 Dez 2019: "Não me revejo na orientação do projecto do CCB”, disse depois). A nomeação fora de Graça Fonseca, e a ele se seguiu Delfim Sardo no CA. Entre 2007 e 2014, foi presidente da EGEAC, com a tutela do Teatro São Luiz, onde estava Aida T., depois presidente do Teatro Nacional D. Maria II, 2014 até 2015, depois Secretário de Estado da Cultura de 2016 a 2018 (ministro Castro Mendes). Agora é Director Executivo na AMEC / Orquestra Metropolitana, tendo substituído António Mega Ferreira.

 

Agora que se apaga o governo pergunta-se o que andou a fazer o ministro Adão. O Costa e os seus colegas do liceu tutelaram as artes, a Sandra ficou com a “colecção do Estado”, houve $ para apoios aos “contemporâneos “ e subsídios para coisas cúmplices, mas o q fica é um chão devastado, desvalorizado, desprestigiado. Ressalva-se a secretária de estado Isabel Cordeiro que pelo menos tentou salvaguardar a orgânica dos museus e do património na medida do possível. O Adão era mais surf e futebol.

O Adão foi uma desilusão.

Haverá "festa" na Gulbenian, o museu é o menos

OBSERVADOR 11 set., foto Diogo Ventura

Artistas emergentes, artistas emergentes, cartas brancas, mais experimentação e novos formatos da arte, etc. Um "mood festivo", diz ela. "o novo Centro de Arte Moderna da Gulbenkian quer ser uma festa", é o título (...festas há muitas...)
Fast fashion

Este novo director quer lá saber do museu... Brincar aos emergentes é q dá pica e permite intervir directamente no mercado, cultivar rodas ou redes de amigos / friends, trendy. Os emergentes deixam de o ser rapidamente, vão rodando às pazadas, gastam-se como os produtos da moda e do marketing, mas eles estão lá só para as promoções. Os directores identificam-se com os centros comerciais e a publicidade - também eles são de desgaste rápido, mas gastam tempo e dinheiro, e desvalorizam o que se chama ainda arte. Este veio da corte do Todolí, o homem que continua a mandar por cá, porque há quem goste de ser mandado.

"Centrado nos artistas, o novo CAM, diz Weil, será fiel à sua missão original de salvaguarda dos artistas emergentes nacionais*, mas abraçará as necessidades dos novos públicos. O objetivo é que todos possam “viver o poder transformador da arte”. Com diferentes pontos expositivos, da nave à galeria da coleção, das reservas visitáveis à sala de desenho, da sala de som, do estúdio ao espaço projeto, o CAM oferecerá uma programação mais eclética e variada. Haverá uma programação para a arte sonora, haverá vídeos disponíveis on demand através de um ecrã tátil com 16 opções situado na H Box, uma sala de vídeo itinerante, haverá exposições de peso a partir de uma carta branca dada a um artista que além da sua obra selecionará trabalhos de artistas da coleção com os quais pretenda dialogar, na medida de duas cartas brancas por ano, e haverá exposições permanentes da coleção, haverá mais experimentação e apresentação de novos formatos de arte, e exposições, três por ano, de artistas emergentes ou pouco conhecidos em Portugal. Tudo isto permitirá “vários ritmos de visita que podem oscilar entre os dez minutos ou as duas horas”, explica o diretor do CAM, o que tem como finalidade que o público possa “incluir a experiência da arte na vida quotidiana”, e que possa entrar, estar e comprar bilhete se quiser, dependendo do seu tempo e dos seus interesses."

Observador, artigo promocional.
* "missão original de salvaguarda dos artistas emergentes nacionais" é falsa conversa.
** “viver o poder transformador da arte” é só um slogan barato para a CS copiar.
O Observador tem a obrigação de ser um jornal conservador, mas com a arte já ninguém se entende, é só fachada às cores.

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A ANTIGA FEIRA POPULAR ASSOMBRA O CAM: lugar de festas, diversões

 

1. refiro-me ao q foi escrito, à estratégia de comunicação, às baixas expectativas e más informações
 
2. Pois, os jardins…. E vai fazer falta o antigo restaurante do CAM. Os museus são cada vez mais um edifício de um star-architect, jardins, vistas, bar e ou restaurante. Agora é preciso passear as crianças e passar pelas artes, em geral sem entrar nas galerias. Lazer, entretimento e pouco mais.
 
3. AINDA CONHECI A ANTIGA FEIRA POPULAR ONDE HOJE É A FG.
A Feira Popular foi inaugurada em 10 de junho de 1943 para financiar a colónia de férias de crianças carenciadas e, mais tarde, passou a financiar toda a ação social da Fundação "O Século".  Em Palhavã, parque de Santa Gertrudes (a wikipedia falha aqui). O terreno, parte dele, foi comprado pela FG em 1957.

"A 30 de Abril de 1957, Vasco Vill’Alva vende 69 283 m2 do Parque de Santa Gertrudes à Fundação Calouste Gulbenkian que havia sido instituída pelo Decreto-Lei nº4690, de 18 de julho de 1956. A escritura assinada entre Vasco Maria Eugénio da Almeida e os representantes da Fundação Calouste Gulbenkian, em 1957, refere a venda de seis sétimas partes da área total do Parque de Santa Gertrudes. O que permanecia no domínio da família Eugénio de Almeida continuaria a chamar-se Parque de Santa Gertrudes ou Casa de Santa Gertrudes. A parcela destacada, a partir daquela escritura de propriedade da Fundação Calouste Gulbenkian, ficaria a chamar-se Parque de Palhavã, até 1965. Este é delimitado, a norte, pela avenida de Berna e a sul pelo muro que o separa do prédio de que foi destacado, construído no alinhamento da Avenida Miguel Bombarda. A nascente e a poente confronta, respetivamente, com a Avenida Marquês Sá da Bandeira e a antiga Estrada de Benfica." https://gulbenkian.pt/arquivo-digital-jardim/projeto-do-jardim/preparacao-parque-instalacoes-provisorias/

Em 2005, a Fundação adquiriu mais dois hectares do jardim Vilalva, contíguos ao amplo parque desenhado, no final da década de 1960, por Gonçalo Ribeiro Telles e António Viana Barreto. Isto permitiu estender o jardim para sul, até à Marquês da Fronteira (CM). Ficou ainda o palácio eclético e muralhado visível à esquerda da entrada para o CAM, pertencente à Fundação Eugénio de Almeida, de Évora. Já só lá vive um caseiro. A que destino estará guardado?

O Tinho e quem o apoia

Respeitem-se as artes outsider, amadoras, infantis e modestas. Mas o caso da circulação institucional do Agostinho Santos é outra coisa, um escândalo, uma onda medíocre e indigna por parte de um "habilidoso" protegido. Está por toda a parte, multiplica exposições e edições e a auto-promoção por canais autárquicos e políticos e literários. É a consequência de um estado de geral degradação das actuais políticas para as artes, as colecções e os museus.
Ele é isto, um comprovado disparate grotesco com muitos responsáveis.
Tem o direito de pintar ou borrar papel, e também de mostrar e publicar, mas as instituições públicas não têm o direito de o expor. Não na Faculdade de Belas Artes de Lisboa e no Museu do Chiado a que chamam MNAC, em breve; na Reitoria da UP em 2022 e etc.
Os desenhos não são de uma criança ou de um “outsider” mas de um ex-jornalista e alegado crítico de arte, doutorado no Porto por equívoco e covardia alheia, programador e curador de exposições suas e alheias (até de uma bienal em Gaia).

01 > 31 MARÇO 2024 I GALERIA FACULDADE BELAS-ARTES

Inaugura no dia 1 de março de 2024, pelas 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a exposição O Mundo ao Contrário: Pinturas, Desenhos, Livros de Artista de Agostinho Santos. A exposição ficará patente até 31 de março.Curadoria: Luís Jorge Gonçalves.

Uma vergonha para a Fac de Belas Artes. Um impostor aventureiro. O auto-promovido director da chamada Bienal de Gaia. https://www.belasartes.ulisboa.pt/o-mundo-ao-contrario-pinturas-desenhos-livros-de-artista

A seguir (fevereiro) “exposição” no Museu do Chiado / MNAC

 

ARQUIVO EXPRESSO: Fernando Calhau, 1996, ENTREVISTA (na criação do Instituto de Arte Contemporânea)

F. Calhau Não há lugar para desperdícios 7- 12 -96

FERNANDO Calhau é pintor e preside à Comissão Instaladora do Instituto de Arte Contemporâne. Tem uma longa embora discreta carreira nesta área, já que trabalha há vinte anos na administração pública do sector das artes plásticas, designadamente na antiga Direcção-Geral de Acção Cultural, extinta com a «reforma» de Santana Lopes. Aliás, essa dupla condição de artista e agente cultural, ou gestor cultural, iniciara-a já antes com a participação nas direcções da Cooperativa Gravura e da Sociedade Nacional de Belas Artes. Nasceu em Lisboa em 1948 e licenciou-se em 1973, tendo feito uma pós-graduação na Slade School de Londres, como bolseiro da Gulbenkian.
Observa-se no caso de Fernando Calhau, como acontece com Margarida Veiga, que também chefiou a Divisão de Artes Plásticas da antiga SEC e dirige agora o Centro de Exposições do CCB, uma curiosa situação de continuidade de percursos que atravessaram muitos governos diferentes, mas ele sublinha que «pela primeira vez há um reconhecimento por parte do Governo da importância desta área da arte contemporânea, que era tratada como parente pobre».
Por outro lado, Fernando Calhau tem também um extenso «curriculum» como coleccionador institucional, tendo integrado as comissões de compras da SEC e da Fundação de Serralves, e mantem-se ainda à frente da colecção da Caixa Geral de Depósitos, considerando que apenas existirá uma incompatibilidade de funções no caso de vir a ser convidado para a presidência do IAC.
Na rede dos serviços do actual Ministério da Cultura, a intervenção no domínio da arte contemporânea, que antes fora incluida nas competências do Instituto Português de Museus, deu lugar a um novo Instituto, cuja lei orgânica se aguarda. Não será, diz F. Calhau, uma instituição burocrática devoradora dos seus proprios recursos financeiros, mas uma estrutura ligeira. Nem terá funções de coordenação ou tutela sobre outras entidades da mesma área da criação contemporânea, como os museus do Chiado, com o seu futuro pólo de Alcântara, e de Serralves, no Porto, ou o Centro Cultural de Belém, onde ficarão em depósito as peças da Colecção Berardo que não couberem no Sintra Museu de Arte Moderna e que será igualmente o destino do novo programa de aquisições agora anunciado.

EXPRESSO — Quais são os objectivos da intervenção pública no campo da arte contemporânea?
FERNANDO CALHAU — Há duas linhas de actuação principais: uma tem a ver com o apoio à criação e outra com a comunicação e o público. Quanto à criação, temos linhas de apoio directamente aos criadores e de apoio à produção de exposições, e temos também linhas de actuação no que respeita ao mercado e à comercialização.
EXP. — Como entende o IAC a relação entre o Estado e o mercado privado?
F.C. — O mercado de arte deve ser essencialmente privado. Mas sendo o campo das artes plásticas particularmente sensível, porque não existe um público muito alargado, é fundamental que o Estado dê uma ajuda e motive o mercado nesta área. Isso será feito, em termos internos, através do programa de aquisição de obras de arte, e em termos externos, nas feiras de arte, com um duplo objectivo, não só de lançar artistas no meio internacional, como de alargar os meios do mercado nacional.

 

MAC, MC, CCB, BELÉM

A. Porque é que o logo é tão inepto (e feio)? Porque o que é mal pensado acaba mal feito. O logo e o design são vazios de referências ou significado, é um M para qq coisa
"The most expected Museum of Contemporary Art in Lisbon..."
Museu António Costa: MAC CCB

B. 1. Depois da marca Berardo ter sido construída ao longo de quase 30 anos (desde Sintra em 1997 e até 2008 com a Maria Nobre Franco, depois com o 1º director Jean-François Chougnet, 2007-2011, antes da decadência iniciada por Pedro Lapa), há um futuro incerto em Belém enquanto se aguardam as decisões dos tribunais. À "litigância" do comendador, vítima do caso BCP ao tempo de Sócrates, António Costa respondeu com precipitação e arrogância, e o ministro foi atrás com máxima infelicidade: “O tempo do sr. Berardo acabou”, disse. Era preciso negociar. É preciso respeitar e aplaudir o coleccionador.
Abandonando a designação Arte Moderna, o novo MAC Museu de Arte Contemporânea tem um nome certo, atraente e credível? Não. E não é só uma questão de nomes. A que se chama arte contemporânea? Marca-se uma data ou um estilo? - quer-se impor que a arte contemporânea são as chamadas novas vanguardas e é o estilo minimal-conceptual herdado dos anos 60 (“circa 68”) que veio da contestação política para se entregar ao coleccionismo especulativo, numa produção quase sempre árida e escolar, agora já académica, servida por "curadores" burocratas e destinada a nichos de alegados especialistas.
2. O Centro Pompidou é Musée national d'art moderne – Centre de création industrielle, que concorre com o Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, de tutela camarária e com colecções francesas. Em Londres temos a Tate Britain (nacional) e a Tate Modern (internacional), inaugurada no ano 2000 - a divisão dos artistas pelos dois museus de Londres é em muitos casos um exercício de segregação crítica, e outros. Em Nova Iorque, há o MoMA, Museum of Modern Art, e outros, o Whitney Museum of American Art, o MET: Metropolitan Museum of Art (universal), etc. A Gulbenkian fez o CAM, inaugurado em 193.
Em parte alguma, um edifício com a escala monumental do CCB e com os seus custos pode afirmar a condição de desleixar a arte moderna e querer ser um “MAC”. Os grandes espaços comparáveis nas grandes capitais dispõem de acervos da modernidade clássica e percorrem todo o século XX, e por isso mobilizam permanentes fluxos de visitantes.
A "arte contemporânea" não vende. Museu António Costa também não.
3. Não é por acaso que o logo e o design são muitíssimo maus, vazios de referências ou significado. Desde o inicio do ano que (eles, Costa e Adão e Silva) não acertam, estragam. As artes plásticas ou visuais, que se chamavam belas-artes, não são com eles e não perguntam
4. Chama-se-lhe MAC em concorrência com o Museu do Chiado, assim inaugurado em 1994, mas que passou a identificar-se depois, insidiosamente, como MNAC (Museu Nacional de Arte Contemporânea), que obviamente não é. A concorrência entre MAC e MNAC não é explicada, nem é verosímil, mesmo que a directora Emília Ferreira acolha agora o Tony Cragg a custo zero. O Convento de São Francisco onde reside é ignorado e o Museu do Chiado é deixado sem meios para expor e alargar a sua colecção (vai ter obras em 2024?). Aliás, a dispersão da colecção do Mario Teixeira da Silva pelos herdeiros, apesar de prometida ao Chiado, podia ter sido ou ser ainda travada, se houvesse políticos interessados.
E veja-se que também em Belém não interessam ao Governo os Museus de Etnologia e de Arte Popular, em lugares privilegiados e com patrimónios únicos. Não há políticas para o sector dos museus, e estes são substituídos por uma aleatória e suspeita "colecção do estado", largamente contestada. A recente reforma institucional não tem conteúdo.

C. Não é embirração, é que tudo é muito mal pensado e pior feito no museu imposto por António Costa, cuja cultura artística é proverbial. De facto, é positivo que se tenha querido manter em destaque, numa 1ª exposição de continuidade, o nome do coleccionador e patrono Berardo, que não deixou de ser uma "marca" reconhecida e eficaz - no CCB e nos outros museus com o seu nome, dos Azulejos em Estremoz e da Art Déco em Alcantara, etc.
E é a sua colecção, arrestada e a aguardar sentença dos tribunais, à espera de ser reavaliada e de haver decisão sobre o seu futuro (dividida entre os bancos e o proprietário, adquirida pelo Estado, fixada por acordo em Belém ou em Azeitão por desacordo?)..., é a Colecção Berardo que continua a constituir a base e o valor do Museu, com ou sem o seu nome. Ela cobre todo o século XX e entra no XXI, sem que nunca haja colecções completas - não é a colecção Elipse do extinto Rendeiro/BPP que traz o séc. XXI, isso é mentira. Há anos 1990 e 2000 na Colecção Berardo, já com compras de J.F. Chougnet, e a Colecção Rendeiro fina-se na mesma década.

Entretanto, tem de dizer-se que a arrumação das duas exposições anunciadas é conceptual e cronologicamente errada, absurda.
O título da 2ª exposição seria próprio de um trabalho escolar ou comunicação académica, nunca de uma mostra oferecida a um público alargado. "Revisão dos géneros artísticos" é conversa de mau professor, que subordina a individualidade dos artistas e a identidade das obras a uma catalogação por géneros, tipos e escolas: as obras que importam escapam-se a classificações de géneros e estilos, as outras, as obras menores, ilustram categorias e problemáticas. "Objecto, corpo e espaço" só podem ser pistas redutores para a observação-fruição das obras, são fórmulas áridas de análise escolar como poderia ser o título forma, cor, desenho, tempo ou lugar....
Assim, com estas lições infelizes, a relação com a arte tem vindo a degradar-se, entre a ignorância e os "eventos", entre a perda de públicos e a proliferação de mediocridades (imersivas). Há por aí o gosto de um administrador-programador-curador-anónimo que se identifica como Delfim Sardo, personagem de longa sobrevivência que em 2006 já fora forçado a abandonar o lugar de director do centro de exposições. O CCB secava e empobrecia sob a sua tutela, mas esqueceram-se.
Deve perceber-se na partição das duas mostras a repetida obsessão com a década de 60, defendida como o tempo das neo-vanguardas que devem ver conceptuais, “poveras” e/ou minimalistas - um tempo que foi de contestações políticas e estéticas (anos 60/70) e foi depois congelado pela academia e o pequeno mercado especulativo que os museus e os "curadores" para todo o serviço sustentam. A "Arte", segundo estas versões académicas cada vez mais empobrecedoras, iria das primeiras vanguardas do séc. XX (a que chamam erradamente "primeiro modernismo") às novas vanguardas da década de 60 e suas derivações já exangues. O resto, que é a parte maior e mais admirável, não importa, porque escapa à tutela dos funcionários e mercadores da crítica.
Mas, mais perto de nós e mais presente, mais viva e produtiva, foi a ruptura da década de 80 que reagiu aos estilos canónicos dos 60 e explodiu nos regressos à pintura e à figuração, nas descobertas das periferias regionais, nas obras livres e inclassificáveis, nas margens “modestas” e na valorização do que não se considerava e não pretendeu afirmar-se como vanguardas, que então se desacreditam e extinguiam. Um exemplo só: a Paula Rego. A cor, a expressão, a figura, a irreverência e a invenção estão muito presentes nas escolhas da Colecção Berardo até ao fim do século, mas o Sardo não gosta, como mostrou logo numa exposição cinzenta e frígida em 2005 no CCB antes de haver Museu Berardo. Mas voltou a mandar.

D. À "litigância" do comendador, vítima do caso BCP ao tempo de Sócrates (e das manobras para tomar conta do banco, quando Berardo representava os pequenos accionistas e lhe metiam acções na mão), António Costa respondeu com precipitação e arrogância, e o ministro foi atrás com máxima infelicidade: “O tempo do sr. Berardo acabou”, disse.
Enganou-se.
Foi afinal a sua Associação de Colecções "que adquiriu agora por 1,8 milhões de euros as 214 obras que tinham sido compradas com recurso às verbas do fundo de aquisições do Museu Berardo, co-financiado pelo coleccionador e pelo Estado. Cerca de 30 dessas obras estavam na exposição permanente do extinto Museu Colecção Berardo, e já não foi possível contar agora com elas para o novo MAC/CCB.
Fonte ligada ao empresário disse ao Público que a Associação de Colecções informou já por escrito a Comissão Liquidatária da Fundação de Arte Moderna e Contemporânea – Colecção Berardo (FAMC-CB) de que estará disponível para anular o negócio caso venha a ser revertida a extinção da FAMC-CB, que Berardo contestou em tribunal, num processo que aguarda ainda uma resolução final." PÚBLICO
A procissão vai no adro, os políticos são descartáveis e os coleccionadores merecem a nossa admiração e ficam na história.

 

Sobre “restituir”:

O que sabemos (o que queremos saber) sobre as instituições museológicas capazes de receber peças a 'restituir'? Restituir a quem? A que herdeiros ou representantes? Que condições de trabalho - de investigação e conservação, classificação e divulgação - existem nos países a quem se acena com a ideia de 'restituição'? Qual a realidade dos saques de colecções e de destruições de edifícios e peças de património africano, em países em estado de catástrofe e/ou de guerra civil? Quem são os interlocutores qualificados com quem debater a temática da 'restituição'? Como e onde se têm manifestado? Como impedir que o tema da restituição seja mais uma manifestação voluntarista (corporativa, geracional, tida por artística e procurada como emprego e curriculo), de tribos eurocêntricas e do gueto académico?

Seriam temas a debater.

 

"Open Restitution Africa", GI-PCC, Associação Passa Sabi, Áfrican*s, Andani.Africa... siglas, entidades ecrã ou associações fantasma. Ou: "O trabalho académico de Molemo centra-se nas subjetividades políticas da juventude sul-africana. Colabora artísticamente com MADEYOULOOK , que explora imaginários populares do cotidiano e suas modalidades de produção de conhecimento."

Linguajar esotérico de gueto. (Comentário a um post do Buala)

 

Em geral, "restituir" é um termo tão absurdo como chamar "retornados" a quem nasceu num território ultramarino, por vezes em 2ª ou 3ª geração - ou que expatriou para tais territórios, assumindo-os como novas pátrias.

Francisco Capelo e a Casa Ásia da Misericórdia, e o MUDE e etc.

Capelo e a Misericórdia, A "Casa Ásia":

Na Rádio Observador, "Contra-Corrente", dia 30, o JMF e a HM discutiram a situação da "Santa Casa": o título foi "Quem deu cabo da Santa Casa da Misericórdia?"

Ora aconteceu que se esqueceram, ignoraram ou silenciaram um dos assuntos graves da dispersão da Misericórdia por casos sumptuários e descentrados das suas responsabilidades. 3 milhões para o "mecenas" + os custos do museu, que pretenderá concorrer com o Museu do Oriente

Palácio Portugal da Gama/São Roque, prometido ao Francisco Capelo

Diz o Santo Site oficial:

"Em 2017, a Santa Casa da Misericórdia de Lisboa recebeu, por doação, aquisição e depósito, a coleção de arte asiática do colecionador Francisco Capelo, a instalar futuramente no Palácio Portugal da Gama/São Roque, localizado no Bairro Alto, com a designação de Casa Ásia – Coleção Francisco Capelo.

Situado no polo cultural de São Roque, este edifício foi recuperado e musealizado para exibir publicamente o acervo de arte asiática que Francisco Capelo reuniu ao longo de mais de 20 anos, com o objetivo de o disponibilizar ao público, obedecendo a critérios de seleção rigorosos, como a raridade, a integridade e o bom estado de conservação, não descurando o valor estético de cada objeto. Constituído por cerca de 1300 objetos, abrange uma grande diversidade de obras de arte de várias regiões da Ásia, do século III a.C. aos inícios do século XX, com peças provenientes de catorze países da Ásia: Índia, Nepal, Sri Lanka, Tailândia, Myanmar, Laos, Vietname, Camboja, China, Coreia, Japão, Indonésia, Timor-Leste e Filipinas. A incorporação desta coleção na Santa Casa da Misericórdia de Lisboa irá permitir fazer a ponte com a presença portuguesa na Ásia, expressa na igreja e no Museu de São Roque, em especial no ciclo pictórico da sacristia e no núcleo de arte asiática."

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Capelo e Manguel, os dois piratas de Lisboa.

Capelo subjugou o Museu da Marioneta (e controlava-o,...mas já não), com os seus dourados e máscaras orientais. E colocou o Museu do Design - MUDE à beira da ilegalidade: a CML não sabe como se livrar do Protocolo firmado pelo Santana Lopes presidente, para poder ser um esquipamento municipal e entrar na EGEAC, ou por hipótese uma fundação, como também já se tentou, e o caso está emperrado há anos - voltará a abrir? A Manguel a CML de Medina e Catarina Vaz Pinto deram o ordenado e a categoria de director de Museu, no quadro da EGEAC, e por ai anda sem nada para fazer, anos a fio, com oi seu chapeuzinho pateta (...um figurão). O Palacete Pombal que lhe foi atribuído, às Janelas Verdes, chegará a abrir lá para 2025? - a remodelação necessária é felizmente + complicada do que se supunha... Falta Imprensa para tratar dos escândalos e falta firmeza dos poderes públicos actuais para contar os enredos em que meteram a CML.

Palacete Pombal prometido ao Manguel

 

Porque alguém se preocupou com as minhas objeções à invasão da Colecção Capelo pelos museus de Lisboa, acrescento agora mais elementos de informação (já estou autorizado a dizer que foi a prof. Raquel Henriques da Silva)

1. Aponto o critério muito discutível e redutor do foco no design de protótipos (prejudicial ao entendimento do que é o design) e os impasses do Museu do Design - MUDE, em lutas jurídicas obscuras de parte a parte com a directora Bárbara Coutinho, que têm sido silenciadas pela CML.

O MUDE - Museu do Design e da Moda foi criado sobre a base de um Protocolo do tempo de Santana Lopes que impede a sua legalização como equipamento camarário e a sua gestão pela EGEAC, como já chegou a ser tentado e até anunciado. Cito: "Desde 2014, está em conflito aberto com a direção do MUDE – Museu do Design e da Moda, criado a partir da venda que fez à Câmara de Lisboa, em 2002, por 6,6 milhões de euros, de 1 362 peças, todas modelos únicos. “Estão a assassinar uma coleção”, disse na entrevista à Máxima" - Ver VISÃO, 2017-09-13 em https://visao.pt/.../2017-09-13-francisco-capelo-o-exilio..., acesso disponível. Foi uma verba paga a 1 milhão por ano e respectivos juros. (Consta-me que já retirou os processos contra directora, ou talvez não e o impasse continua)

2. A invasão do Museu das Marionetas por máscaras e dourados orientais (também com algumas marionetas relevantes), cujas condições de montagem invertem a história e a razão de ser do Museu da Marioneta.

3. A presença excessiva da col. Capelo numa montagem muito problemática da Colecção (demasiado) Permanente do Museu de Etnologia, desde o tempo do Pais de Brito, que obriga a remeter para as reservas os grandes trunfos da colecção própria. Foram cumplicidades estranhas e é uma inércia inaceitável.

4. A insólita ideia da "Casa Ásia – Coleção Francisco Capelo", na linha dos gastos sumptuários da chamada Santa Casa., que certamente serão revertidos.. "Santana Lopes resgatou-o..., para a Casa da Ásia, projeto em que a Misericórdia lhe paga três milhões de euros." (VISÃO, mesma data - e aí se fala também do antigo sócio do corretor Pedro Caldeira e das suas tropelias financeiras e fiscais... a o tempo da "lavagem do cupão" ) Capelo tem-se especializado nos últimos tempos em atacar Joe Berardo, de quem foi colaborador muito próximo e para quem iniciou a respectiva colecção, num comportamento psicótico que tem tido insólitas cumplicidades. (Também fez um ataque soez aos herdeiros da Paula Rego, e levou uma resposta de Nick Willing que o devia ter feito desaparecer).

 

O MUDE (...mudo...) fechado para obras há 7 anos! - dizem que reabre no final de 2023. Quem disse foi a directora Bárbara Coutinho, que desde o princípio se encontra na condição de assessora do presidente da CML, porque o MUDE não tem (não pode tere) quadro de pessoal - informação anterior a confirmar

A cultura voluntarista, MC

Pedro Adão e silva, entrevista (1).

"em 2023 teremos recursos como nunca existiram"

"A dotação da Colecção de Arte Contemporânea do Estado (CACE) passa a um milhão. E a Rede Portuguesa de Arte Contemporânea [recentemente criada] vai ter dois milhões de euros."

"Os museus e os monumentos nacionais são mesmo uma prioridade desta legislatura. São eles que formam a nossa identidade colectiva, que preservam a memória do que somos. É preciso corrigir o retrocesso que houve e ao mesmo tempo ter ambição renovada."

"O ministro da Cultura tem de estar desperto para o que se passa no Teatro Nacional de São Carlos ou num teatro municipal no interior, mas também para o hip-hop em crioulo que é utilizado como língua-franca em Lisboa." "quase todas as associações de base comunitária têm um estúdio de música. E não vejo isto como exótico, bem pelo contrário; muita da criatividade, da inovação, da ruptura, da transgressão vem destes espaços. O hip-hop é certamente o género musical com mais contribuições para a inovação na música hoje, não é uma coisa exótica que existe à margem."

"O que não é bom é começar a falar em devoluções sem saber quais são as proveniências. Tem de haver uma reflexão estruturada no contexto da administração pública, assente no bom-senso e sem uma lógica polarizada, porque isso não resolve nenhum problema."

"Uma coisa é certa: a 1 de Janeiro, o Museu Colecção Berardo, com esta denominação, desaparece e a gestão do módulo 3 passa para o Centro Cultural de Belém (CCB)."

"Eu tenho um cepticismo estrutural, e portanto alguma dificuldade em dizer que alguma coisa vai ser resolvida."

"Nós temos dois grandes obstáculos no acesso à cultura, um obstáculo social e um outro territorial, que se sobrepõem muitas vezes mas existem também de forma autónoma. As redes são uma forma de contrariar esses dois obstáculos e também de mobilizar recursos do Estado, da administração local e dos privados."

 

<temos outros obstáculos: o persistente controle da oferta cultural por núcleos de poder auto-nomeados e 'elitistas' tendencialmente dominados por redes de dependências e cumplicidades; o centralismo e dirigismo de instâncias culturais protegidas pelo estado e principais autarquias, que lhes permite desvalorizar o acesso aos públicos e as receitas próprias; a fragilidade e o descrédito da crítica e da investigação, da divulgação e circulação da informação. O modelo actual das Redes (haverá outro?) pode agravar os obstáculos enunciados, impondo centralismos autoritários, facilitando interferências e dependências. "O crescimento da comunidade artística tem sido exponencial..." (Público), com a transferência das profissões produtivas para os serviços e as "áreas da criação", verifica-se que a chamada comunidade artística (artistas e candidatos a artistas, estudantes de artes, e as respectivas famílias) tende a tornar-se, ou já é, o principal destinatário da produção das artes, numa modalidade de auto-consumo que em grande parte significa a desqualificação da oferta e perda de públicos alargados.

A pequena dimensão e a pobreza do país tem impedido a concorrência entre diferentes núcleos de poder e orientações, estreitando a oferta dos agentes e por consequência os públicos>

 

Pedro Adão e Silva, entrevista (2): "... construir um novo museu de arte moderna e contemporânea em Belém com um perfil internacional e de incorporação de colecções. Passaremos a ter o Museu do Chiado, com um perfil eminentemente português, do século XIX até aos anos 1960, e o museu em Belém, com uma dimensão mais internacional, num diálogo com as colecções portuguesas de arte moderna e contemporânea – estou a pensar na do Chiado mas também na CACE" <a colecção do estado, para os leigos>

Quando surge Serralves é esse o modelo apontado para o Chiado, até aos anos 60 - chamava-se então MUSEU DO CHIADO, abandonando a antiga designação MNAC. A falta de um museu contemporâneo em Lisboa alargou o horizonte cronológico, através de várias vicissitudes (em especial, o desinteresse pela apresentação da colecção e o uso do espaço como galeria de exposições, que destruiu a ideia de museu e serviu os gostos e idiossincrasias do Pedro Lapa. Recorde-se, aliás, que José-Augusto França defendeu um museu mais dedicado ao romantismo, o Chiado oitocentista...

Mas há que recordar também as intenções ou planos anunciados de recuperar todo o Convento de São Francisco, alargando o Museu do Chiado/MNAC em parceria com a Faculdade de Belas Artes e a Academia de Belas Artes - realizados parcialmente, alargando espaços sem requalificação do edifício. As polícias, com a sua ameaçadora cantina, e o Governo Civil sairam, mas tudo parece indeciso e até aparecem anúncios de um museu da polícia incrustado no Convento.

 

Pedro Adão e Silva, entrevista (3) "Nós temos dois grandes obstáculos no acesso à cultura, um obstáculo social e um outro territorial, que se sobrepõem muitas vezes mas existem também de forma autónoma. As redes são uma forma de contrariar esses dois obstáculos e também de mobilizar recursos do Estado, da administração local e dos privados."

Temos outros obstáculos: o persistente controle da oferta cultural por núcleos de poder auto-nomeados e 'elitistas', instalados nas instituições e tendencialmente dominados por redes de dependências e cumplicidades <1>; o centralismo e dirigismo de instâncias culturais protegidas pelo estado e principais autarquias, que lhes permite desvalorizar o acesso aos públicos e as receitas próprias; a fragilidade e o descrédito da crítica e da investigação, da divulgação e circulação da informação.

O modelo actual das Redes (haverá outro?) pode agravar os obstáculos enunciados, impondo centralismos autoritários, facilitando interferências e dependências.

"O crescimento da comunidade artística tem sido exponencial..." (Público): com a transferência das profissões produtivas para os serviços e as "áreas da criação", ± vagas e protegidas, verifica-se que a chamada comunidade artística (artistas e candidatos a artistas, estudantes de artes, e as respectivas famílias, comissários, promotores, técnicos e afins) tende a tornar-se, ou já é, o principal destinatário da produção das artes, numa modalidade de auto-consumo que em grande parte significa a desqualificação da oferta e a perda de públicos alargados.

A pequena dimensão e a pobreza do país tem impedido a concorrência entre diferentes núcleos de poder e orientações, estreitando a oferta por parte dos agentes e por consequência os públicos.

Mas há muita coisa a acontecer fora da caixa por todo o país.

<1> As redes de poder instaladas vêm em geral desde o início da década de 80, ou do fim da de 70, a partir da afirmação de artistas-funcionários na antiga SEC, Direcção Geral da Acção Cultural; a partir daí (Eduardo Prado Coelho e Alternativa Zero) se fez a expo Depois do modernismo, 1983 (tb lá estive...), de que saiu a galeria Cómicos (luis Serpa, Calhau, Sarmento, Molder) com extensão ao teatro (Ricardo Pais), ao Forum Dança de Catarina Vaz Pinto. MMCarrilho assentou essas linhas, num grande processo de centralização autoritária, e as dependências foram passando de mão em mão.

Na entrevista não se pergunta pelos orçamentos destinados a aquisições pelos museus, em especial para o Chiado MNAC (a Colecção do estado à margem dos museus, contra eles e as suas direcções, nem pela requalificação do Convento, que é um lugar central no Chiado, pobre e cada vez mais rodeado por Hotéis de luxo. <a class="asset-img-link"

Agenda lx

LISBOA CONSPIRA: Faz impressão tão pouca gente num museu central (alguns raros turistas), …e depois , num banco do “teatro ao largo”, folheio a agenda da CML e percebo que a tutela (aqui a câmara, não o
MC) aposta em servir o efémero, o festival, a sessão única e as suas clientelas pontuais, os circuitos da malta nova que, aliás, tem outros canais informativos. Quase tudo para usar e deitar fora, confidencial, de nicho, fogachos, eventos, com um manhoso design que passou por elegante e é de pouca leitura. Tudo imperdível e indistinto. Há anos q é assim e nunca vi outra cidade com este “gosto” tão chique e tonto e caro e inútil. Alguém se incrustou no serviço público com o seu grupo.

AGENDA CULTURAL LISBOA, Julho/Agosto 2021

lisboalx.pt

 

Cultura, culturas (depois de ler Hugues de Varine

A propósito do texto do Hugues de Varine e de reflexões que originou:

 

A cultura profissionalizou-se, e desdobrou espaço para profissões anexas e acessórias..., mas apagou muitas outras profissões que eram as das artes menores e/ou artesanatos (os fingidores, canteiros-escultores, estucadores-artistas, pintores-decoradores, marceneiros-entalhadores, etc - em muitos casos profissões recentemente em vias de recuperação muito qualificada). E estrangulou (quase) os praticantes amadores, inviabilizou as suas associações, sociedades, clubes.

A cultura abriu empregos com despudorado voluntarismo oficial, quando outros empregos se fechavam nos sectores produtivos, para artistas e animadores, comissários, guias e guardas e muitos parasitas acomodatícios, mas também para técnicos, enquanto se estrangulava o espaço da crítica e se disciplinavam investigadores - em geral, eram antes amadores ou sub-empregados com profissões paralelas. Com a deslocalização e abandono de sectores produtivos, empurraram-se inúmeros jovens para todas e quaisquer áreas artísticas, e para isso foi preciso abdicar de exigentes exames de acesso às escolas e carreiras e por consequência de exigentes actividades críticas (levando à letra ideias da anti-arte e pervertendo a tese comum e certa de que todos somos artistas, mais ou menos aptos, ou outsider's, amadores, de domingo, espontâneos, tardios etc). Fazer artistas era fazer desempregados com auto-estima (defendi essa tese num colóquio de economistas), “naturalmente" isolados e não reivindicativos, porque pode falar-se em rigor de mais ou menos sucesso, que é no essencial uma avaliação íntima, mas não de exploração.

 

O primeiro caminho está em vias de reversão, valorizando agora práticas e habilidades manuais, produções e consumos artesanais, amadores, locais. O segundo é insustentável, e a crise que se implantou com e sem covid tornou-o evidente.

Em paralelo, a divulgação cultural (a oferta do acesso às obras-primas da humanidade - as boas intenções autoritárias mais o elitismo das aristocracias sócio-culturais) e, a seguir, o desenvolvimento cultural (a economia da cultura, as indústrias culturais) deram lugar às culturas/consumos populares de todo o género, esses maioritários: o reality show, o pimba, o best-seller, a feira medieval, o parque temático, o hip-hop, os jogos virtuais, a visita turística e por aí fora, a diversão e o entretenimento, que eram componentes ou características das produções cultas e destas se separaram, mas são obviamente cultura, culturas de hoje. Vai-se ao museu em família (novos comportamentos) porque há jardim, vistas, cafeteria, e satisfaz-se a nova obrigação de sair com as crianças ao fim de semana. O consumo cultural cresceu e alargou-se, como se pretendia, mas não na direcção prevista, como consumismo. E havia razões para isso ao cabo de muitas décadas de vanguardas e algumas de queda de muros.

 

O divórcio entre os públicos constituídos pelos próprios actores-artistas e promotores, mais os respectivos estudantes e investigadores-bolseiros, e famílias ansiosas, e, por outro lado, pelos consumidores de lazeres e entretenimentos é hoje inegável e radical. A (alta) cultura é de classe, é uma classe, cada vez mais elevada ou especulativa e distanciada da "população em geral”, o não-público. Tornou-se um nicho parasita, sem espaço social reconhecível, sem credibilidade e sustentabilidade, que vive da subsidiação dos poderes públicos, à custa dos impostos de todos. O programa de Malraux, de Vilar, de Lang, de Jacques Rigaud, criticado por Fumaroli, Yves Michaud, Jean-Pierre Le Goff e tantos outros, escrutinado por Philippe Urfalino (“L’Invention de la politique culturel” - da invenção à dissolução..., 1996), para dar referências francesas e já com alguns anos, foi claramente à falência, esboroou-se, mas a sua espuma é ainda visível, às vezes feérica. Com algum escândalo, que alguns exploram como populismo crítico.

O Ípsilon (suplemento do Público) é o respectivo veículo (infra)mediático, de seita, e não por acaso divide espaço com a elite que segue o Fugas (passeios, comes e bebes) - é a tudo isto que se chamava alienação. E o Inimigo Público não os topa como alvos.

 

É possível continuar a citar, a partir do aparelho do Estado, a obrigação desse mesmo Estado (Providência) ter "uma verdadeira política cultural” ou, a partir de sobreviventes profissões e activismos, vir reclamar um "Serviço Nacional de Cultura". Mas a resposta ao presente e o futuro são outros. Aliás, não há resposta, vivem-se respostas.

Como escreveu há dias Hugues de Varine, uma grande figura da museologia e do desenvolvimento comunitário, “tudo isto é herético e provocador, e o tempo que vivemos não é favorável a que se ponham em causa certezas que, aliás, não têm mais de sessenta anos e repousam sobre afirmações de árbitros de gosto e especialistas autoproclamados que defendem os pontos de vista de uma minoria de privilegiados.

 

Ver Cultura e Pandemia

5 Out 

https://www.facebook.com/alexandre.pomar.7/posts/3459698910733647

Um texto essencial para o debate sobre a política cultural em tempos de crise e no próximo futuro - original de Hugues de Varine. Tradução minha:

A CULTURA E A PANDEMIA, 16 setembro 2020 Hugues de Varine

Hugues de Varine blog

 

Pólo gaivotas-boavista (13 Out 2020)

O ESCÂNDALO MANGUEL em reunião de câmara com PC/BE (3)

PERGUNTAR AO RÚBEN (06 10 2020)

 

Quando o Rúben era vivo, telefonava e marcávamos um almoço, ou um breve encontro, para lhe falar de um qualquer disparate ou escandaleira em que o ministro se metia, em especial se era do PS. Lembro-me mais nitidamente do que se passou com e Museu de Arte Popular, o MAP, que uma Isabel Pires de Lima queria fazer desaparecer, deslumbrada com o Museu da Língua de São Paulo (e também se enredou com o Hermitage em Lisboa!). O Rúben fazia então um contacto com o João Oliveira, que seguia coisas da cultura antes de ser líder parlamentar, e encaminhava-se a informação e o alerta (nesse caso com algum sucesso; depois houve a longa guerra do Africa.cont...). Tratava-se de escrever no jornal e também de fazer política, em simultâneo.

 

A habilidade do Rúben para estabelecer pontes e fazer passar o PC por uma casa aberta era proverbial - achei depois que nos ía enganando a todos com esse papel de dialogante esclarecido e afável (lembro-me que como presente de aniversário me ofereceu uma vez os vários números do Revolução Popular, antes do 25 de Abril, no duplex da Estados Unidos da América (coincidência feliz), quando passara do Século para a publicidade (teria deixado o PC ou fingia?). Também dava pistas sobre as diversas "sensibilidades" no partido e sobre comprometimentos que tinha e tinham de assumir.

 

Agora o Rúben não está e ainda não consegui ter a certeza certa de que a votação do PC (parte contra e parte a favor, sem se dizer o quê, deixando passar no limite do quorum a Proposta do Protocolo sobre a Biblioteca Manguel (ou Manguela) foi ditada pela preparação de uma maioria de esquerda autárquica que sustente o Medina em 2021. Saíra da sala o João Ferreira candidato (vereador e deputado europeu, três em um num partido sem cabeças), quando também o CDS e o PSD abandonaram a sessão, por fadiga justificada, mas ficou a diligente Ana Jara a fazer o serviço (serviço sujo, parece-me). Tudo indica que é essa a chave, porque ninguém que assista à longa gravação da reunião pública (6h40 e tal), pode entender o que ali já no fim aconteceu sem debate, e aliás sem intervenções nenhumas de ninguém (sem se justificar a proponente Catarina Vaz Pinto/Guterres), tudo a correr, e está feito, passou. O caso da directora do Aljube vem à memória e percebe-se o que está a acontecer, pataca a mim pataca a a ti, corrupção democrática eleitoral (CDE, por coincidência oportuna).

 

Não é norma aceitar-se uma doação sem inventário exaustivo do que é doado; não é legítimo aceitar a criação de mais uma entidade camarária sem debater propósitos, contexto, custos, consequências, para mais num sector em que as carências e as queixas são inúmeras: Hemeroteca, Arquivo Municipal, Bibliotecas com edifícios e equipamentos mas sem aquisições regulares de livros, digitalização insuficiente, etc.

Digam-me se o PC publicou alguma coisa em site ou jornal a propósito da colecção Manguel e da instalação em Lisboa do coleccionador e companheiro? O PC explica-se ou a chave do negócio é o silêncio. Os caixotes de 40 mil livros, dizem, recusados em várias cidades ao longo de vários anos valem o quê, para quê, para quem, como?

#medinamanguel

03/08 Iª parte "Que Gulbenkian temos? Que Gulbenkian queremos?"

III

O que pode ser uma fundação em Portugal" - H.V.S.

Uma fundação acima da política? - V.J.S.

Azeredo Perdigão

IV

Madalena Perdigão: Só se ataca o que tem merecimento / A construção do Museu - Centro Cultural obriga a F.G. a tornar-se empresa

José Blanco

Mário Vieira de Carvalho: Gradual transformação da Fundação em enpresa

V

Jorge Peixinho

VI

Ferrer Correia

Vitor Sá Machado

Joel Serrão

 

 

HUGUES DE VARINE: A CULTURA E A PANDEMIA

Hugues de Varine*, herético e provocador (palavras suas), oferece no seu blog a reflexão mais radical sobre o mundo da cultura, a sua economia e o seu futuro, onde vai muito para além dos efeitos da pandemia. Também poderia ter por título Cultura e democracia

 

tradução minha do texto publicado em 16 de Setembro em Le blog de hugues-interactions - Expériences personnelles et rencontres dans le domaine du patrimoine culturel et du développement: http://hugues-interactions.over-blog.com/

 

 

 

"Os profissionais da cultura, das artes e dos espectáculos estão inquietos não só quanto aos seus programas deste ano (concertos, festivais, exposições, etc.) mas sobretudo com a sua própria situação, agora e no futuro. Isto é verdade em França e, sem dúvida, em todos os países. Os media veiculam diariamente análises e declarações. Eu próprio tenho na minha família artistas que, justificadamente, se sentem ameaçados na sua carreira e nas suas perspectivas económicas a mais ou menos curto prazo.

 

Esta situação é interessante, para lá do confinamento da primavera de 2020 e dos riscos que ainda correm muitas actividades artísticas "vivas" e instituições de património. Diz-se aliás que esta pandemia pode ser considerada como uma primeira experiência que nos deveria preparar para o que nos espera inexoravelmente com o aquecimento global, já que, como é obvio, não conseguiremos realizar a "transição climática" voluntária e organizada de que toda gente fala mas que continua a ser da ordem do discurso.

 

Devemos assim, talvez,  convencermo-nos de uma realidade de que já se suspeitava durante a crise financeira de 2008: a Cultura, no sentido dos ministérios da cultura, dos profissionais das artes, do património e dos espectáculos, e dos pensadores discípulos de Malraux e tantos outros, não faz parte das actividades essenciais para a imensa maioria dos homens e mulheres de nosso tempo. Quer se trate de financiamentos, de prioridades políticas ou de informação, a cultura vem depois da saúde, do emprego, da educação. Isso não quer dizer que não tenha importância, mas não aparece à cabeça das nossas preocupações, sobretudo em caso de crise, quando as coisas vão mal.

 

As actividades ditas culturais fazem parte dos lazeres, da ocupação dos tempos livres, dos programas de visitas turísticas e outros, na condição de serem fortemente subsidiadas por fundos públicos ou pelo grande mecenato para que não custem demasiado caras ao consumidor. Mesmo as pessoas cultivadas não estão prontas para pagar o custo real dos espectáculos, das exposições, da conservação do património, que pagamos em grande parte através dos nossos impostos, pagos por todos, mesmo por aqueles que não os desejam aproveitar, e que são o maior número (o não-público).

 

A situação é séria: desde há sessenta anos, pelo menos em França, as instituições culturais multiplicaram-se ao ponto de dotar o país do estatuto da "excepção cultural" que tantas vezes é brandido como fazendo parte de um certo modelo francês. Mais grave ainda: desde há mais de quarenta anos, a cultura profissionalizou-se tanto que foram criados centenas de milhares de empregos assalariados (e não apenas de artistas) nas diferentes disciplinas artísticas e culturais e nas profissões técnicas que lhes são essenciais. E isso à custa do desaparecimento de muitas práticas amadoras de qualidade, gratuitas e ancoradas em territórios onde asseguravam a animação no quotidiano.

 

O estatuto francês dos intermitentes do espectáculo, único no mundo, socialmente generoso e economicamente absurdo, é o fruto híbrido das políticas de ajuda ao emprego face ao desemprego de massa e da recusa dos produtores e dos utilizadores a pagar o verdadeiro preço dos seus consumos culturais. Se todos os verdadeiros profissionais do mundo cultural fossem empresários e assalariados de direito comum, facturando as suas prestações pelo preço real, teríamos uma imagem verdadeira dessas profissões e da realidade dos seus públicos. Por outro lado, os profissionais limitariam talvez as suas exigências cada vez maiores e mais onerosas em termos de técnicas de construção, encenação, exposição.

 

Mas será possível mudar esta vertente cultural do Estado Providência? Não para voltar a um estado antigo que se supõe melhor, mas trabalhando com cada sector, ao nível dos territórios e especialmente com as colectividades responsáveis ​​pela vida destes territórios, para definir políticas culturais sustentáveis, distinguindo e associando as necessidades e a procura da população em sentido lato (culturas e patrimónios vivos), os profissionais e os meios da educação, da investigação, da criação e das práticas exigentes (alta cultura) e da indústria do turismo e dos lazeres (economia da cultura), para lhes fornecer respostas diferenciadas e viáveis.

Isso significaria passar de uma política da oferta dita cultural, na realidade missionária no seu vocabulário bem como nas suas práticas, em nome das crenças de um pequeno meio próximo dos círculos do poder, para uma política da procura, estreitamente ligada às práticas e à criatividade das pessoas, em todos os níveis da sociedade e de todas as idades.

 

Seria sem dúvida necessário, nessa hipótese, suprimir o ministério da cultura, ou então limitar a sua responsabilidade à gestão de algumas instituições nacionais que não poderiam caber a nenhuma colectividade de nível inferior, essencialmente instituições do património material e imaterial, como o Louvre, Versailles, a Comédie Française e a Ópera de Paris. Para tudo o resto, a regra seria a subsidiariedade e a participação activa e responsável dos públicos da cultura e dos meios interessados, ​​que deveria assegurar a sustentabilidade das artes e do património em França. Tudo isto é herético e provocador, e o tempo que vivemos não é favorável a que se ponham em causa certezas que, aliás, não têm mais de sessenta anos e que repousam em afirmações de árbitros de gosto e especialistas autoproclamados que defendem os pontos de vista de uma minoria de privilegiados.

 

hugues-interactions.over-blog.com

La culture et la pandemie

 

um 1º texto,sugerido pela pandemia e as suas consequências na economia institucional da cultura:

Patrimoine, tourisme et pandémie

http://hugues-interactions.over-blog.com/2020/05/patrimoine-tourisme-et-pandemie.html

 

 

 

* foi diretor do Conselho Internacional de Museus – ICOM, de 1965 a 1974; criador do termo ecomuseu, que  abarca as formas experimentais de museus que foram teorizadas no pensamento acerca da Nova Museologia, desenvolvida, nos anos 80, sob sua influência. De 1982 a 1984, dirigiu o Instituto Franco-Português de Lisboa, e fundou depois uma agência de consultoria de desenvolvimento local e comunitário que liderou por dez anos (1989-1999): a ASDIC. Nos dias de hoje, actua em questões de desenvolvimento cultural, social e económico, e do património, como consultor independente.

 

site:

http://www.hugues-devarine.eu/

"nouveau site qui a pour seul but de donner un accès à une partie de mes archives professionnelles Vous y trouverez plusieurs de mes livres, déjà publiés mais actuellement épuisés et quelques livres plus récents que j'ai écrits spécialement pour ce site et qui n'ont donc jamais été disponibles en librairie. J'y ai ajouté des articles introuvables ou difficiles d'accès et certains textes inédits qui m'ont paru pouvoir présenter un intérêt. Je continuerai de temps à autre à publier ici d'autres textes personnels anciens ou récents.

Tout cela concerne les trois domaines principaux qui ont été ceux de mon activité professionnelle depuis cinquante ans:

• le développement local, sous ses différentes formes (sociale, culturelle, économique),
• l'action communautaire et la participation démocratique aux décisions d'intérêt général,
• le patrimoine naturel et culturel et les écomusées qui sont une des méthodes de sa gestion par et pour les citoyens.

Il n'y a rien de très scientifique ou académique dans tout cela: c'est le reflet d'une activité de terrain et des leçons que j'en ai tirées.

Ces textes sont tous librement téléchargeables, selon une procédure simple, qui vous demande seulement de vous identifier. Si vous voulez citer tel ou tel titre, ou en reproduire un extrait, veuillez en mentionner la source dans les formes habituelles."

Autor de  L’écomusée singulier et pluriel, : un témoignage sur cinquante ans de muséologie communautaire dans le monde. Paris: L’Harmattan, 2017. 304p. Muséologies, ISBN: 978-2-343-11878-9.

 

Hugues de Varine, singular e plural: memórias sobre museologias comunitárias

REFLEXÕES SOBRE UM MUSEU DE TERRITÓRIO

 

 

 

Medina e Manguel, um palacete para uma desconhecida colecção de livros (2) CRONOLOGIA 2020

1ª tempo

A CML e uma agência de comunicação a distribuir textos de promoção

 

12 set 2020, entrevista de José Mário Silva no Expresso

12 set. Observador / Lusa (abaixo, nota 3) -- https://observador.pt/2020/09/12/manguel-assina-doacao-da-sua-biblioteca-a-lisboa-para-criar-centro-da-historia-da-leitura/

 

15 set, artigo no jornal Pagina 12, Argentina (noticia a vinda da cokecção para Lisboa e recorda a actuação como director da Biblioteca Nacional - transcrição, ver nota 4 )

 

2º tempo

As 1ªas críticas sobre um notório escândalo

 

17 set, 24 set., artigos de João Pedro George na Sábado, "Operação Manguel" I e II  (nota 5)

18 set, crónica de António Guerreiro no Ipsilon/Público

 

21, 22, 23, 24, 25, 27, 29, 30 de setembro, 1 de Outubro, primeiras publicações no facebook (AP)

 

30 set. reunião de Cãmara

 

#

 

Em que jornal podemos acompanhar a situação oferecida pela CML ao coleccionador de livros comprovadamente mitómano e mentiroso que foi bem denunciado pelo António Guerreiro (nota 1) no Público/ Ípsilon a 18 de setembro?

Onde podemos seguir o escândalo da aprovação (ratificação, aliás) do Protocolo CML/coleccionador Manguel nos últimos minutos de uma reunião pública de Câmara (dia 30 set.) já sem a presença da oposição — o PC é outra coisa que não oposição —, sem haver debate e sem esclarecimentos, o que foi denunciado no dia seguinte num artigo do Observador mas sem focar a aprovação do Protocolo.

 

O Expresso publicou em 12 de setembro uma entrevista cúmplice e laudatória, assinada por José Mario Silva, sem perceber o logro em que caía (2) e sem a acompanhar por um trabalho jornalístico dedicado ao projecto de instalação da colecção Manguel no Palacete Pombal e criação de uma nova entidade à margem da rede das bibliotecas e arquivos municipais, dotada de meios de excepção.

 

Objecto da crítica ou denúncia do AG ao que tinha publicado, o Expresso não respondeu, não averiguou, ausentou-se, não sei se envergonhado.

O Público “deu à estampa” a denúncia fundamentada do António Guerreiro sobre um passo insólito da entrevista do Expresso mas não comentou, não averiguou, não voltou ao assunto.

Note-se que José Mário Silva (Expresso) e António Guerreiro não são jornalistas, são “colaboradores”.

 

A revista Sábado publicou em 17 e 24 de setembro dois artigos incisivos de João Pedro George (cronista, não jornalista) mas não me consta que tenha a seguir pegado no assunto em termos jornalísticos.

 

Instituições e artistas (ampliado do facebook)

Pedro Proença... Estás esquecido ou enganado (* - 11 Set. edição revista e ampliada). A articulação entre instituições e artistas de que falas parecia natural e a contestação fazia-se em surdina, face a uma coesa rede de poderes. Quando quiserem pudemos falar da instrumentalização das representações nacionais através das relações na e com a SEC (Sarmento funcionário, Calhau atencioso, Cerveira Pinto, a LIS e seus júris em 1979 e 1981, etc); do papel para-institucional que teve a Galeria Cómicos do Luís Serpa, 1984 -, onde todos ELES expunham depois do Depois do Modernismo, 1983 - e tu também; da gestão interessada do Molder, fechando o CAM à fotografia com excepção da sua rede de contactos, por via da defesa do "quadro fotográfico" do Jean-François Chevrier, etc). Essa conjugação de poderes foi eficaz no acesso à presença internacional, em especial dos próprios, concentrando recursos e candidatos. Disse que foi eficaz mas não foi séria e o balanço NÃO é hoje positivo. Vê lá se te lembras...

(* Dizia o Pedro: "Num tempo não muito distante (não foi noutra galáxia) havia artistas que eram determinantes na definição da política cultural (artística) de um país ou na programação de grandes instituições. Não era um escândalo, e a articulação entre instituições e artistas era bem mais natural. Hoje, isso soaria a escândalo. Penso no Fernando Calhau na "divisão de artes plásticas" do MC (era assim que se chamava), ou Jorge Molder e Rui Sanches no Centro de Arte Moderna da Fundação Gulbenkian. Que excelente trabalho!")

Passou-se de um sistema voluntarista e centralizado da gestão das artes ditas plásticas (alguns artistas e algum estado), por isso eficaz, a uma situação plural, dispersa e pantanosa, efeito da descrebilização da fase anterior e do surgimento de novos dados com a mudança de década e de geração, e também mudança de contexto político. Intervieram mais agentes (privados e fundações) e mais actores (chegaram os curadores), num país sem escala. Serralves e Chiado, tal como o CAM, serviam interesses próprios e não se afirmaram como museus, que não há. Alias, a ideia de museu era ou é combatida (apesar de discursos oportunistas), porque se trata sempre de gerir o curto prazo (as actualidades), de satisfazer clientelas e de socorrer/apoiar directamente artistas - agora pela via estúpida da Colecção do Estado. (É só uma pista de reflexão; de facto falta memória, em especial no MC, impedindo a continuidade de políticas)

Mas a nota essencial sobre a articulação de instituições e artistas é a continuidade efectiva dos poderes.

À "Alternativa Zero" do Ernesto de Sousa (Galeria Nacional de Arte Moderna, Belém, Fevereiro-Março de 1977) que nasce a partir da SEC com convite e o empenho do Eduardo  Prado Coelho enquanto director-geral de Acção Cultural (em 1975-76), sucede a iniciativa pluridisciplinar "Depois do Modernismo",  em 1983, dinamizada por vários dos participantes da mostra anterior (Leonel Moura, Cerveira Pinto, Julião Sarmento, antes "discípulos de E.S.) numa actualização de referências e influências (da arte conceptual e Fluxus à Bad Painting pós-moderna, cortando assim com a "tutela" do Ernesto), em grande parte a partir da mesma SEC, e sustentando uma nova organização de poderes (** fui "adido de imprensa" do DdM).

Ao "Depois do Modernismo", que teve Luís Serpa como coordenador, sucede em 1984 a Galeria Cómicos (antes Cómicos – Espaço Intermédia), em espaço cedido pela SEC ao lado do Teatro da Cornucópia e gerida pelo mesmo Luís Serpa (depois Galeria Luís Serpa Projectos). CONTINUA

 

Bibliografia:

"Arte e Mercado em Portugal: Inquérito às Galerias e Uma Carreira de Artista" (***), Alexandre Melo,  Colecção OBS - Pesquisasa 4, Observatório das Actividades Culturais, 1999 (*** trata-se de Julião Sarmento)

"Galerias de Arte em Lisboa", coord. Maria de Lurdes Lima dos Santos e Alexandre Melo, Colecção OBS - Pesquisasa 9, Observatório das Actividades Culturais, 2001

Covid cultural / cultura covid: jornalismo preguiçoso e arrogante

Uma entrevista com um ministro não é uma discussão de café. Ao jornalista que fala da fome dos artistas não passa pela cabeça referir a fome de muitos outros trabalhadores e desempregados, e usa a cultura, a fome, o drink como ruído. Trata-se de tentar abocanhar - a Graça atirou-lhes um osso (o drink) e os jornalistas com o osso nos dentes dispensam-se de fazer o seu trabalho. A sra foi muito paciente.

https://expresso.pt/cultura/2020-07-31-Nenhum-jornalista-me-incomoda-a-entrevista-a-ministra-da-Cultura-na-integra?fbclid=IwAR02tlPb8UroxrZopD3ogDpsPRWDIchm9hx-KKFlwOvUxX79XJ1ZbtNU6D0

Um jornalista que faz o trabalho de casa não abocanha assim:

Questão 1: a coleccao do estado apareceu agora explicada como apoio aos artistas? (É um erro da ministra, que só vem dar razão a quem critica desde o início, desde sempre a ideia de "Colecção de Estado").

Questão 2: o trabalho intermitente dos artistas do espectáculo e o trabalho independente dos artistas em geral (mais curadores, críticos, autores, etc) como pode ser reconhecido e protegido, sem confundir-se com emprego / contrato regular e permanente, que não é?

Questão 3: ser artista ou apresentar-se como tal ou contar com um titulo de Dr Artista assegura o direito à subvenção permanente que se substitui às condições de mercado (ao reconhecimento, ao êxito, à venda de obras e espectáculos)? O anunciado estatuto do artista é um controle corporativo das actividades artísticas livres e uma funcionarização das artes?

Questão 4: o artista é alguém “fora do mercado” e privilegiado enquanto tal? Um produtor independente em auto-gestão assistida? Questão 5: escolher ser artista é escolher o risco de ser reconhecido como tal, ou não, e de viver como artista, à margem da produção oficinal ou industrial, dos serviços e da distribuição comercial, ou é o acesso a uma certificação que dá direito à subvenção? - e os pequenos artistas, os que falham, os amadores, os artistas de domingo e TODOS OS OUTROS?

(31 de Julho) versão revista

O jornalismo desonesto e oportunista: cobrir a notícia sobre a União Audiovisual com a frase solta do drink e a foto agressiva.
Um título inacreditável que se desqualifica a si mesmo e ao jornal onde se publica (o Expresso):
“Enquanto [a ministra] bebe drinks e fala de arte contemporânea, a União dá ajuda espontânea”: as rimas de quem ajuda quem passa fome "

https://expresso.pt/coronavirus/2020-07-29-Enquanto-a-ministra-bebe-drinks-e-fala-de-arte-contemporanea-a-Uniao-daajuda-espontanea-as-rimas-de-quem-ajuda-quem-passa-fome?fbclid=IwAR3T6-o_hFCE1I9KRN-96hQoAYEc7p6jbBW8U9JiNpI0JAmXEJhjyM6wV7M

Até apetece defender a Graça (depois das vezes em que critiquei as suas acções e omissões). Tem mais graça ser do contra.

(30 de Julho)

A Graça tem muito jeito para se pôr a jeito, de facto, o que até tem 'graça'. Está mal assessorada e ouve pouco as pessoas que consulta, pelo que me dizem. É obstinada, o que é um defeito e uma qualidade. É um ministério de lobies e de castas, de corporações e egos; um ministério sem memória própria, onde o trabalho de casa se faz pelo google ou não se faz. O Costa não se interessa e gosta de intrigas, divide para reinar. Artes e culturas são áreas problemáticas que servem para a ostentação nos casos de sucesso e o resto é conversa, ou um poço sem fundo de competição e desentendimentos. ( 1 Agosto)

 

 

 

 

 

Políticas e gestão da cultura

A.P.R. comenta no imediato as políticas da CML a partir de dentro e também do MC/SEC. Num texto de intervenção, hoje, e de sintética reflexão programática. Mas a sua ideia de política cultural ainda sobrevive à mudança do mundo? Versão revista no blog. (O artigo do APR de domingo no Público tem a esta hora, 10h15, 977 recomendações e 934 partilhas; mas nenhum comentário. Além de ser um autor popular, parece existir alguma preocupação com o silêncio dos titulares dos cargos, na CML, na EGEAC, no MC e na SEC...)

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Parece que António Pinto Ribeiro aponta à gestão e à política (culturais) da capital, e a partir de dentro da sua orgânica (a programação da Capital Ibérico-Americana da Cultura, 2017). O alvo será a Empresa de Gestão de Equipamentos e Animação Cultural de Lisboa (EGEAC), cuja orientação se sobrepõe à Câmara e se estendeu ao Ministério, via SEC, por ausência de meios financeiros e de discurso. Visa-se a prioridade dada ao entretenimento e aos festivais dirigidos em especial para turistas (estrangeiros e locais, equiparando os consumos). Entretanto, há uma particular conceptualização, uma prosa "difícil", a interrogar, por onde transpira dirigismo e conservadorismo.#politicasculturais

"O problema acontece quando por falta de política cultural a gestão acaba por vampirizar esse lugar que é o único que dá sentido à imanência do cultural e à gestão e que é a política. E fá-lo invertendo todos os termos da política cultural, colocando a gestão ao serviço do populismo, como por exemplo transformando toda a actividade cultural em entretenimento ou implementando a gratuitidade nos espectáculos em vez de uma política social de preços e portanto banalizando a relação com a criação artística que exige estudo, hábitos culturais, suspensão do conhecimento e da fruição quotidiana."

Público,  28 Agosto 2016: O que resta das políticas culturais

"A gestão cultural não tem mal algum e deve ser equacionada. O problema está quando por falta de política cultural a gestão acaba por vampirizar esse lugar que é o único que dá sentido à imanência do cultural."

 

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 Comentários soltos a acompanhar a leitura:

 

1. "esse lugar que é o único que dá sentido à imanência do cultural e à gestão e que é a política" - a política dá sentido à "imanência do cultural"? Dar-lhe-á transcendência? Instrumentaliza-a? (o que é a imanência do cultural? - será a contiguidade da cultura consigo mesma? A circularidade? A autosuficência? - "Imanência é um conceito filosófico e metafísico que designa o caráter daquilo que tem em si o próprio princípio e fim." Wikipedia)

 

 2."a criação artística que exige estudo, hábitos culturais, suspensão do conhecimento e da fruição quotidiana" - a criação exige a suspensão do conhecimento e da fruição quotidiana? A criação, a arte, não é (também) conhecimento e fruição?

 3. "o lugar do que era a política cultural" não era um lugar cativo. Esse lugar da política cultural era o do poder político, e felizmente o lugar diluiu-se. Existem lugares plurais, descentralizados, fragmentados, concorrenciais e contestados. Nenhum centralismo é aceitável, nenhum dirigismo é mais tolerável. O que era a política cultural (foi a defesa da democratização da cultura, que falhou nos seus critérios, mas as obras-primas da humanidade estão hoje universalmente acessíveis para uma "selfie", e foi depois o desenvolvimento cultural, fazendo da cultura um sector económico como os outros, um mercado empregador e áreas de novos consumos) concretizou-se à revelia dos seus mentores messiânicos: a cultura de massas (popular, das massas) impôs-se - foi-se impondo, desde o jazz, a música popular, o hip-hop, o rap, etc; do folhetim, da bd, da novela gráfica, do graffiti; do cinema de Hollywood e da televisão (novelas e séries são novos modelos narrativos); do ecrã que concorre e ultrapassa a página impressa; da fotografia digital equiparando-se à palavra no uso do mesmo aparelho, o telemóvel - mudança radical na relação voz e imagem, agora gémeas. Sempre contra a incompreensão de novas formas, de novas tecnologias, de diferentes usos. A democratização da cultura e o desenvolvimento cultural não chegaram com colecções de clássicos, mas com novos meios e novos públicos.

4. "a política cultural como serviço público" resulta de um voluntarismo dirigista que fez (mal) o seu tempo, tentando pensar e estabelecer como política (vontade, programa, intenção políticos) o que é do domínio da gestão, a muito diversos níveis de intervenção - associativa, cooperativa, empresarial, fundacional, local, regional e também governamental. E que é também do domínio da expressão individual, do gosto, da criação livre. É na governamentalização que se pensa ao falar de política cultural no singular e chamando-lhe "serviço público" (não sendo este um monopólio dos poderes públicos) - sucessivos deslizes semânticos não escondem a postura messiânica e conservadora.

5. "culturalização do mundo (tudo passou a ser cultura fossem os cânones literários, fossem as receitas gourmet)". E quem delimita o que está dentro e fora da cultura e da arte, como se ao longo dos tempos as fronteiras não mudassem e as cortes, as corporações, as academias, as escolas, os cânones, as certezas, não fossem sujeitos a sobressaltos e falências? Há um mal escondido discurso imobilista que é o do passado e da autoridade. Conservador, sempre. (Os jardins são cultura, o ritual do chá também...)

6. "exigiu-se à arte que fosse comunicante". Sim, foi recuando, desvanecendo-se, sujeito a crítica teórica e às lições da prática social, o discurso da vanguarda distanciada das massas, da elite com acesso privilegiado ao saber, da autonomia da arte e dos artistas, sem função na sociedade, sem público, sem utilidade e comunicabilidade, livre de critérios de apreciação dotados de racionalidade argumentada, separado da vida e da arte da viver.

7. "É assim que fenómenos que julgávamos em decrescimento (...) regressam em força e agora acompanhados de formas perversas de um multiculturalismo light, de um assistencialismo social e de um entretenimento de fusão. Não que a cultura pudesse salvar o mundo, mas a ausência de sentido para a política, onde se inclui um sentido ou sentidos para a política cultural, criou um vazio que todas as expressões do recalque combinadas com o medo vieram ocupar." Aqui, o argumento das "formas perversas de um multiculturalismo light, de um assistencialismo social e de um entretenimento de fusão", é a crítica directa às tutelas do Governo e das grandes câmaras de Lisboa e Porto, com as suas empresas públicas de gestão. Abra-se então o debate que tem sido escamoteado. Mas o "vazio" alegado é o da grande divisão entre cultura popular e erudita (a "cultura operária" que procurava mudar o homem desapareceu com o fim das teorias que iriam mudar o mundo), a divisão entre instrução e cultura, entre cultura de massas e de elites aristocráticas, sustentadas por uma diferenciação social de "famílias" que sempre se prolonga; esse suposto "vazio" é o resultado da falência das políticas culturais seguidas e não da sua falta.

8. Trata-se de querer persistir nas receitas que só podiam falhar ou de repensar um presente em mudança?

Os Mirós do PS/BPN, actualidades (outras tarefas a cumprir com prioridade)

1. Volto a falar dos Mirós, depois de mais uma declaração confusa do ministro da cultura. Pergunta o jornalista de serviço às Festas da Srª da Agonia (Viana) se está decidido o destino dos Mirós "que o Estado herdou". O ministro, que é culto e informado, além de poeta, não corrigiu a ignorância ou rasteira do jornalista, e respondeu que prosseguem as conversações com o presidente da Câmara do Porto, bem encaminhadas.
Ora o Estado não herdou, e ministro Luis Castro Mendes não corrigiu, deixando correr uma ilusão ou mentira. Foi a CGD (tão falada ultimamente por más razões) que deitou mão às pinturas quando o BPN foi nacionalizado e integrado no banco público. Passaram uma noite a levar os Mirós para os cofres da CGD e, depois de apreciados por entendidos e avaliados por profissionais, deveriam servir para amortizar dívidas: eram activos de um banco falido. Sabe-se que a administração do BPN após nacionalização levou a cabo uma muito cuidada operação com vista ao leilão da Christie's (que ofereceu mais que a Sotheby's). Depois a Parvalorem deixou atrasar a saída das obras e acabou por infringir disposições legais condicionadas pelos prazos de permanência de obras em Portugal. O leilão foi adiado e a Parvalorem multada pelas infracções que cometeu.
O que é a Parvalorem? "A PARVALOREM, S.A. tem por objetivo gerir, criteriosamente e com o sentido bem presente do “Interesse Público”, a carteira de créditos adquiridos no âmbito do processo de reprivatização do BPN por forma a contribuir para a minimização do esforço financeiro do Estado associado a esta operação."
Informava a Parvalorem em Fev de 2014: "O leilão internacional para as obras do pintor Joan Miró agendado para fevereiro de 2014 não se realizou, por contingências externas conhecidas, estando prevista, no entanto, a sua realização no decorrer ainda do ano de 2014."
Recentemente o responsável pela empresa explicou que as obras se mantinham sob a sua tutela e que nada se alterara quanto ao seu destino.

2. Ora o presidente da Câmara do Porto, que é um autarca respeitado, mesmo em Lisboa, ainda não disse que está disposto a pagar os 35 milhões, pelo menos, que constam da avaliação da Christie's. Está à espera que o Ministro da Cultura Luis Castro Mendes pague os 35 milhões à Parvalorem e ofereça o acervo ao Porto? Acredita que o Estado "herdou" os Mirós e se esqueceu que a Parvalorem adquiriu a carteire de créditos... para a minimização do esforço financeiro..."?
Espera mobilizar os tripeitos para comprarem os Mirós? Convém que se explique para pôr cobro a ilusões e disparates, ou que ponha a debate as razões desta ideia de ter um museu Miró no Porto (o pior dos Museus Miró, como escreveu o professor Jorge Calado).

Então poderemos lembrar ao presidente Rui Moreira que pode optar por algumas escolhas melhores. Certamente conhece a Colecção (João) Allen, comprada em 1850 pela Câmara do Porto e mais tarde integrada no Museu Nacional Soares dos Reis, o qual viria a dispensar as peças mais antigas quando da controversa intervenção do arq. Fernando Távora.
O falecido vereador Paulo Cunha e Silva conhecia a importância deste acervo: já não se trata de fracos Mirós, mas de coisas sérias como os retratos do Renascimento francês de François Clouet - um deles o retrato da noiva prometida a D. Sebastião, a depois desaustinada Margarida de Valois (seria agora um must, e foram obras de referência para os pintores do Porto) -, as pinturas de Frei Carlos e Gaspar Vaz, de Domingos Vieira e Vieira Portuense, e mesmo Domingos Sequeira, o mesmo cujo peditório trouxe justamente o Museu de Arte Antiga às bocas de mundo - tudo isto por absurdos critérios museológicos tolerados ao arq. Távara ao tempo de Simoneta Luz Afonso, era directora uma Mónica Baldaia que se distingiu por ser filha da Agustina e - mais tarde - por se ter substituído judicialmente a uma promissora nova directora, a Lúcia Almeida Matos; a seguir, recebeu uma choruda maquia e foi-se embora.... Tudo se completaria com outras obras dispersas e agora não expostas, como o importante quadro de Zuloaga (Ignacio Zuloaga, um grande pintor do século XX espanhol) que se via na Biblioteca Pública do Porto. (Retrato de quem? de um intelectual espanhol de renome, mas qual? Quando voltei à procura já não estava no seu antigo posto.

Um dos retratos do Renascimento francês de François Clouet da Colecção Allen, "antigamente" expostos no Museu Nacional Soares dos Reis (antes da Troika Távora, Simoneta, Mónica) -  o retrato da noiva prometida a D. Sebastião, a depois desaustinada Margarida de Valois (seria agora um must, e foram obras de referência para os pintores do Porto). Avisam-me que os quadros regressaram ao Museu e subiram ao 1º andar - VER COMENTÁRIO

Certamente Rui Moreira pode também preferir aos Mirós de 2ª a ideia de restabelecer o Museu de Etnologia do Porto que funcionou no Palácio de S. João Novo entre 1945 e 1992: fechou há 24 anos, por degradação do edifício mas com promessa de reabertura. (Lia-se no Público em 19 Jan de 2007, em notícia de Abel Coentrão: "Fechado desde 1992, e com as colecções dispersas por outros equipamentos culturais, o Museu de Etnologia do Porto vai mesmo voltar a abrir. O Instituto Português de Museus (IPM) viu aprovada pelo Conselho de Ministros a proposta de aquisição do Palácio de São João Novo, no centro histórico da cidade, e, segundo o seu director, Manuel Oleiro, consumada a compra, por quase 1,46 milhões de euros, vai dedicar o ano de 2007 à elaboração de um programa museológico que ditará o âmbito das obras que serão posteriormente realizadas naquele edifício oitocentista...")
Fernando Lanhas foi o seu último director, numa linhagem de notáveis folcloristas e etnógrafos do norte.
Que o caso Miró seja o mais falado tema relativo às políticas de cultura em Portugal, quer dizer muita coisa sobre o país e sobre o Ministério.

Nota: Não é o destino Porto que está em causa. Não se trata de uma colecção mas de um acervo (colecção é outra coisa). Não se trata de "uma colecção agora pública" mas de um acervo arrolado por um banco credor, a CGD (o banco é que é de capitais públicos, embora forçado a cumprir a mesma racionalidade que a banca privada). O acervo não será "oferecido": alguém o terá de pagar à CGD, à Parvalorem, ao Min. das Finanças, a todos nós; ao passar a bola ao Porto, a ideia é que seja o Porto a pagar, em dinheiro, em favores políticos, por troca, etc. O Rui Pereira está a jogar com um próximo capital de queixa contra o centralismo.

 

3. Transcrevo da coluna de Jorge Calado no Expresso Revista de 20 de agosto, que encontrei há pouco no Bar Irreal:

"(...)Parece que os 85 Mirós vão ficar por cá. Nenhum deles é obra-prima. (A colecção está avaliada em 50 milhões de dólares, e em 2012 um único Miró foi vendido por 37 milhões.) Em vez de ficar com dois ou três razoáveis e vender o resto para comprar obras para as colecções existentes, vai-se criar o pior museu Miró do mundo para mostrar o rebotalho de uns restos de colecção. Como dizia um velho professor meu, os portugueses gostam de rapar o fundo aos tachos e de fumar as beatas que apanham do chão.(...)"

O ministro da cultura Luis Castro Mendes, o poeta Luis Filipe Castro Mendes, o ex-embaixador na Unesco, o meu antigo amigo da Grãfina (anos 70) responde ao professor Jorge Calado?

 

4. O ministro Luís Castro Mendes respondeu pouco depois na sua página do Facabook, apagando dela as minhas notas anteriores (o que compreendo bem, por terem entrado cordial e "abusivamente").:

"Estando já a coleção Miró na esfera patrimonial do Estado, a decisão sobre o seu futuro é uma decisão política do Governo, como a Parvalorem aliás declarou recentemente."

É uma prudente resposta. A 'esfera patrimonial' resulta da nacionalização do BPN, como os restantes activos que se destinam a amortizar as dívidas, e como os passivos que andamos a pagar (não é "o Estado" que paga").
A decisão do Governo será 'política', não cultural, porque não se reconhecem ou sustentam os méritos culturais de uma decisão de compra, ao contrário do que sucedeu com o Sequeira (SÓ 600 mil €) e sucederá, espera-se, com as Vieiras do Jorge de Brito (SÓ 6 milhões €, a trocar por terrenos - e atenção, o acordo cessou em 2015, não dá para empurrar mais com a barriga).
A decisão seria também de ordem financeira, o que o ministro omite, porque haveria valores (quantias: 35 milhões €, pelo menos) que teriam de passar de um orçamento para outro.
A Parvalorem esclareceu recentemente que os tais Mirós lhe continuam entregues e que o Governo não lhe comunicou qualquer alteração das orientações antes seguidas.

Obrigado, caro LuÍs Filipe por esta oportunidade de esclarecimento. Mas o pior museu Miró do mundo, na feliz fórmula de Jorge Calado, é a tua questão mais importante? #mirosdobpn

5. Quando tiver tempo irei recordar cronologias: a nacionalização do BPN ocorre no governo Sócrates, 2008. A decis\ao de pôr o acervo em leilão é tomada pouco depois pela administração do BPN nacionalizado e integrado na CGD que fora nomeada pelo min. das Finanças Teixeira dos Santos. Esta administração construiu um processo de venda (leilão) com uma grande mestria. A Parvalorem conduziu mal o processo de saída das obras, que de início não necessitavam de autorização de saída. O SEC Jorge Barreto Xavier, através da DGPC, teve de intervir sobre esse processo de saída, pelo qual a Parvalorem foi condenada a uma multa. Não foi a decisão de vender que esteve em causa. Depois intervêm as deputadas culturais do PS; depois o João Soares escorrega e fala em instalação definitiva, em permanência no país, em vez de falar só em mostrar o acervo, satisfazendo a curiosidade mórbida de uma dúzia de voyeurs e meia dúzia de personagens artísticos que encontraram um aocasião fácil para se porem em bicos dos pés. E assim vamos. Mas o governo ou o ministro cairão antes que se pratique o dislate do pior museu Miró do mundo, antes que se cometa mais um crime.

Entretanto, o que têm feito? Não reabriram o Museu de Arte Popular, associando-o à redinamização do Museu de Etnologia; não recuperam e exploraram o antigo Jardim do Ultramar (entregue à Universidade para despachar); não projectaram o IICT - Instituto de Investigação Científica Tropical ao seu devido lugar no mundo; não fizeram reabrir ao público as Gares Marítimas com os murais do Almada não articularam os equipamentos culturais e científicos da zona de Belém; não acabaram e resolveram o novo museu dos coches, naquele mamarracho Pritzker; não avançaram com o possível projecto de aproveitamento do edifício do Convento de São Francisco (Museu do Chiado, Fac. e Academia de Belas Artes); não encontraram destino para o Pavilhão de Portugal, se tal for possível (Portugal tem destino?) - também o despacharam para uma Universidade de Lisboa bulímica e sem dinheiro para vícios; e por aí fora.

Não há obra (empurram com a barriga), e felizmente que não tem havido muita garganta.

Por um Observatório Civil das Políticas Culturais

 

Parece ser oportuno criar um Observatório Civil das Políticas Culturais (talvez começando no FB como grupo fechado) para seguir a evolução de casos que recentemente foram objecto de queixas ou denúncias logo apoiadas por muitos leitores e intervenientes, e apontar outros casos que surjam e vão sendo comunicados. Não faltam temas nas áreas do Ministério da Cultura e em especial na Câmara de Lisboa, ou no seu braço empresarial, a EGEAC

1. o caso do Museu do Chiado, que até Outubro não expõe uma síntese da colecção histórica no seu pouco espaço disponível, agora muito reduzido por motivo de obras, e que aí apresenta o que é, sem margem para dúvidas, uma mera exposição de galeria privada (este caso mereceu já o protesto público da galerista Cristina Guerra por ocasião da apresentação da Arco/Lisboa : https://www.publico.pt/…/arcolisboa-uma-feira-de-arte-atent…) Ver  (http://www.museuartecontemporanea.pt/pt/programacao) ‪#‎MuseudoChiadoMC‬

2. O caso da direcção das galerias da EGEAC
(http://www.egeac.pt/egeac/ ), que está atribuída a uma pessoa que dispõe também de uma galeria privada - o próprio João Mourão apresenta-se assim no Facebook: "Trabalha em Galerias Municipais de Lisboa e Kunsthalle Lissabon" (ver https://www.facebook.com/Kunsthalle-Lissabon-116922748416/… ). O facto de se servir da relação de apoio da EGEAC à Feira de Arte Arco/Lisboa para aí apresentar a sua galeria Kunsthalle Lissabon é apenas um excesso da falta de vergonha que lhe é consentido pela tutela, a CML  ( http://www.egeac.pt/evento/arco-da-nova-arte-contemporanea/ ) ‪#‎GaleriasJoaoMourao‬ ‪#‎GaleriasEGEAC‬ ‪#‎GaleriasCML‬

3. O caso da passagem do chamado "Projecto Africa.Cont" para a EGEAC , sem que essa designação, usada desde 2008, corresponda a uma qualquer entidade identificada na estrutura da CML, com finalidades e responsáveis conhecidos. (Ver Proposta 105/CM/2016, alínea b) - Adenda ao contrato-programa celebrado com a EGEAC em dezembro de 2015: http://www.am-lisboa.pt/301000/1/004693,000343/index.htm
Debatida e votada: 104ª reunião, 26 de Abril 2016
Resultado da Votação: Aprovada por Maioria com a seguinte votação: Favor: PS/ PNPN/ 6 IND – Contra: PCP/ CDS-PP/ PEV/ MPT - Abstenção: PSD/ BE/ PAN)  Ver ‪http://www.africacont.org/ - numa anterior página do Facebook lê-se: "Infelizmente, este conteúdo não está disponível neste momento" #‎casoAfricaCont‬

4. O caso do programa «LISBOA COMO FUTURO - CULTURA» iniciado em 19 Março 2016 pela Vereação de Cultura da CML, entregue a um centro/empresa Dinamia, organizado de uma forma fechada e por convites e que, no seu formato organizativo, impede todo o debate aberto e democrático sobre o funcionamento das estruturas camarárias e sobre o que possa ser o respectivo futuro. Na sessão inaugural interrompi a ordem dos trabalhos para ler parte de uma declaração sobre o programa em questão e sobre diversos casos contestáveis da política cultural camarária, documento que entreguei ao presidente Fernando Medina e à vereadora Catarina Vaz Pinto: Contribuição (ver também: www.cm-lisboa....debate-estrategias-para-a-cultura)  #cmlculturadinamia

5. O caso da acumulação de funcões do sub-director geral do Património Cultural David Santos como comissário geral da Bienal de Fotografia de Vila Franca de Xira (lugar que ocupou antes daquela nomeação e deveria ter abandonado por manifesta incompatibilidade). ‪#‎DavidVFXSantosDGPC‬

NOTA: É necessário distinguir a observação crítica das políticas culturais do MC e DGPC, e da CML e EGEAC, das eventuais queixas pessoais de quem se sente excluído ou marginalizado. Os protestos e ressentimentos individuais, por mais legítimos que sejam, devem ter outros canais de comunicação.

Que «LISBOA COMO FUTURO"?

«LISBOA COMO FUTURO - CULTURA» - 19 Março 2016

Uma contribuição (texto parcialmente lido no início da sessão - interrompendo a ordem estabelecida no programa da sessão organizada na futura Biblioteca de Marvila pela Dinamia, centro/empresa do ISCTE - e entregue ao presidente da CML e à vereadora da Cultura) ‪

"A formatação dos painéis e dos seus temas e o longo formulário proposto para abordagem de cada uma das secções (Criar, Distribuir, Lembrar, Conhecer, Participar, Planear, Representar) não servem a anunciada intenção de reflectir e questionar as práticas culturais camarárias. Antes de arrumar os participantes em núcleos compartimentados e de temática fechada - anunciando-se como «Sessões de debate - workshop», entaladas entre dois discursos oficiais, de abertura e encerramento - seria seguramente oportuno auscultar, sumariar e enfrentar, a montante, questões gerais de orientação política e análises sectoriais livremente formuladas. Em vez dos guiões pré-definidos e das abstracções de uma categorização talvez académica valerá a pena olhar para o terreno e apreciar o que existe e o que se faz.
Desagrada-me profundamente essa linguagem típica de empresas de selecção e gestão de pessoal sob capa universitária. Perguntam "Existirá uma “cena” de Lisboa (um hype associado a certa produção cultural da cidade)?« (sic). Pensar a cidade e a sua cultura, parece-me ser do âmbito da política e não do marketing.

 

Enumero alguns tópicos que me interessaria propor à discussão:
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Começo pelo sector das galerias de arte, agora gerido pela EGEAC, e por apontar quer o número desmesurado desses espaços quer a situação incompreensível e inaceitável de o sector ser chefiado por alguém que dirige a sua própria galeria, o João Mourão (Kunsthalle Lissabon).
Não se encontra uma tal oferta de galerias, parte delas a ocupar vastos espaços - e espaços difíceis e impróprios, como a Cordoaria e a Av. da Índia -, em qualquer capital próxima (e de mais activa vida cultural). Não há em Lisboa um só centro de actividade marcante e de referência como são em Madrid o Espaço Conde Duque e o Centro Cultural de la Villa, o Centro Galileo e o Matadero, todos eles complexos pluridisciplinares integrantes da área municipal de Cultura, Ócio e Desportos (o que é uma justa associação). Ou como, em Paris, o Bal, o Centquatre, a Maison Européenne de la Photographie, o Betonsalon, o FRAC Ile-de-France. Ou como são na periferia a Casa da Cerca de Almada e o Centro Cultural de Cascais ou em Vila Franca de Xira o Museu do Neo-Realismo e a Fábrica das Palavras.

Aponto a programação irregular, casuística e por vezes quase confidencial de parte relevante dessas galerias, que não têm perfis próprios, não são lugar de acolhimento de propostas/candidaturas alheias, nem se inserem nas suas áreas populacionais, tendo períodos de inactividade que inviabilizam qualquer formação de públicos (a Quadrum e a Boavista serão os casos mais insólitos, mas os Pavilhões Branco e Preto deveriam certamente ser orientadas pelo Museu da Cidade, agora Museu de Lisboa).
Aponto a colagem notória das respectivas programações ao pequeno «meio da arte» nacional, ou a um pequeno círculo de cumplicidades, repetindo os mesmos nomes que circulam por galerias, museus, fundações e instituições idênticas, sem haver prospecção de valores menos mediatizados, nem abertura à diferença. Nada as distingue enquanto galerias municipais, e não têm vocações reconhecidas. 
A isto se associa a opção pela promoção sistemática de jovens artistas (ou licenciados em arte, sazonalmente descartáveis) numa lógica que é ou assistencialista ou visa só a conquista e gestão de clientelas, o que se prolonga agora na viragem do sector institucional em geral para a política das «residências» de artistas e de «curadores». É toda uma prática de concorrência desleal com as galerias comerciais e com as possíveis iniciativas autogeridas por artistas, o que agrava um contexto em que parece não haver espaço senão para a iniciativa institucional ou para a dependência de apoios públicos. 

Aponto a ausência de uma programação internacional de referência através de co-produções, parcerias ou acolhimento de iniciativas, em que Lisboa se afirme como parceiro de itinerâncias. Como excepção, lembro só Sebastião Salgado na Cordoaria, em colaboração com a Terra Esplêndida.
Acresce ao número de galerias geridas directamente pela CML/EGEAC (5 agora, segundo o seu site) um número extenso e indeterminado de espaços para exposições temporárias de museus municipais e muitas outras entidades da galáxia (ou polvo) CML, como a sede do Município, as galerias do Arquivo Fotográfico, e de bibliotecas, o Torreão Poente do Terreiro do Paço (Museu de Lisboa), a Casa da América Latina, agora a chamada Casa dos Mundos, etc, etc.
Deve ter-se em atenção nesta área das exposições e das artes plásticas o decréscimo sistemático de públicos, que em geral agora se desloca apenas a espaços associados a jardins e outros espaços de lazer. Há razões profundas para o desinteresse dos públicos, que têm a ver com um divórcio crescente e justificável entre uma cultura fechada sobre e para os seus agentes (sustentada pela crença na autonomia dos criadores) e, do outro lado, um lado cada vez mais distanciado, os consumidores de cultura-entretenimento, televisiva ou não, e em geral os frequentadores da área dos lazeres. Os públicos mobilizados pelas inaugurações (as corporações artísticas, os parentes e amigos) e as visitas escolares fornecem os números necessários para as estatísticas.

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Em geral, no domínio das galerias e das salas de espectáculo, é manifesta uma posição de concorrência obviamente desigual - e desleal - com as iniciativas de outras entidades, privadas ou associativas e cooperativas (estas em decréscimo nítido, esmagadas pelas dependências burocráticas e centralizadoras, em especial no acesso a financiamentos públicos e comunitários).
Parece estar ausente qualquer reflexão actualizada sobre o sentido da acção cultural da CML, para além de se acrescentarem mais programas, mais festivais, mais eventos aos que são habitualmente promovidos por outras instituições públicas, fundações e centros culturais próximos (Almada, Cascais e Algés, Vila Franca de Xira - zonas limítrofes e carenciadas onde se justificam programações locais de divulgação, e que são em geral mais livres de estreitas dependências «curatoriais» e institucionais).
Existem marcas claras de centralismo e dirigismo (e também de elitismo) na política cultural oficial, sendo em geral as programações asseguradas por curadores e directores-programadores que cumprem em especial as suas ambições próprias. (A lógica do curador-artista e do programador-artista, que tem vindo a ser aceite, subverteu o exercício de lugares que começam por ter responsabilidades cívicas).

É evidente a opção nos espaços públicos pela ideia de programar (o que significa promover uma cultura oficial da cidade, ou antes de programadores oficializados, funcionários camarários ou não), em vez de patrocinar e acolher, apoiando as iniciativas cívicas, cidadãs, independentes e locais, mediante candidaturas e num diálogo regular e aberto que responda a interesses e projectos plurais e à acção de agentes descentralizados. A prática democrática de programação está praticamente ausente nos equipamentos camarários, cujo perfil de actuação se supõe diferente do de fundações privadas e equipamentos públicos de iniciativa e tutela do estado central.
Se o São Jorge acolhe programas de cinema, mantendo uma dinâmica pluralista, o S. Luis e em especial o Maria Matos programam e produzem (ou co-produzem) através dos seus directores programadores. O que os distingue das salas da Culturgest, Gulbenkian e CCB?

3
Num campo que deveria ser uma das vocações principais de uma cidade aberta e plural como Lisboa, a interacção com as comunidades de origem migrante e o diálogo intercultural, a estabelecer também com os seus países de origem (mais ou menos remota), observou-se ao longo de toda uma década uma orientação destituída da capacidade - ou antes, da vontade - de comunicação com as diferentes culturas e com os agentes que com elas directamente actuam, bem como de resposta às necessidades sentidas localmente em Lisboa e nas imediações. Pelo contrário, impôs-se a opção por meras acções pontuais, de animação do centro da cidade, com possível aparato festivo mas sem continuidade nem relevância local (programa Todos e Lisboa Encruzilhada de Mundos). E, com maior gravidade, a opção por um projecto megalómano de ostentação cultural (o Africa.Cont), de mera representação mundana pretensamente cosmopolita, subordinado a um programa de reabilitação patrimonial urbanística (as Tercenas do Marquês e a sua área, das Janelas Verdes à 24 de Julho - plano certamente necessário mas a desenvolver noutras condições), com o qual se consumiram verbas, se paralizaram políticas de cooperação e se perdeu credibilidade internacional, após a cimeira Africa-Europa de 2007 e a patética apresentação do projecto utópico sob a pala do Pavilhão de Portugal, um ano depois. A auto-crítica ficou por fazer.
Sacrificaram-se assim anos de possível diálogo e acção intercultural a gestos auto-centrados e de ambígua promoção de alguns nichos culturais, em condições em que a incapacidade de díálogo se somou à absorção em proveito próprio dos recursos comunitários disponíveis. Agora abre mais um espaço de exposições confidenciais, a Casa dos Mundos, enquanto se ignoram ou marginalizam as acções e associações que existem neste terreno. Este é mais um campo em que a CML vem fazendo concorrência a si própria através de diferentes departamentos, e concorrência aos agentes independentes.

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Destaco ainda um campo em que a acção da CML teve em tempos manifesto êxito e atingiu um claro reconhecimento: a fotografia. Assistiu-se desde 2006 (depois da organização dos programas desmesurados e confusos do LisboaPhoto de 2003 e 2005, tal como sucedera mas com mais qualidade no Mês da Fotografia de 1993, ao tempo de Jorge Sampaio) à notória menorização daquilo que foi a acção qualificada do Arquivo Fotográfico, o qual foi submetido ao âmbito e às limitações operacionais e orçamentais da área de Arquivos.
O que foi um dos trunfos da política cultural lisboeta passou a ter uma existência cinzenta e de alcance doméstico. Mas a fotografia, nas suas diversas vertentes, é por toda a parte um dos eixos mais dinâmicos das manifestações culturais, mais mobilizadores de públicos e mais intervenientes em muito diversas direcções, técnicas, artísticas e políticas. No pouco que subsiste, o fechamento estético é manifesto (mas ressalvo a próxima exposição da Galeria Av. da Índia, vinda de Maputo).
Também o destino da Hemeroteca, destituída da sua antiga sede e deslocalizado para um espaço menor e obviamente insuficiente, ilustra a prioridade conferida às opções que têm mais a ver com as festividades efémeras e a visibilidade superficial do que com a atenção às instituições de referência em que a CML tinha e devia continuar a ter um papel destacado e insubstituível. Os equipamentos estruturantes têm sido sacrificados à política de eventos, com as possíveis excepções da renovação do Museu da Cidade e das Bibliotecas Municipais.

Uma última palavra, por agora, pode ser dirigida à informação veiculada na Agenda Cultural que certamente ganharia em concentrar-se nas iniciativas da CML e ao mais importante a acontecer nas freguesias em vez de as dissolver ou apagar num massificado cartaz de eventos indiferenciados (alargado a alguns artigos ocasionais e desgarrados), numa concorrência ineficaz com uma publicação como a Time Out e aos vários roteiros digitais existentes. O tempo de um cartaz generalista já passou, e a Agenda deveria agora divulgar e desenvolver de forma atenta as programações próprias da CML e aquelas que esta patrocina ou a que se associa.
Em todos os ítens teferidos colocam-se questões de reorientação de meios financeiros, a par da revisão das opções programáticas."

 

(a rever)

Miros no Le Figaro em 2014: um stock

 

Joan Miró : le pourquoi d'une annulation surprise à Londres

• Home ENCHERES Enchères
• • Par Béatrice De Rochebouet
  • Publié le 04/02/2014
    

 

ENCHÈRES - Coup de théâtre de dernière minute, Christie's vient d'annoncer que la vente aux enchères controversée de 85 œuvres du peintre catalan, n'aurait pas lieu à la suite de démêlés judiciaires au Portugal.

Bien ou mal pour le marché de l'art? Toujours est-il que c'est une vente à multiples rebondissements. Mardi, vers 13 h, alors que les collectionneurs, marchands et courtiers étaient déjà venus voir les 85 œuvres de Joan Miro exposées dans les salles de King Street avant leur vente ce mardi soir sous le marteau de Christie's, le tribunal administratif de Lisbonne confirmait l'autorisation d'une mise aux enchères de cette «collection» pourtant propriété de l'État portugais, pour renflouer les caisses de l'État. Les juges rejetaient ainsi la demande du parquet général qui avait recommandé au tribunal de suspendre la vente, des députés du Parti socialiste portugais, principale force d'opposition au gouvernement de centre droit, ayant alors agité le drapeau rouge.

Mais à 17 h 38, coup de théâtre, avec l'annonce par l'AFP «d'enchères annulées pour 85 œuvres de Miro suite à une action judiciaire au Portugal». Joint quelques minutes plus tard par le marché en alerte, Olivier Camus, directeur du département impressionniste et moderne de Christie's Londres, confirmait la dispersion. Mais vers 18h, la rumeur de cette annulation «dans laquelle Christie's n'est pas partie prenante» devenait réalité. «Les incertitudes judiciaires créées par le différend (entre l'État et des députés d'opposition au Portugal au sujet de cette vente) signifient que nous ne pouvons pas proposer ces œuvres à la vente» mardi soir et mercredi à Londres, précisait un peu plus tard Christie's. Et d'ajouter: «Nous avons la responsabilité à l'égard de nos clients de leur transmettre, sans problème aucun, les droits de propriété».

Même si, pour Christie's, les résultats de la saison impressionniste et moderne risque d'être sérieusement amputés - l'ensemble était annoncé à une estimation autour de 30 millions de livres (36,4 millions d'euros) -, c'est plutôt une nouvelle salvatrice. Cet ensemble qu'il est impropre de qualifier de «collection» sentait le roussi. Celui-ci appartenait à la Banco Português de Negócios, BPN, nationalisée en 2008 à la suite d'une affaire de fraude et de blanchiment d'argent. Depuis, la BPN avait été revendue à une banque angolaise, la BIC qui s'était bien gardée de racheter les œuvres en question.

Un énorme stock et pas une collection.

Tout le marché était au courant que cet ensemble arriverait un jours aux enchères. «Il s'agit d'un fonds de stock dont on peut remonter l'origine et qui a suivi un circuit international complexe en passant par divers intermédiaires, explique un courtier international bien connu des ventes d'art moderne à Londres et à New York. Première étape: Pierre Matisse un célèbre marchand de l'après guerre. Le fils d'Henri Matisse installé à New York était connu pour avoir défendu Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, Marc Chagall et Joan Miro. En 1981, il cessait ses activités et la galerie Acquavella en collaboration avec Sotheby's rachetait son énorme stock. Certaines œuvres seraient ensuite passées entre les mains d'un marchand parisien, Claude Kechichian, avant de partir au Japon. On retrouve leur trace en 1992 au musée d'art de Yokohama lorsque l'institution organisa une exposition consacrée au peintre catalan. La BPN aurait fait l'acquisition du stock entre 2000 et 2006 dans le but de créer un musée consacré à Miro. Quel fut le montant de l'acquisition? Difficile à savoir…

La lutte acharnée que se livre le duopole Sotheby's et Christie's pour séduire les vendeurs et décrocher toujours plus n'a pas que du bon. L'État portugais avait sans doute été alléché par les conditions de la maison de François Pinault incitant à une dispersion à Londres, en ce début de saison plutôt prometteuse avec de très belles pièces. Dans le cas d'une telle vente sur décision de justice, impossible de faire des transactions en privées, pas assez transparentes aux vues de tous. Impossible aussi, pour les mêmes raisons, d'obtenir une garantie de la maison ou d'un tiers. Impossible également de ne pas mettre de prix de réserve ou de les faire baisser à la dernière minute, en fonction du climat économique du moment.

Dans cette chronique d'un désastre annoncé, Christie's s'en sort la tête haute, Vendre autant d'œuvres de Miro, de plus pas toujours de la meilleure période, était une pure folie, selon les spécialistes du marché. Après des records en 2012 (20,2 millions d'euros pour «Le corps de ma brune», de 1925, une des meilleures périodes), la cote avait connu un fléchissement. Dans cet ensemble qui aurait du se vendre, mardi soir, à Londres, il y avait beaucoup de pièces plus tardives. Hormis quelques lots comme un dessin au crayon rehaussé de couleurs de 1924, dans une veine surréaliste, le reste n'était pas du goût des amateurs pointus de Miro. Un tel afflux d'œuvres de bien moins belle facture aurait certainement eu un impact négatif sur son marché. Et personne ne croyait au miracle…

O Miguel está acima do falatório do Facebook

aliás, ele está acima de tudo e todos. Interessa-se por ele próprio e pelo que lhe interessa. É auto-referencial, tautológico e certamente autista (ou, vá lá, Asperger?), e, como é natural, inteligente, mas não vou tentar confirmar se continua arguto e brilhante (seria?), porque nunca tive paciência para o ler, nem necessidade de o ler. Não será agora a 1ª vez. Fiz uma exposição com ele, como co-comissário (em parceria com a Lúcia Marques), e correu bem. Um dia cheguei à Culturgest e ele tinha feito alterações ao catálogo e queria ocupar-se de tudo. Disse-lhe que não podia ser e ele retirou. Era uma exposição que ele herdara, o Xana. Certamente uma coisa muito inferior àquilo que aprecia, e que eu não aprecio. Vou lá de ano a ano, a ver se melhorou, mas os diques continuam a proteger o seu feudo nos Países Baixos. E vou ver artistas que considero, e que ele sempre maltratou ou desorientou: o José Loureiro e o João  Queiroz.

No Facebook comunica-se, bem ou mal. Comunica-se socialmente, o que não faz dele FB um OCS mas outra coisa, nova, útil e perigosa, aliciante e enfadonha, etc. Uma coisa viva, e não inerte como as obras de arte e não-arte que ele aprecia.

Adiante. Noto que o diálogo no FB começou comigo e acaba comigo (não é raro), por via da colaboração do Xana. O resto foi falatório. Fica transcrito para que se guarde a excelsa escrita do grande comissário W e a memória do diálogo sobre alguém acima de toda a crítica. (Por acaso, tinha escrito hoje no FB que a crítica de arte acabou por determinação de Bruxelas e do G20 devido à engenharia social aplicada à alteração e rarificação do mercado de trabalho. Não se pode dizer que nem todos são artistas embora tudo possa ser arte.

A partir daqui é dele ou transcrição dele:

Caríssimos,
Ontem, certa pessoa depositou em cima da minha mesa de trabalho, com ar muito divertido, umas folhas com a reprodução de uma conversa a várias vozes que se derramou no Facebook a pretexto de uma afirmação que eu teria feito acerca da crítica da arte e que me é atribuída num artigo da Inês Nadais, no jornal Público, escrito a propósito do vigésimo aniversário da Culturgest.
 
Como não uso, nunca usei, nem faço tenção de usar o Facebook, e como o assunto envolve a Culturgest, achei que o e-mail (a partir do meu endereço electrónico de trabalho) seria um veículo válido para um esclarecimento (a maioria dos participantes na conversa figura na minha lista de contactos); achei também que partilhar com um número mais alargado de pessoas aquele episódio e este esclarecimento poderia ajudar à boa disposição – se a leitura do falatório provocar, como me provocou a mim, sonoras gargalhadas, então tanto melhor.
Esperar que este e-mail tenha algum suplemento didáctico, isso já me parece wishful thinking. Não se pode ter tudo.
 
É sabido que o que se escreve (sobretudo nos jornais) é verdade, mas sucede que a citação no jornal Público, que suscitou a indignação de Luísa Soares de Oliveira e desencadeou tão eloquente falatório, não corresponde ao que eu disse.
É sabido que o que se escreve (sobretudo nos jornais) é verdade, mas não deixa de ser interessante constatar como isso é frequentemente naturalizado, dado por adquirido, no caso em apreço por uma “crítica de arte” que deveria conhecer melhor (e no mínimo pôr em dúvida) os mecanismos e processos de edição jornalística.
Foi longa a minha conversa telefónica com a jornalista Inês Nadais (quem me conhece sabe que falo pelos cotovelos), era escasso o espaço disponível no jornal para o artigo (e para citações), e muito reduzido o tempo para a jornalista editar as minhas declarações. Nas parcas citações que me são atribuídas o que eu digo surge truncado e/ou descontextualizado – em palavras mais simpáticas, sintetizado.
Para quem não teve o prazer de acompanhar o falatório, ou mesmo nele participar, reproduzo-o a seguir a esta missiva.
 
Vamos então ao esclarecimento:
O que eu disse à Inês Nadais na referida conversa telefónica (e recorro à minha memória para me parafrasear) foi o seguinte: face aos cortes no orçamento das exposições e aos constrangimentos daí decorrentes, não sobrava outra alternativa que não fosse redefinir estratégias de programação e adoptar maior flexibilidade táctica a esse respeito, desde logo reduzindo o volume e o ritmo de actividade. E dei como exemplo categórico o facto de se ter interrompido o programa de exposições na galeria da Culturgest no Porto, transformando este espaço numa livraria de arte e reservando apenas uma sala para situações expositivas ou para a apresentação de obras, consoante as possibilidades oferecidas pelo orçamento. Não se pode caçar com cão, caça-se com gato, foi uma expressão que usei a propósito. Acrescentei que esta solução (de recurso) não nos envergonhava, muito pelo contrário, pois considerávamos que a livraria de arte, que nasceu junto às galerias de exposições da Culturgest em Lisboa, em 2011, é um projecto de enorme relevância no contexto cultural e artístico português, tendo uma função (didáctica) muito importante a desempenhar também no Porto. E rematei este ponto da conversa dizendo que, de qualquer modo, já há algum tempo que me vinha questionando sobre a racionalidade económica de fazer um programa de exposições na Culturgest do Porto, sobre o sentido de despender uma parte significativa do orçamento e muito trabalho a organizar exposições que tinham muito pouco público e do qual não só os media e o jornalismo cultural em geral, mas também os críticos de arte, se alheavam desde há vários anos – pus, naturalmente, a ênfase na demissão dos “críticos de arte” relativamente às suas responsabilidades.
Parentesis: a questão da deserção (demissão) da crítica de arte diz respeito sobretudo à necessidade de um debate no espaço público acerca da arte, e não tanto à sua influência sobre os fluxos de público.
 
Não deixa de ser, no mínimo, curioso que seja Luísa Soares de Oliveira a enfiar uma carapuça imaginária mas que lhe assenta na perfeição, uma vez que a “crítica de arte” em questão se remeteu ao silêncio relativamente às exposições na Culturgest, sejam elas em Lisboa ou no Porto, desde que escreveu um artigo ensandecido no jornal Público, no Verão de 2008, denegrindo a exposição retrospectiva (e o trabalho) de Willem Oorebeek, e aproveitando a embalagem para dizer o que lhe ia na alma ou nas tripas em relação ao programa de exposições da Culturgest por mim elaborada. Um enternecedor voto de silêncio, quase tão purificador quanto o voto de castidade.
 
Não gostaria de me alongar demasiado e abusar da vossa paciência, mas antes de vos deixar com a prosa no Facebook, e para que não restem dúvidas acerca da minha posição relativamente à crítica de arte em Portugal, reproduzo as minhas respostas a duas perguntas simples que me foram endereçadas pela Revista4 e publicadas nessa revista há uns meses:
 
“R4 – Enquanto curador e programador de exposições de arte contemporânea, que lugar confere à crítica de arte feita em Portugal nos últimos 15 anos, e de que forma entende a relação entre exposição e recepção crítica na produção do seu trabalho?
“MW – Nos últimos quinze anos, a crítica de arte em Portugal tem tido um lugar (ou tem desempenhado um papel) insignificante. Pior do que isso, nos últimos anos a crítica de arte em Portugal passou de insignificante a inexistente.
“Como se depreende da resposta anterior, e com grande pena minha, a relação entre exposição e recepção crítica (em Portugal) na produção do meu trabalho tem sido nula.”
 
Daqui um bem hajam dirigido a todos os entusiastas do Facebook!
 
Miguel
 
 
Luisa Soares de Oliveira
 
4/10
Diz o Miguel Wandschneider na entrevista que dá hoje no Público à Inês Nadais, a propósito dos 20 anos da Culturgest, que o espaço do Porto foi reconvertido em livraria de arte devido "ao total desinteresse da crítica, logo dos públicos". Ah, como é bom, e como deve ser reconfortante culpar a critica de tudo o que de mal acontece! Tirando isto, que não interessa a ninguém, a ligação que o MW faz entre críticas e públicos é muito interessante e tem que se lhe diga. Será que a crítica (na imprensa; suponho que ele está a referir-se a isso) condiciona efectivamente os públicos? estou aqui a lembrar-me de casos de sucesso de exposições que não precisaram da crítica para nada, e que mesmo com críticas negativas (e poisitivas) tiveram milhares (centenas de milhares até!) de visitantes. Acho que o MW nos está a dar um poder que não temos, nem queremos ter. E penso que a divulgação, tanto como a crítica, passa hoje por canais que não se podem ignorar. O Facebook, como o Twitter e os blogs, são imprescincíveis na formação de um gosto, um público, uma opinião crítica. Mais do que isso, a capacidade de estabelecer ou de se integrar numa rede social de cumplicidades é fundamental para a aceitação dos projectos próprios. Gostava que o MW fosse tão lesto a interrogar-se sobre estes assuntos como o é a atacar os críticos de arte.
Dou um exemplo que vou buscar propositadamente fora do círculo das artes plásticas: o do Jorge Silva Melo que quase todos os dias nos fala aqui dos seus Artistas Unidos, sempre educadamente e com sabedoria. É impossível não saber o que lá se passa, não ter vontade de ir ver, não descurarmos uma notícia que saia no Ipsilon ou no Cartaz do Expresso a propósito do espectáculo que ele tem em cena.
Nunca o vi acusar a crítica de não ter públicos. Podia falar do Alexandre Pomar, que faz o mesmo para a sua A Pequena Galeria, mas como já disse não quero entrar pelas artes plásticas. O Jorge chega.
 
Alexandre Pomar Na livraria da Culturgest de Lisboa encontrei alguns livros admiráveis, com preços muito favorecidos.
4/10 às 15:09 • 2
Luisa Soares de Oliveira ora estás a ver, não é nenhum desprimor transformar um espaço de exposições em livraria de arte...
4/10 às 15:10 • 2
Ana Pérez-Quiroga Acabei de fotografar esta nova versão do espaço em livraria. Mas ainda tem um pequeno espaço expositivo em cima e claro os cofres em baixo.
4/10 às 15:13 através de telemóvel • 2
Colaco Tomas Se hovesse aqui o público iria le-lo, talvez.
4/10 às 15:20 • 1
Nuno Nunes-Ferreira não querendo dar razão a ninguém acho que a critica muito raramente sai de Lisboa para ir ao Porto ou a outras paragens. mas isto é uma opinião pessoal...
4/10 às 15:29 • 4
Maria de Morais humildemente parece-me que tantos uns como outros, gostam de ter a papinha feita... mas bon, c'est juste une idée
4/10 às 15:52 • 1
Colaco Tomas ui ui, a conversa está quentinha.
4/10 às 15:56 • 1
Maria de Morais ou nao estivesses na bela cidade d'Aix en Provence, je crois que je vais y vivre un temps incertain
4/10 às 16:00 • 1
Colaco Tomas viens, il fait beau en plus!Ver tradução
4/10 às 16:01 • 1
Luisa Soares de Oliveira pois sai, Nuno... é que há cada vez menos pessoas que compram jornais, logo menos leitores, logo orçamentos mais reduzidos, para viagens e estadias ... porque é que o Porto não produz um crítico de qualidade, pergunto eu?
4/10 às 16:01 • 2
Luisa Soares de Oliveira boa ideia, maria, deixa-te estar por aí.
4/10 às 16:01
Maria de Morais ??
4/10 às 16:03 • 1
Colaco Tomas Eu acho que a Luísa ficou a achar que estavas aqui em Aix....é isso?
4/10 às 16:04 • 1
Maria de Morais nao percebi, ou nao gostou do meu post
4/10 às 16:05 • Editado • 1
Luisa Soares de Oliveira não estás em Aix, Maria?
4/10 às 16:05 • 1
Colaco Tomas eheh, não. pelo menos aqui nesta rua não a vejo.
4/10 às 16:05 • 1
Luisa Soares de Oliveira então quem é que está em Aix? mas que confusão
4/10 às 16:06 • Editado
Maria de Morais até quando?
4/10 às 16:12 • 1
Maria de Morais este ano nao ha nenhuma galeria portuguesa na Fiac,
4/10 às 16:13 • Editado • 1
Alexandre Alves Barata felizmente, o artista está sempre em auto-gestão !
4/10 às 16:19 • Editado • 3
Jorge Silva Melo Auto artista!
4/10 às 17:11 através de telemóvel • 2
Maria de Morais "Auto gestao" faz me pensar a umas conversas com Nicolas Bouriaud sobre a economia do artista e esta aos impasses antropológicos que Richard Sennett interroga - Comment poursuivre des fins à long terme dans une société qui ne connaît que le court terme ?
Comment entretenir des relations sociales durables ? Comment un être humain peut-il se forger une identité et construire un itinéraire dans une société faite d’épisodes et de fragments ? Poderia ser uma porta aberta para um ciclo de artistas que questionam o lugar do corpo humano nestes ambientes “desertos” ou para aqueles que decidiram de quebrar o circulo establecendo uma outra economia num mundo que nao os tem em conta
4/10 às 18:10 • 2
Luis Silveirinha Muito havia a dizer sobre estes assuntos. A critica é importante?O destaque num jornal como o Publico ou o Expresso é importante? Talvez. A obra vai-se continuando a fazer independentemente das estrelas e das opiniões, agora é curioso e é verdade que há artistas que recebem sempre espaço para as criticas e outros não. Há artistas que realizam uma exposição e que se possivel nesse mesmo dia vêm uma critica - destaque sair. As pessoas ligam? O publico liga a isso? Não! O especializado talvez, os colecionadores, as instituições, os curadores....Os criticos têm o poder de divulgar, de chamar publico, sobretudo de chamar a atenção para os pares. Penso eu!
4/10 às 18:51 • 3
Manuel Graça Dias Eu acho que a crítica raramente vai a Aix!
4/10 às 19:10 através de telemóvel • 2
Luisa Soares de Oliveira Manel, caríssimo Manel, tens toda a razão. É uma injustiça. São sempre os mesmos que vão.
4/10 às 19:16 • 3
Luís Brilhante Tanto ruído, mas afinal é apenas uma opinião a do MW.
Resta é saber quem faz um trabalho sério com a devida distância daquilo que admira. E aí sim é preciso ter cautela, tem de se estar sempre com a objeção pronta, a ver se é demolível (o que se admira), que afinal não tem qualquer utilidade. Creio ser este o exercício fundamental e o caminho a trilhar no famoso triângulo - critica, público e artista.
4/10 às 19:26 • 2
Susana Neves Se uma crítica revelar informação interessante e for honesta (não dizer maravilhas de uma nulidade ou não desvalorizar o que tem valor) e se o critico conseguir que o jornal valorize com boas imagens o trabalho do artista, se for visualmente interessante, penso que algumas pessoas se mobilizam. Já me aconteceu quer por ter escrito quer por terem escrito sobre o meu trabalho. Mas não é decisivo.
4/10 às 20:45 • 2
Susana Neves Penso que a falta de público tem muitas vezes a ver com a fealdade e o vazio do que é proposto como arte. Mas também é verdade que o grande público vai ver sobretudo o que é mediático, e isso é também um efeito do desprezo pela multiplicidade de linguagens artísticas preconizada pelos media. Portanto, a falta de público é uma questão complexa.
4/10 às 20:57 • Editado • 1
Jorge Silva Melo Ai. Luísa, no PUBLICO, o teatro que fazemos - fraquito, bem sei, dantesco no sentido do Júlio Dantas, académico... - deixou de aparecer há algum (muito) tempo - desde que lá assomou quem impunemente afirma - e publica, todo lampeiro - que PLAUTO é um clássico GREGO. (Santa Ignorancia, santíssima).
4/10 às 20:56 • 6
Joao Silverio em que passo do universo estará agora a memória de Diderot?
4/10 às 21:17 • 3
Jorge Silva Melo ah...
4/10 às 21:17 • 2
José Batista Marques Factualmente, a sociedade líquida da pós-modernidade começará cada vez mais a definir as suas pequenas unidades de sobrevivência.
4/10 às 22:37 através de telemóvel • 2
Manuel Graça Dias Essa da "sociedade líquida" é copos, não é?
5/10 às 0:24 através de telemóvel • 5
Raquel Ribeiro Eu acho lindo é que tu ainda dizes o Cartaz do expresso
5/10 às 1:03 através de telemóvel • 2
José Batista Marques Caro Manuel, em rigor: sex&drugs&rock&roll + copos
5/10 às 9:12 através de telemóvel • 2
Luisa Soares de Oliveira vocês são terríveis. Jorge Silva Melo, espero que não estejas a referir-te ao meu querido Tiago Bartolomeu Costa.
5/10 às 9:44 • 1
Jorge Silva Melo esse querido precisa de receber umas boas aulas de introdução ao teatro, Luísa...
5/10 às 10:08 • 2
Luisa Soares de Oliveira que tolice, Jorge Silva Melo... ele que até te dá tanta atenção...
5/10 às 10:31 • 1
Jorge Silva Melo Luisa, queres uma lista de erros de palmatória? farei um workshop, vais ver...
5/10 às 10:35 • 1
Luisa Soares de Oliveira não, Jorge, tinha que começar pelos meus, que são às centenas.
5/10 às 10:35 • 2
Jorge Silva Melo ... mas já tenho milhares...
5/10 às 10:38 • 1
Luisa Soares de Oliveira ... além de que sou amiga do Tiago, e logicamente não quero que ninguém venha dizer mal dele no meu mural.
Bem, estou a ver que afinal, tens tanta pedra no sapato contra a crítica de teatro quanto o MW, de quem eu pensava que tu eras bem diferente... a minha conversa acima cai por terra.
5/10 às 11:40 • 1
Jorge Silva Melo olha... não me magoa com a queda...
5/10 às 11:41 • 1
Alexandre Pomar A conversa não me parece estimulante, e vamos tendo de calar muita coisa. Mas lembro-me de um recente texto que me fez escrever para o Público e tb no fb, escandalizado com um erro óbvio e grave. Depois o Jorge assinalou mais 3 ou 4 nas mesmas páginas. Claro que sabemos que já não há revisores, nem copydesks, nem editores que leiam e corrijam ou interpelem. Agora é sem rede - e ao fim de algum tempo sem leitores.
5/10 às 13:19 • 4
Transboavista Art Edifício A crítica a que o MW se refere e gostaria de ter, não me parece ter leitores e, consequentemente não tem poder próprio! É verdade, a morte traz sempre uma desculpa.
5/10 às 15:34 • 2
Alexandre Alves Barata repito o que Alexandre Pomar disse: "... e vamos tendo de calar muita coisa" , porque o debate de ideias está a desaparecer.. ou talvez nunca tenha sobrevivido ao "estado novo"...

FESTIVAIS A MAIS

É altura de dizer, em Lisboa:
JÁ HÁ FESTIVAIS A MAIS

Tudo pequenos festivais de miudezas, para ter algum pessoal e vários segmentos geracionais, corporativos e locais animados, mas nada de importante ou de destacável. Vale a pena percorrer a AGENDA de Setembro e sumariar os eventos "imperdíveis" (como dizem as minhas amigas no fb). Desde o "festival toca e foge" e "festival chaves na mão" ao "festival faz de conta" e à "festa de nicho" (e estou a referir exemplos reais). Ele é o Todos, o Lisbon Week, a Trienal de Arquitectura, a Festa do Cinema Francês, o Festival Design & Performance, o Festival Internacional de Cinema de Terror, o Festival Queer, Arquitecturas Film Festival Lisboa 2013, o Festival Caixa Alfama, o Festival Cantabile, o Bairro das Artes, as Jornadas Europeias de Património, o MOVES (?) 1ª Mostra de Actividades Culturais e acaba a Agenda com o anúncio do São Luíz "Vai ser uma festa em Setembro". Festa é a palavra chave, e serve para recobrir toda esta reinação.

(Não tenha nada contra a miuda curadoira que estava na Bienal de Gwangju (Coreia do Sul) quando lhe falaram do anúncio - deve ser tão boa como outra qualquer. As palavras-chave são "tudo se equivale" e "siga a festa")

 

Não se passa nada, mas é um fartar miudagem (refiro não a idade mas as miudezas, ou ambas as coisas). Claro que tudo isto apoia uma gentrificação soft (Poço dos Negros, Bica, Cais Sodré, Martim Moniz, Intendente, etc), certamente desenhada, sustentada no que os franceses chamam "bo-bo", de bourgeois bohème (já vem na Wikipedia). E com isto distribui-se uns trocos pelo pessoal das artes, que está a aprender que tem de saber vender espectáculos, exposições, ideias, produções, instalações e animações em geral, naturalmente como trabalhadores precários, porque ser "criador" não é profissão, e, como se sabe há muito, fazem-se artistas - regras da CE - porque já há poucas actividades produtivas e os artistas são desempregados com boa auto-consciência, boa auto-imagem, menos reivindicativos que trabalhadores sem trabalho: sempre podem inventar a sua actividade. São várias mutações profundas, que se vivem discretamente, sem se anunciarem.
Claro que estamos em tempo eleitoral e claro que há alguns interessantes "equipamentos culturais" abertos recentemente ou ainda a abrir. Claro que há grandes equívocos que ficaram pelo caminho graças à crise, como a megalomania do Africa.Cont à 24 de Julho, e outros aguardam solução, como o Museu dos Coches (Sócrates-e-Pinho) e o Pavilhão de Portugal. E não se repetiu a já esquecida bienal de Escultura Pública que encheu de vergonha as ruas de Lx por conta de uma negociata lá para os lados da Comporta.

Em geral, agora há só espuma, a gosto de todos os nichos, e quem quiser escolher dois eventos culturalmente significativos, ou uma só exposição marcante, tem muita dificuldade. Não vale distinguir o que seria a Cultura e o entretenimento, separando o que é o espaço social do "sério" e erudito" e o espaço da animação, de toda esta efervescência de verão e de rua, convivial-turístico-juvenil-el eitoral-mundana, etc. Não há campos estanques e a Grande Divisão entre cultura de massas e de elite deve ser sempre posta em causa. Mas, entretanto, vale a pena ler a prosa promocional da Agenda Cultural Lisboa SET 2013 (com o seu design esforçado e de difícil leitura: o que conta é o look e a assinatura Silva!Designers, que já fez coisas brilhantes) para saber por onde vamos (mal):
"Mas como nem só da alma se vive, tem agora uma vasta oferta de esplanadas e restaurantes onde retemperar energias"... e "pode ainda ficar para a noite, pois ... oferecem agitação até altas horas". Adiante: "Para esta nova 'caminhada' a organização promete muita cor, muitos sons e muitos paladares." Muito, muita agitação, muita festa.

Tudo se equivale, há muita agitação em Lisboa: copos e convívio, noites e social. Claro que quem diz que há por aí uma CRISE e que a cultura vive uma época de abandono e estagnação se engana redondamente. Há um tempo de mudança e de experiências no âmbito da engenharia social (a convergência estratégica da CML e do Governo é outro tópico a interrogar, e não sou contra - notem-se as contas do aeroporto, mas também os velhos hospitais destinados a condomínios...)

Declaração de interesses: tb tenho um pé num dos festivais (e seria difícil escapar): coisa discreta, que estava programada antes do programa e para a qual o local de produção não recebe um tusto da CML. Tenho um pé e não uma mão, entenda-se.

Será possível acompanhar este tempos de festa com alguma reflexão em torno do tema: JÁ HÁ FESTIVAIS A MAIS ?

E pelo caminho identificar os equipamentos, as estruturas, os museus, os lugares subvalorizados, esquecidos, ameaçados? Por exemplo o Espelho de Água e o Museu de Arte Popular (para quando uma parceria CML/SEC para devolver o Museu a Belém), o património e os Museus do Hospital Miguel Bombarda (os negócios da ESTAMO/CML), o Arquivo de Fotografia (sempre sacrificado ao apoio a eventos), o Museu da Cidade, a Hemeroteca (em trânsito ou em redução de serviços?).

EM LISBOA JÁ HÁ FESTIVAIS A MAIS...

 

Transcrevo alguns diálogos públicos no facebook, agradecendo a colaboração:

Pedro dos Reis (1 / 9): Olhando em perspectiva arrisco a dizer que a Cultura sempre foi de alguma forma instrumentalizada.
Vejamos, por exemplo, o que se passa com a Lei do Mecenato e a sua implementação no "mundo real". Sim, são privados, mas usam um recurso providenciado pela legislação para contornar a fiscalidade da sua actividade... e que vai alimentando o que o Alexandre descreve sobre "bienais" e outras "pontas de icebergue" culturais. 

Alexandre Pomar Sim Pedro, sempre foi instrumentalizada (foi servindo muito e variáveis fins, e a maior arte servia e serve: Bach e Velazquez, até aos dias de hoje, às vezes com menor dependência visível - príncipes e papas deram lugar a titulares e gestores menos reconhecíveis mas presentes) e jogou sempre com isso para existir e para sobreviver ao seu uso momentâneo e local.

Foi sempre património (no duplo sentido), capital e investimento, não vale ser ingénuo. A ideia de autonomia (negando a função, a encomenda, a atenção pela recepção) tem sido uma tentação tão equívoca e perigosa como a instrumentalização. Não é esse o problema, mas a captura total e não reflectida pelas instituições-e-poderes mais os seus interesses, a dependência inconsciente e acrítica, a aceitação passiva e feliz (para isso serve a festa que o poder oferece, seja o Costa ou o Xavier).

Quanto ao Mecenato, ele é em geral promoção da Marca (Comunicação e Marca chamam-se os serviços que tratam disso) e é quase todo capturado (também) pelas entidades oficiais: câmaras e governos, os seus institutos e anexos sem chegar às entidades e projectos independentes (se eles existem) - as tutelas exigem e absorvem o pouco mecenato disponível.

O Mecenato individual e particular, anónimo ou não, independente, de maior ou menor escala, associado ao gosto próprio, é que tem desaparecido (por exemplo as ofertas aos museus), até porque a palavra e a prática se corromperam com a evidência do que é o mecenato institucional.

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Carlos Fragateiro (1 / 9): (...) Uma certeza tenho, que Lisboa tem condicoes e merece um grande festival que mostrasse a Lisboa plataforma dos mundos que ja foi e hoje tem que voltar a ser.

• Alexandre Pomar A prioridade deve estar nas plataformas e nos equipamentos, e sobre a regularidade e qualidade das suas programações podem existir momentos de excepção que são os grandes festivais. Substituir as agendas constantes dos equipamentos (onde os directores não tem meios para mandar cantar um cego - ou convidar um cantor invisual? - e são estrangulados por uma burocracia cega) por uma profusão de micro-pequenos-e-médios festivais é uma política cultural que se subordina às tácticas da sustentação económica (indiscriminada ou elitista?) dos jovens artistas e da gentrificação. A par dessas motivações de ordem política e social, e cultural por via do entretenimento e da "animação", têm de existir outros objectivos e outros meios.
• Alexandre Pomar Quanto à "plataforma dos mundos" de que falas, Carlos, tivemos o escândalo e o impasse de anos que foi o megalómano Africa.Cont do Sócrates e do José António Fernandes Dias, sustentada pelo Costa que queria resolver o buraco das Tercenas e abrir uma praça na 24 de Julho. Temos o LEM (Lisboa Encruzilhada de Mundos) e o Todos, modelo "festival chave na mão" atribuído a uma empresa de eventos, mais as animações de bairro. É pouco e insuficientemente pensado. E temos por via da Gulbenkian o Próximo Futuro (como a FG em geral, acima de toda a crítica). Por aí será prematuro pensar num "grande festival": era preciso por os canais de relacionamento regular a funcionar e definir um espaço estratégico (geo-estratégico, mas alguns patetas virão falar de neo-colonialismo) internacional de actuação. Importar e distribuir livros, apoiar e intermediar a circulação de produções no espaço exterior, estar presente nos festivais africanos antes de fazer festivais em Lisboa, etc - coisas mais fundas e menos mundanas.

E obrigado Manuel Falcão por recuperares a nota já no dia 4. O tema toca em muitos interesses, grandes e pequenos, em muitas corporações. Alguém dizia, que isto dos festivais e do seu excesso significa uma mudança de paradigma. Agora é assim.

A questão não está na proliferação dos festivais (nos eventos, nas festas, nos convívios), mas na desmontagem do que lhes deve servir de rectaguarda, está na fragilização dos equipamentos e das suas programações (museus, teatros, bibliotecas, cinematecas, arquivos, etc), subordinadas a outros interesses imediatos: ora eleitorais, ora de redistribuição de rendimentos, apoio à requalificação de áreas urbanas e competição entre cidades, etc. (4/9)

lusofonia em vários episódios, revisão

A 19 de Janeiro editei aqui a "Lusofonia 1" , em resposta ao artigo de António Pinto Ribeiro, "Para acabar de vez com a Lusofonia", publicado no Público / Ipsilon de 18 Janeiro 2013 e reproduzido no Buala ( (secção "A Ler"). Era já a adaptação mais cordata de uma reação imediata no Facebook.

Começa assim, muito mal: "A lusofonia é a última marca de um império que já não existe. E o último impedimento a um trabalho adulto sobre as múltiplas identidades dos países que falam português" (sic).

No mesmo dia 19 acrescentei a "Lusofonia 2" que visava em especial o que seria a história inscrita no conceito de lusofonia:  "Alimentada pela esquerda mais retrógrada e pela direita mais nacionalista e nostálgica do império, a lusofonia tem uma história, balizada por alguns acontecimentos." Lembrando um outro episódio crítico sobre o mesmo tema, era-me particularmente interessante referir a complexidade política do pensamento colonialista, citando um nº especial da Seara Nova de 1926 sobre "O Problema Colonial".

A 20 de Janeiro continuei em "Lusofonia 3", propondo eu a ideia de que o ensaismo de Eduardo Lourenço, Alfredo Margarido e Miguel Vale de Almeida sobre estes tópicos tem alimentado a rotina académica especializada nas elocubrações identitárias, prolongadas talvez paradoxalmente na retórica dita pós-colonial, mas a sua operacionalidade é exígua quando se trata de passar dos bancos da escola ao relacionamento intercultural e internacional. Apoiava-me expressa e especialmente em Moisés de Lemos Martins, professor da U. do Minho, e na conferência " Lusofonia e Luso-tropicalismo : equívocos e possibilidades de dois conceitos hiper-identitários ", para pôr em causa a suposta confusão entre a eficácia da ideia e da prática da lusofonia e uma qualquer actualização portuguesa, consciente ou não, do passado colonial, tendo a nostalgia imperial como inevitável carga ideológica. Citava Maria Manuel Baptista e estudo «O conceito de lusofonia em Eduardo Lourenço: Para além do Multiculturalismo ‘Pós-humanista’, 2000.

Insisti no dia 21 com "Lusofonia 4" para contestar o que seriam argumentos históricos de uma pretensa história da lusofonia. Um confronto simples com a informação corrente.

A 1 de Fevereiro, o texto "Sobre refugiados e escravaturas" estava indirectamente relacionado.

Com data de 8 de Fevereiro acrescentei "Lusofonia 5" para abordar o que seria outro passo histórico do conceito de lusofonia, ou seja, a forma errada de lembrar o luso-tropicalismo de Gilberto Freyre, que o formulou em 1951, e de referir a recepção do sociólogo brasileiro em Portugal, primeiro por sectores democráticos e colonialistas, e depois pelo regime autoritário e colonial, só a partir daquela data e por iniciativa de sectores reformistas do regime. A continuidade do pensamento de G. Freyre num eminente antropólogo e político como Darcy Ribeiro é muito mais produtiva do que os seus críticos portugueses, presos a uma lógica oposicionista nacional e anacrónica.

Entre os comentários que se sucederam a esta "lusofonia 5" fiz referência rápida a um artigo de Cláudia Castelo publicado no Buala a 5 de Março, "O luso-tropicalismo e o colonialismo português tardio" (é autora de «O modo português de estar no mundo»: o luso-tropicalismo e a ideologia colonial portuguesa, 1998). Tem o mérito especial de abordar a relação (difícil) do Regime com a ideia e a prática da miscigenação, e de referir que "nas margens do discurso oficial, o luso-tropicalismo vai (foi) encontrando receptividade junto de especialistas de diversas áreas do saber", apontando os casos de "Jorge Dias (antropologia), Orlando Ribeiro e Francisco José Tenreiro (geografia), Adriano Moreira (ciência política), Mário Chicó (história da arte), Henrique de Barros (agronomia), Almerindo Lessa (ecologia humana); António Quadros (filosofia), etc."

Entretanto, a mesma "lusofonia 5" teve ontem, dia 9, outra contribuição dialogante do sociólogo José Pimentel Teixeira,  em Maputo. É mais uma expressão do "desconforto com a noção e com os seus implícitos" e da atenção aos "implícitos acriticados que a "lusofonia" transpira".

Mais ou menos MAP

Entre o Espelho d'Água e o Museu de Arte Popular (carregar para ampliar)

Qualquer autarca ou assim chamado, qualquer titular dos turismos, percebe que isto está ligado, o Museu de Arte Popular e o Espelho d'Água - edifícios sobreviventes da Exposição do Mundo Português, emblemáticos, mais ou menos readaptados e restaurados, prontos a usar. Em Belém, ao lado do Tejo (qual Expo, qual CCB - isto é do melhor...)

Ali no Espelho d'Água esteve um restaurante chinês mafioso que fechou e ficou só a máfia, com tiroteios e tudo. Depois terá havido a concessão pela CML por concurso ou sem ele a uma discoteca (mais uma) que não chegou a abrir.

O Museu tem a sua fachada oriental consolidada (já não caem pedaços do pórtico) e está apenas entreaberto, mas o Espelho d'Água continua encerrado há anos, o lago está uma porcaria. O Porto de Lisboa terá devolvido a tutela do Espelho d'Água à cidade, ou seja à CML (não é bem o mesmo, mas adiante, a qual confia a escolha do seu destino à Associação de Turismo de Lisboa (ATL), em que a Câmara se liga a parceiros privados e públicos.

Desde que se travou a destruição do MAP, sem a sua sorte ter caído em boas mãos, mais uma vez, e já antes durante a guerra em sua defesa, foi-se propondo que o Espelho d'Água devia ser articulado com o Museu, proporcionando um espaço dedicado em especial à sua extensão/projecção turística e comercial e gastronómica... Com uma gestão associada ATL/CML e Estado/Museus, ou concessionado a uma equipa de empresários interessados nas artes e tradições populares, conheço alguns, ou entregue (alugado?) a uma direcção eficaz do Museu, teríamos as qualidades do lugar e dos equipamentos (memória histórica, arquitecturas, conteúdos) potenciadas exponencialmente em termos de turismo e economia. Mete-se pelos olhos dentro que seria assim, mas parece sempre que os responsáveis são irresponsáveis e inimputáveis.

Sei que da parte do Ministério, ou já Secretaria de Estado da Cultura e Direcção-geral do Património Cultural (ou fórmulas antecedentes), foi proposta à CML essa via da parceria, mas o kafkiano labirinto camarário "comeu" o pedido em lugar incerto, diz alguém bem informado num comentário deixado no fb.

Entretanto já também soube a CML via ATL lançou em Nov./Dez. um concurso para o lugar, aberto a  propostas de diferentes âmbitos económicos, restauração, entretenimento, turismo, cultura e lazer, desde que as mesmas dinamizem turisticamente o espaço em questão e se enquadrem na zona envolvente, sem qualquer preocupação estrurante pelos desafios anteriormente referidos. É a selva, ou pior (maningâncias?, corrupções?)

O antigo projecto de ampliação do espaço do MAP (oficinas, galerias, etc), do tempo da Simoneta Luz Afonso (por sinal agora presidente da Assembleia Municipal, sem maioria, lembra-se do seu projecto?), deixou de ser viável devido ao hotel a juzante (Altis Belém, por acaso ou não um projecto Risco, Manuel Salgado). A solução para as carências do MAP, reconstituindo-se no seu interior, a função museológica está a montante, logo ali no Espelho d'Água. É o Turismo que pode servir de argumento à abertura, funcionamento, promoção, projecção, sucesso do MAP e do seu alargamento. Se esta gente tiver algum senso, alguma seriedade, etc...

Ainda pude abordar rapidamente o Jorge Barreto Xavier, ontem no MNE para insistir no assunto. E o ano de eleições em Lisboa poderia pôr o assunto na lista das prioridades...

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É verdade que o que seria o outro parceiro de uma estratégia ganhadora para este lugar assombrado desde há décadas não dá sinais de qualquer dinamismo. Depois de ter acolhido uma exposição (?) de videojogos - mesmo que as contrapartidas financeiras fossem interessantes (foram?), a tutela fez uma cedência intolerável - o Museu está agora em estado mínimo, sem acesso sequer à exp. dita inaugural em meio espaço, já dependente da direcção do MNE, a quem foi associado. Estão encerradas as galerias com as grandes pinturas murais e o MaP reduziu-se a uma sala única onde se projecta um vídeo de conteúdo mais do que problemático com 4 vitrinas de miniaturas (as miniaturas que obsecam o MNE) e uns bonecos de Estremoz. Há aqui uma delapidação de meios intolerável.

O edifício foi restaurado (já não caem pedados do pórtico), os bois foram pintados de vermelho (?) mas caíu-se na inacção total. A colecção foi capturada pelo MNE, devorada pela gula autista do Joaquim Pais de Brito. Está a ser estudada, diz-se.

Atentendo apenas à qualidade do lugar, às potencialidades dos equipamentos, tudo isto é um contra-senso ou um crime, em termos de economia, turismo, tempos livres - se o resto não lhes interessa.

 

Contra-manifesto

...grande parte dos manifestos que por aí circulam, e também das considerações autorais sobre o panorama cultural, são enganadores ou fraudulentos ao angariarem os seus apoiantes e admiradores através de uma ilusória promessa de destinos artísticos para todos graças à subsidiação universal

Jorge Varanda, pinturas (c. 1984-86). Exposição no CAM

A afirmação de que "Portugal se recusa a assegurar o mínimo para que a cultura e as artes continuem a existir" (uma coisa que vem hoje na Time Out a propósito de qualquer iniciativa intitulada Art Protesters, liderados por João Galrão e João Vilhena, e que será certamente prosa jornalística e não da autoria de artistas) é errada e destituída de sentido. Os mínimos, os médios mesmo (escolas, museus, exposições, programas variados, festivais, etc) existem, assegurados pelas estruturas públicas centrais, locais, particulares/mecenáticas e associativas (estas, que partem da iniciativa própria e colectiva, são as mais apagadas, o que dá que pensar), para além das iniciativas comerciais e individuais. Faltam certamente, oportunidades e condições mais favoráveis (encomendas, bolsas, prémios, aquisições para colecções públicas) tal como faltam oportunidades noutros sectores profissionais (ou melhor, neste caso das artes, sectores vocacionais), mas, ao contrário de outros trabalhadores, um artista não pode dizer que não tem trabalho, mesmo que não tenha "emprego". Aliás, espera-se que não ambicione um emprego. À partida, a condição de artista é já a de um privilegiado - alguém que tem o privilégio (ou procura ter esse privilégio) de fugir ao trabalho assalariado e de fazer o que gosta, de criar e realizar-se através dessa possibilidade de criação (seja lá o que isso quer dizer).

Ter emprego (“infelizmente em Portugal são poucos os artistas que se podem dar ao luxo de não ter emprego”): mas imensos artistas conhecidos fizeram as suas carreiras tendo empregos (para lá dos professores das Escolas, que são a maioria - artistas e professores de profissão certa - lembrem-se por ex. casos como o José de Guimarães que foi sempre oficial do exército, agora reformado; o Joaquim Rodrigo, que era eng. agrónomo; o Cruz Filipe, administrador de empresas). Outros tiveram bens de família (o Amadeo...), ou heranças e rendas, outros ainda têm maridos (ou mulheres) que ganham o sustento... Em geral, a condição de artista não era acessível a qualquer um. E em inúmeros casos de artistas com emprego (professores e outros), é o salário que garante o nível de vida e também a promoção da obra artística.

A auto-suficiência económica, em geral, conquista-se ao cabo de uma carreira ou (só desde os anos 80) de uma afirmação bem sucedida, não é um dado habitual de partida, não pode ser uma condição ou benesse assegurada desde início por "apoios oficiais", não pode ser uma exigência proclamada pelos jovens artistas - ou estudantes de artes, ou candidatos a artistas. Uma coisa é questionar a justiça de certos favoritismos, outra é pedir apoios para todos, ou para todos os que começam - e julgar que tal é possível ou até desejável. Os artistas precisam seguramente de ter auto-estima e auto-confiança, mas a auto-suficiência (a profissionalização, digamos) estará ao alcance de muito poucos.

Julgo que grande parte dos manifestos que por aí circulam, e também das análises opinativas sobre o panorama cultural, são enganadores, fraudulentos ou mesmo criminosos ao angariarem os seus apoiantes e admiradores através de uma ilusória promessa de destinos artísticos para todos graças à subsidiação universal ou equivalentes distribuições de apoios.

Mesmo que não se assegurassem os mínimos, como acima se diz, a cultura e arte continuariam a existir, com existiram antes nas condições de maior penúria ou de maior perseguição censória - a não ser que a burocratização da criação artística, a subordinação às tutelas e aos condicionalismos administrativos, tenha de tal modo condicionado já os seus praticantes, tenha a tal ponto pervertido as ambições e a liberdade dos criadores, que se tivesse atingido um ponto de não retorno. Por vezes alguém vem dizer que nas condições mais difíceis e restritivas, e em regimes de opressão e privação, a criação cultural atingiu em muitos casos a sua maior altura, mas o argumento não é recomendável. Também convém não acreditar que as situações de maior apoio público são as que conduzem a melhores índices de qualidade, e basta comparar a debilidade da arte espanhola das últimas décadas com a grandeza alcançada antes, apesar da multiplicação de museus e de mecenas.

Um ponto central em relação à encomenda pública e à aquisição de obras para colecções públicas, incluindo a atribuição de bolsas que permitam a um artistas dedicar-se por inteiro a um projecto, é que tais actos não têm como intenção primeira amparar inícios de carreira, estimular vocações ou substituir políticas assistencialistas. É a competência reconhecida, a qualidade comprovada, a excelência premiada que têm de servir de critérios de selecção a esse nível da intervenção pública (a distinguir dos processos de formação académica com que se constrói hoje e sempre o academismo). Não é essa condição que tem cumprido nos museus, que deveriam seguir uma política patrimonial, e não servirem de campo de angariação de clientelas e gestão de influências para críticos investidos no papel de gestores de equipamentos colectivos. Políticas demagógicas que trocaram a intervenção cultural pela engenharia social e pela manobra eleitoral têm, de facto, posto em risco a capacidade das instituições assegurarem medianamente as suas responsabilidades na preservação e investigação patrimonial, na ampliação das colecções dos museus, na qualificação de bibliotecas e arquivos (incluindo os arquivos de imagens e de textos dependentes de novas tecnologias), na promoção externa e na coprodução internacional.

Com a dimuição drástica do emprego nas actividades produtivas e também nos serviços abriu-se o espaço genérico das artes como precoce orientação escolar para massas imensas de jovens. Não se trata de formar artistas - todos eles capazes de assegurar a notoriedade das suas carreiras e a respectiva sustentabilidade profissional. Trata-se, por um lado, de fomentar a criatividade em geral, que pode ter a criação artística tradicional como modelo, mas se distribui de facto por inúmeros campos onde o que conta é a capacidade de inovar, de ter iniciativa, de circular entre actividades, de contar com a imaginação e a determinação próprias. Mais do que as disciplinas artísticas da tradição importam, em termos numéricos, as actividades possíveis nas múltiplas áreas da comunicação, do design e da moda, bem como dos lazeres ou entretenimento, os artesantos e todas as práticas da auto-suficiência, da ecologia à animação, eventualmente como um limbo de onde seja possível partir para profissões bem reconhecidas ou aceder a uma sobrevivência com auto-estima.
É uma questão de engenharia social em que se substitui o antigo “direito” ao emprego pela orientação e ambição artística como modelo de integração desejável em sociedade, uma integração individualista, atomizada, destituída naturalmente de um espírito reivindicativo que colectivamente se possa exercer. Em princípio o artista é alguém que se atribui um desígnio criativo, e que se dota de um auto-reconhecimento ou auto-estima quanto à sua actividade que é independente do juízo crítico alheio - para quase todos, o seu mérito é certo, mesmo que êxito não aconteça.

Grande parte da evolução da arte (em especial das artes visuais, que continuam a ser o paradigma da identidade artística, certamente devido ao seu valor de mercado - ao contrário da poesia, em especial) acompanha esta lógica em que a orientação dispensa a vocação, o que é comprovado por dois factos associados: por um lado, as artes visuais, que se diziam artes plásticas e antes belas-artes  desligaram-se em grande parte da ideia de que a sua prática requer um certo talento, uma habilidade ou competência, um saber fazer - por exemplo, saber desenhar, conseguir representar e traduzir uma semelhança com o visível (em todas as outras artes, mais identificadas com a execução do que com um produto material transaccionável, o talento e a competência não são dispensados). Por outro lado, mas em estreita ligação com o anterior, a evolução da arte conheceu um processo designado como a via da anti-arte, caracterizado pela destituição de todas as qualidades que poderiam ter definido a noção anterior de arte, o que se justifica tanto como um processo interno, de sucessão vanguardista, como com uma questão de subversão política, que seria revolucionária e anti-burguesa. Por sinal, trata-se de uma dinâmica que é anti-institucional para ser imediatamente recuperado no seio das instituições. Com essas duas linhas evolutivas prende-se a desvalorização da crítica, a qual só pode exercer-se como prática da discriminação de qualidades ou falta delas - com a canalização de grandes massas escolares para a área de artes, é essencial para a economia do sistema esvaziar a ideia de talento ou habilidade e silenciar o papel habitual da crítica.

O crescimento exponencial do número de artistas e de estudantes de artes e candidatos a artistas exige que os manifestos, em vez de reclamarem a continuidade de rotinas condenadas, produzam novas análises sobre a realidade presente e troquem as facilidades do ilusionismo político (de esquerda?) pela promoção de novas práticas. O entendimento da prática artística como produção de objectos e acontecimentos que são por natureza transaccionáveis ("consumidos" também no mercado museológico, de facto); a procura de uma sustentabilidade da produção assente no relacionamento prioritário com os seus públicos (em vez do destino institucional garantido e do circuito académico, como ponto de chegada da lógica vanguardista); o reconhecimento da importância das práticas amadoras ao nível da formação, da fruição e também da produção artística são alguns dos pontos a considerar pelos discursos que se queiram de ruptura, ou de reforma.

Representantes da cultura

escrevi no Facebook e transcrevo: "Representantes da cultura apresentam carta de reflexão sobre o estado do sector". Título do Público, que apresentava a sessão em directo, para apenas 50 (!) interessados, que saturavam o canal - não vi, não sei, não gosto. A auto-representação de quem dirige, programa, tutela (ou já dirigiu, tutelou e programa) é um facto insistente que representa bem a complexidade do sector. Os gestores avançam na primeira linha, num desfile de egos sem surpresas, mas os candidatos a artistas e actores parece que não engrossam as hostes: sabem que não há retorno da "mesmidade". Não querem/não queremos mais do mesmo (dos mesmos), há que intervir na crise encontrando outros modos, etc. E aflige a aflição dos desprotegidos oficiais do PS a recolher o lastro pelas margens que lhe falta no lugar próprio."

Há duas linhas de reflexão que parecem hoje necessárias para repensar a criação artística e a sua circulação (distinguindo esses dois momentos, já que a criação pode ser íntima e secreta, e a circulação implica a relação com o público, em diversas modalidades: encomenda, patrocínio, venda e/ou bilheteira, a oferta, a divulgação pela rede, etc).

A 1ª linha requer o entendimento das carreiras artísticas (ou ambições de carreira) como uma opção de risco, de desenvolvimento incerto no plano da sua efectivação real (a existência como artista e o seu reconhecimento social, para lá do período escolar, do auto-convencimento e da possível ficcionação), e em especial, quanto à sua continuidade no tempo e à respectiva viabilidade ou auto-sustentação económica. O risco vital da opção é no entanto equilibrado pela possibilidade da realização pessoal (não alienada nas funções impessoais de grande parte do trabalho assalariado), da independência individualista, do prazer próprio e partilhado, etc.

Está em causa a capacidade para dar sequência temporal a uma intenção artística que se mede pelo reconhecimento da sua qualidade, mérito, êxito, mas também pela auto-satisfação pessoalmente vivida. A actividade e identidade de artista, a "vida de artista", deve ser reconhecida como um trabalho, também como uma profisão (no caso de não se tratar de uma actividade artística amadora, o que também é possível e aceitável, e muito mais frequente do que se julga...), mas dificilmente pode ser encarada como um emprego e raramente existe no quadro do funcionalismo (público ou político).

A condição incerta do artista, a sua insegurança essencial ou radical (que se funda também na procura do novo e da novidade, na rotação geracional, como se verá depois, no ponto 2), é próxima da de outras actividades ou profissões criativas, que geralmente, em face das transformações do tecido económico e do mercado do trabalho, se viabilizam a nível empresarial de iniciativa própria, eventualmente de muito pequena escala. Nesse sentido, a situação do artista antecipou ou abriu caminho a respostas necessárias face  às alterações do modelo produtivo antes vigente. Há mais insegurança e também mais espaço para se ser criativo, não só em tempo da primeira formação mas em todo o tempo de vida activa.

É diferente a situação dos técnicos artísticos, da área do espectáculo e das indústrias criativas, que partilham algumas das características da condição de artista (e o envolvimento em projectos artísticos de risco) mas aspiram a garantias de estabilidade profissional associadas à tradição do emprego e mesmo do funcionalismo. E é também diversa a situação dos programadores, gestores e outros intermediários/mediadores, que ocuparam uma posição crescente (e preponderante?) entre os artistas e os encomendadores, sejam eles entidades empresariais com mecenato cultural, agentes privados ou políticas públicas. Se os artistas podem viver à beira da proletarização, à beira da penúria como risco, os gestores ocupam o lugar das burocracias.

O Estado, mesmo social (e mesmo contando com a existência de equipamentos e políticas culturais eficazes), não pode prometer que uma opção individual pela prática artística tenha uma garantia de êxito certa (mesmo que o candidato artista disponha de formação e talentos) e também assegurada no tempo (independente das flutuações da criavividade e vontade, ou dos fenómenos da novidade e da rotação geracional) - mas a opção pelo risco é certamente incentivadora da criação artística: parece até ser da "natureza" da arte, que não é redutível a uma actividade burocrática nem, em princípio, a uma prática oficinal rotineira. Aliás, alguma ou muita da prática artística decorre no espaço do amadorismo, que deve ser reconhecido, estimulado e apoiado (pode ser-se cineasta amador, e mais ainda com os novos meios, mas certamente não encenador de ópera...).

O aumento exponencial do número de artistas e candidatos a artistas - depois de derrubadas as ordens asseguradas pelas corporações e as academias, e ao longo do século XIX, com a aparição do público em geral e do espaço público, correspondendo a novas condições de mercado, e já também nos séculos seguintes - dá lugar a duas situações que traduzem o desiquilíbrio entre a oferta e a procura: a boémia e a aspiração à funcionarização.

Continua

Cultura e presente (notas provisórias)

Sobre um (mais um) documento que não subscrevo devido a discordâncias de fundo, em especial com o sentido do que possam ser as condições de uma acção política que tenha a ver com o campo alargado da criação artística e da comunicação ou consumo cultural (“Cultura e futuro”)...

Tem sido fatal o recurso muito frequente à ideia (à fórmula) da “rede”, que foi decalcada de um modelo único e irreprodutível: a rede das bibliotecas municipais. As redes de museus, entendida como a lista dos museus do Estado, ou como “rede nacional” ora associativa ora controlada pelas entidades centrais, tem sido coisas variadas. Todas as outras “redes” serão informais, voluntárias e livres, associativas, de geometria variável. Não existe senão como um argumento burocrático “uma rede de artistas, criadores, programadores, técnicos e produtores”, que se classifica como uma rede “complexa e de reconhecida excelência nacional e internacional”. Ignoro que existam artistas incluídos numa tal rede - espero que não, que não se deixem enredar. Será mais aceitável e é menos ameaçador usar o termo impreciso de “tecido artístico” ou tecido cultural, a que não se associa qualquer ideia de padronização e ligação estrita entre agentes ou indivíduos.

Discordo, desde logo, que se conceda a prioridade (neste contexto de crise e em qualquer outro) a reivindicações sobre orçamentos e investimentos destinados à criação artística, defendendo-se sem revisões sérias a "sustentabilidade" do que seria o anterior (ou actual, ainda?) "edifício" dos serviços públicos de cultura. Surpreende-me a perspectiva conservadora (salvaguardar o que se crê existir: a rede, a reconhecida excelência, as infraestruturas...), em vez de se optar pelo questionamento do que acontece e pela vontade de invenção de outras atitudes. É a debilitação crescente das infraestruturas culturais que constitui hoje o problema principal.

Percebo que se trata de um texto que traduz os interesses dos que se consideram os gestores do espaço cultural (do "edifício" dos serviços públicos), mas o que me parece necessário, num diálogo mais aberto, seria interrogar as necessidades dos públicos (os frequentadores e amadores-consumidores, porque, para lá de exercitarem o direito assegurado ao acesso à cultura, os públicos sustentam e financiam, pelo menos em parte, os bens culturais que consomem), as ambições dos artistas (não direi criadores, que são/somos todos, mas ao escrever ambição sublinho a auto-afirmação como artista, a candidatura à condição de artista, com os riscos inerentes à respectiva validação social), e em especial o relacionamento entre ambos, públicos e artistas - principal condição de possibilidade das artes numa sociedade democrática (não aristocrática e não autoritária: depois do regime da encomenda régia ou senhorial e do encargo político dos regimes totalitários). Relacionamento que se inscreve no espaço público democrático, uma demorada conquista histórica.

Por exemplo nas áreas do teatro e dança e artes visuais, para usar expressões tradicionais, o crescimento exponencial dos candidatos individuais e colectivos à condição de artistas (ou criadores) - para além da massa de gestores, agentes, formadores, técnicos e mediadores, incluindo curadores-programadores e críticos (um considerável "público profissional" que preenche as inaugurações e as "salas-estúdio" - inviabiliza a possibilidade de uma dependência dos poderes públicos enquanto garante do "acesso à criação" e suporte da produção, como se percebe pela extensão e pulverização das listas de subsídios que têm sido divulgadas. Há migalhas para todos (ou para muitos), mas os alicerces do “edifício” da subsidiação estão arruinados, para além de se lhe terem sacrificado as infrastruturas que constituem os serviços públicos da cultura (as bibliotecas, os museus, os arquivos, as colecções, os monumentos, os equipamentos dedicados à conservação e à investigação, etc).

Se a formação em "artes" é, para os poderes públicos, uma alternativa à desaparição do trabalho tradicional bem como à conflitualidade social do desemprego comum (é a engenharia social), além de ser um espaço generalista de incentivo à "criatividade" (à iniciativa individual e individualista - é a nova economia criativa), as agendas da programação cultural institucional não podem continuar voltadas para o estímulo a uma inviável profissionalização generalizada, mas devem, pelo contrário, apontar para a distinção das carreiras.

A questão da profissionalização no espaço da cultura e das artes tem de ser ponderadamente analisada, certamente reconhecendo distinções entre áreas disciplinares. O ensino artístico não tem por objectivo a profissionalização de artistas, mas a formação de públicos, e em geral de cidadãos informados e cultos. De leitores, ouvintes, espectadores, etc. De amadores em geral, enquanto consumidores e possivelmente também como praticantes (sem vontade ou condições de profissionalização). A desconsideração e mesmo a destruição das actividades e associações de amadores é uma marca evidente da fragilidade do nosso tecido cultural.
A formação escolar artística não assegura a profissionalização dos seus alunos como artistas, supondo-se que alguma intervenção pública posterior venha a sustentar generalizadamente aquilo que só o mérito reconhecido ou a excelência podem proporcionar, numa percentagem reduzida de aspirantes. As bolsas e as pós-graduações, que  em grande parte moldam um sistema neo-académico tão esclerosado como as academias do Antigo Regime, não fazem mais do adiar a questão da efectiva profissionalização (ou melhor, de uma auto-sustentação económica). Uma prática artística pode assentar numa formação académica (ou não), mas funda-se em algum talento ou vocação (ou determinação) que não se garantem à partida ou com qualquer diploma. Aliás, convém entender que um número muito elevado de artistas, designadamente de artistas plásticos, são-no graças às favoráveis condições económicas familiares e noutros casos graças ao exercício de outras profissões paralelas, mais ou menos ocultas. Citem-se no limite a carreira militar de José de Guimarães e os exemplos do engenheiro agrónomo Joaquim Rodrigo ou do administrador Cruz Filipe; aliás, em inúmeros casos os artistas exercem a profissão de professores e são, na realidade, artistas amadores.

De facto, a questão da profissionalização/desprofissionalização parece ser mais colocada pelos gestores e agentes culturais afins do que propriamente pelos artistas, para quem o destino enquanto artistas se coloca em termos de êxito, ou não, e de continuidade desse êxito, mas não enquanto direito adquirido e assegurado para a vida.

Outra questão a enfrentar tem a ver com a ideia de que o artista é à partida, ou deve ser, um produtor de bens transacionáveis, colocados nos mercados dos bens culturais, e não alguém que se considera com direito a ser sustentado pela sociedade da qual se distingue, acima da qual se eleva, porque como tal se considera a si mesmo. Se a “subsidiação” existe em condições imensamente variáveis conforme as áreas disciplinares (e conforme a dimensão individual ou colectiva, erudita ou popular, experimental ou “comercial” das práticas), ela não é um direito à criação mas o resultado de um reconhecimento, de uma encomenda, de um concurso, de um prémio.

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Tenho dificuldade de aceitar esta formulação: "Neste momento, como resultado de uma governação abertamente hostil à ideia de serviços públicos de cultura e que usa a crise como alibi, assistimos a uma rápida e progressiva desprofissionalização no sector cultural, ao fechamento das agendas culturais e à desagregação da identidade social dos equipamentos públicos." Corremos o risco de esquecer que nos cabe tomar a iniciativa de propor mudanças, perante uma realidade anterior que não deveríamos mitificar, em vez de nos entrincheirarmos na defesa de fragilidades socialmente injustas e de uma imutabilidade ilusória.

As alternativas à "profissionalização" de grande parte do sector cultural, experimentando fórmulas menos rígidas de pensar o trabalho (e o salário, e o emprego); a avaliação do fechamento autista ou autocentrado de muitas agendas culturais (identificando-se os próprios profissionais e estudantes da cultura com o pequeno público da cultura, numa segmentação dos nichos artísticos, que passou aliás, a reivindicar o destino minoritário da produção cultural); a crítica da identidade social dos equipamentos públicos como instâncias de diferenciação social e de gosto são temas que não deveriam ser deixados apenas  a cargo de uma  governação actual que se quer ser radical e experimental (mais do que conservadora ou liberal). Penso que há dimensões do serviço público, tal como ele se propôs constituir-se no passado recente (como sector terciário com os seus interesses próprios), e em especial na cultura (a Cultura), que devem ser repensados num quadro actual de redistribuição de riqueza global que naturalmente não continua a favorecer os antigos privilegiados.

Este não parece ser um espaço propício às certezas e à auto-satisfação. E a demagogia não funciona.

políticas culturais (1995-96)

A propósito de algumas actuais reflexões sobre a gestão da cultura e as ambições dos gestores culturais, reuni artigos de 1995 e 1996, de um tempo em que se procurou repensar o sector, antes de se vir a cair numa deriva autoritária e burocrática cujos custos ainda se pagam.

(abrir aqui)

Também se fala, entre outras coisas, da pré-história de Serralves, que ainda não tinha projecto arquitectónico definido, do CCB à deriva e do Museu do Chiado, que então ía abrir uma extensão contemporânea na Gare Marítima de Alcântara...

Sobre cultura e investimento público (e Daniel Oliveira)

A propósito de uma crónica de Daniel Oliveira, “Para acabar de vez com a cultura” (Expresso, 24 Maio 2012) — http://arrastao.org/2541012.html

“Sem investimento público (seja de Estados, seja de monarcas ou instituições mais ou menos públicas), não teríamos podido ouvir Bach ou contemplar grande parte do nosso património arquitectónico”.

A ideia de público, no caso da categoria investimento público (porque não se trata aqui de público ouvinte ou assistente, público amador e/ou consumidor...), não é objecto na crónica de Daniel Oliveira de qualquer diferenciação conceptual em função do poder concreto que decide e realiza aquele investimento — seja ele a igreja ou o rei, as cortes aristocráticas, os directórios revolucionários, os estados liberais ou absolutistas, os governos democráticos ou autoritários, as estruturas centrais ou locais, as fundações mecenáticas e as fundações de empresa (onde as relações públicas, a promoção da marca, a publicidade, a notoriedade dos gestores, as isenções fiscais, têm enorme peso), etc. Também não há distinção, no espaço geral do que aí se chama investimento, entre o serviço doméstico pessoal (do músico ou pintor de câmara, ou de corte), a encomenda, o patrocínio, o coleccionismo, a premiação (incluindo os sistemas de bolsas) e o financiamento da actividade de instituições como as academias, os museus, os teatros, etc. Não existem diferenciações conceptuais, históricas e sociais, ou de classe. Sempre foi assim e assim deve continuar a ser. Sempre com vantagem para todos, ao que parece.

A amálgama ou indefinição abre a porta a inúmeros equívocos, mas chama a atenção para o facto de grande parte das obras da história das artes (a Capela Sistina e a pintura de Velazquez, a produção de Bach para o Grão-Duque de Weimar ou o Príncipe de Cöthen, etc, etc) terem sido realizadas em contextos histórico-sociais anteriores à economia de mercado tal como a conhecemos hoje, e em quadros alheios às suas regras capitalistas de sustentabilidade, concorrência, rentabilidade ou especulação — e talvez só por isso tenham sido possíveis. Ao longo da história, e até hoje, em proporções variáveis, o gosto dos mecenas e o regime da encomenda pública (e privada) tutelou e estimulou a criação pública, e enquadrou a “autonomia” dos criadores.

Claro que lembramos os casos que a história hoje valoriza, e esquecemos ou recalcamos as obras artísticas que consideramos menores ou nulas e as situações em que os poderes exerceram coercivamente (e repressivamente) os seus investimentos culturais. E é claro também que o investimento público, em todas as suas formas, ontem e hoje, constitui um mercado em si mesmo, mesmo antes de se tratar de um mercado capitalista. No presente, de modo variável nas diversas áreas artísticas, esse mercado do investimento público em grande parte sustenta, acompanha e é cúmplice do mercado capitalista especulativo de que supostamente seria independente (ou cujos vícios deveria corrigir) — o regime do vedetariado nos campos da música ou da literatura, e mais obviamente a cumplicidade entre o mercado de arte e os museus de arte contemporânea servem de exemplos fáceis.

O conhecimento do que foi o aparecimento do público (de um novo público da arte) e do espaço público, numa demorada aquisição da história (com um período culminante nos séculos XVIII e XIX), através da formação da opinião pública burguesa e do “grande público” e a afirmação profissional da crítica, impede que se possa pensar aquele investimento público nas áreas da cultura como uma realidade continuada, necessária e invariável ao longo da história. Entre outras leituras, recomendo O Espaço Público, de Jurgen Habermas (em especial, o cap. II “Estruturas sociais da esfera pública”) 

“O Estado não tem gosto. Não escolhe o que é bom e o que é mau” é outra frase sugestiva de D.O.

O novo IFP (depois de Hugues de Varine em 1984)

1984

 A propósito da "reforma" do Instituto Franco-Português, criado em 1984 e agora passado a Instituto Francês de Portugal, aliás Institut Français du Portugal. Não é só uma mudança de nome, mas a desaparição antigo projecto já acontecera há muitos anos.

Em 1984, era Hugues de Varine (ou Hugues de Varine-Bohan * , o homem dos Ecomuseus (Wikipedia) e do ICOM, o continuador de Georges Henri Rivière, etc ) que estava em Lisboa para criar o novo instituto, no âmbito de uma nova estratégia de relacionamento bilateral e internacional ao tempo do primeiro-ministro socialista Pierre Maurois. (Foi o princípio de uma boa relação.)

Um vestígio do Diário de Notícias, 22 Janeiro 1984 (mas é Hugues de Varine e não Hughes...)

(Carregar na imagem para ampliar)

2011:

L'IFP renové

Lepetit journal 1 (2010)

 Hugues de Varine:

Un entretien de 2000:

De Varine Hugues, Debary Octave. Un entretien avec Hugues de Varine . In: Publics et Musées. N°17-18, 2000. L'écomusée : rêve ou réalité (sous la direction de André Desvallées). pp. 203-210. url : http://www.persee.fr/web/revues/home/prescript/article/pumus_1164-5385_2000_num_17_1_1328 Consulté le 13 décembre 2011

3 - Como administrar o mercado público

A questão das artes serem ou não minoritárias (que não aparece para APR como uma questão mas como uma certeza dogmática) deveria, se fosse conveniente e oportuna, ser analisada através de múltiplos caminhos disciplinares, da estética e da filosofia da arte à economia da cultura, da sociologia da arte à história, ao estudo da ideia recente de política cultural e das políticas públicas de cultura, etc, etc. Coisa para muitos mestrados.

No terreno da comunicação jornalística, porque é de um texto de "opinião" que se trata (algo mais que uma crónica, algo menos que um ensaio - "As artes sempre foram, são e serão minoritárias", Ipsilon, Público, 13 Out.), a observação imediata procurará discernir a circunstância e a intenção, sem envolver demasiado esforço reflexivo, porque, neste momento nacional, o tema torna-se seguramente inadequado e impopular, propício a favorecer o "inimigo" maioritário.

Outro Museu? Na foto, um magnífico quadro do Renato Guttuso (Atelier e Paisagem, 1960 - que pertenceu a Valerio Zurlini, e podia chamar-se Atelier, Paisagem, Natureza-morta e Retrato). Alguém aproximou a obra de um painel explicativo sobre "Figuração existencialista", o que é neste caso um grande disparate)

Estão em questão coisas muito práticas: subsídios ou apoios públicos às artes (passando por cima da especificidade das várias artes, da ópera, do teatro e dança, do cinema, da(s) música(s), das artes plásticas ou visuais, da escrita, etc). Ou seja, subsídios que paguem os custos que a bilheteira não cobre. Portanto, a relação económica entre o artista e o (seu) público - mas sendo este uma entidade imprecisa e eventualmente supérflua, ou perversa -; isto é, a relação entre "a criação" e o mercado (sendo a primeira uma entidade abstracta e mágica, independente da materialização produtiva de objectos eventualmente transaccionáveis, e sendo o segundo visto como uma realidade maligna, própria do modo de produção capitalista, que ainda não foi "superado"). Tudo isto que parece apenas inábil é insinuado sempre com uma intenção mais ou menos explícita: separar a reflexão sobre as condições de criação ou produção/exibição das considerações sobre a recepção (a quantidade e a qualidade da recepção), a partir de uma separação original e definitiva entre as artes e o entretenimento, entre a arte elevada e a "arte baixa", entre o sector artístico profissionalizado e as práticas artísticas que não visam a profissionalização.

 

Questão de agenda (artes minoritárias, 2)

Parece-me que se levantam duas pistas de leitura para tentar entender o artigo do António Pinto Ribeiro onde veio defender a dimensão minoritária da arte. Uma delas terá a ver com a oportunidade da intervenção e a outra com a pertinência de uma tese que se quer anti-populista, mesmo que à custa da reedição das mais gastas conflitualidades entre alta e baixa cultura.

Quanto à agenda do texto, é natural supor que se pretendeu ocupar espaço público a pretexto de umas primeiras e vagas declarações do secretário de Estado sobre a administração e a programação dos teatros nacionais (são dois exercícios que naturalmente se associam), nas quais nada de conflituoso foi dito. Ou talvez o facto de se afirmarem e assumirem as responsabilidades da tutela causasse alguma surpresa. Como fiz noutro lugar, transcrevo da imprensa e comento: 1. "Não queremos impor nada, mas queremos estar informados e dar a nossa opinião" (certo - os programadores não são empresários por conta própria). 2. "as receitas de bilheteira não são 'uma questão financeira, mas sim uma questão ética'. 'Não acho justo que uma companhia de teatro ou uma produtora não manifeste preocupação com a questão do público.'" (certíssimo - as questões da recepção ou consumo são decisivas: é a melhor recepção que se deve ambicionar). 3. "Essa matéria, a criação de públicos, será objecto de debate público" (óptimo).

Domingo à tarde no Museu (cultura de massas?)

 

A falta de definições, ou mesmo só de informações, sobre as orientações e prioridades que se tenciona seguir no sector da cultura, clarificando opções estratégicas antes de se saber como vai ter de ser a gestão das reduções orçamentais (e até independentemente de serem maiores ou menores os montantes a "distribuir"), parecia-me ser um terreno mais profícuo de oposição - e essa mesma indefinição prolongou-se numa estranha entrevista demasiado coloquial onde a preocupação de evitar atritos com todas as corporações artísticas só foi interrompida por um enunciado firme: não vai  haver dinheiro. Para continuar a referir a minha "agenda ideológica privada" (seguindo o convite do António), direi que no "caso Berardo" faltou ao titular do cargo abordar os assuntos que são da sua competência, evidenciando que já visitara alguma vez o Museu, que conhecia a colecção que está agora exposta no 2º piso, que se informara sobre a programação levada a cabo desde 2007, que compreende a importância multidisciplinar de um grande equipamento cultural como o CCB, em vez de dar prioridade às questões do "valor" do acervo e de se meter pela pista das garantias bancárias, que, aliás, não lhe diz respeito. (Se há romance policial a escrever, guarde-o para depois.)

É agora, quando o OGE está a cair sobre a área da Cultura e a surpreender o próprio secretário que valerá a pena medir diferenças e se for caso disso contra-atacar, sabendo o que se quer. Em vez de gritar pelo lobo ("SOS Cultura"!!) e preparar a vitimização, convirá tomar a iniciativa e apontar as mudanças necessárias. Recusando sempre pôr-se a jeito de intelectuais trauliteiros que por aí fazem carreira a carregar sobre as "artes minoritárias" e os desmandos que lhes estariam associados: é ver o  M.S.T. no Expresso de hoje a enumerar as suas aspirações: "Acabou-se Guimarães-Capital da Cultura [e terá aqui razão?], acabou-se o Museu Berardo, acabou-se o Metropolitano do Porto, acabou-se a Moda Lisboa", etc; é ver o V.P.V. a querer irradicar todo o CCB (não lhe basta o Pavilhão de Portugal vazio e a arruinar-se?). A sanha populista manifesta-se por cá mesmo contra as artes "maioritárias".

Guerras perdidas (1. as estrelas)

1. Vale a pena dialogar com o António Pinto Ribeiro porque tem sido um programador a que atribuo (é uma opinião pessoal) competência e pertinência - apesar de algumas incomprensões, possivelmente minhas. Existe portanto uma relação de proximidade e de distância, que se prolonga em interesse e apoio em diversas iniciativas e em discordância noutros casos, como sucede quanto ao artigo que acaba de publicar no Ypsilon, Público de 14 de Outubro (só acessível a assinantes da versão digital): "As artes sempre foram, são e serão minoritárias", pág. 46, sob a epígrafe "Política cultural". Enquanto editor (...um passo memorialista...) não o publicaria, sem achar que isso fosse censura - pelo menos teria de ser antes muito discutido. De facto, parece-me errado o artigo sob muitos pontos de vista e totalmente inoportuno neste especial momento político, que julgo ser necessário enfrentar com bastante espirito analítico e autocrítico. Se há uma guerra de posições no espaço político, e estamos em desvantagem, as trincheiras estão a mudar de lugar muito depressa: os exemplos, os morticínios e as revoluções de 14-18 não estão na ordem do dia. Preocupa-me que sigamos de derrota em derrota.

qual é o Museu, qual é ele?

 

2. APR dedica parte substancial da sua atenção às estrelas que em tempos recentes passaram a acompanhar as recensões e os textos críticos na imprensa. Não sei se é um bom tema de debate, acho que não, que é uma pequena guerra inútil, uma absurda guerra perdida à partida. Mas há algumas coisas a tentar esclarecer. Desde logo, não foram os críticos ou "a crítica" (estranha entidade colectiva) a decidir incluir nos seus textos uma valoração por estrelas... Foram as chefias, os editores e/ou os directores que impuseram a publicação das tais estrelas, e os críticos (em geral) sujeitaram-se a elas com maior ou menor azedume. Havia razões para essa orientação: o crescimento exponencial da oferta cultural e também do número das páginas impressas justificava querer-se adoptar uma mais fácil orientação do leitor-consumidor (é um destaque, entre muitos outros que os critérios editoriais e gráficos impuseram na evolução dos jornais).

Por outro lado, não será irrelevante (e o argumento usou-se...) o facto de parte dos textos críticos tender a ser de entendimento reservado a públicos especializados (passa-se tendencialmente o mesmo no futebol e na economia, por exemplo) e de os críticos usarem em muitos casos de uma excessiva prudência quanto à apreciação crítica (valoração qualitativa) dos objectos em apreço - ou porque o meio é restrito e convém manter convivências e trocas, ou porque se quis pôr de parte a ideia de juízo crítico como Clement Greenberg o praticou, adoptando em seu lugar um esforço neutro de contextualização onde tudo cabe, excepto um ou outro desprevenido intruso. Parte da crítica tinha-se profissionalizado já não como jornalista mas como agente ou intéprete da sua especialidade (professor, comissário, gestor, programador). Depois o espaço da crítica reduziu-se a duas (ou três?) publicações - o que foi também a resposta a essa evolução e/ou involução. Como da leitura dos textos o leitor (o público frequentador-consumidor da oferta cultural generalista) não depreenderia se lhe recomendavam ou não um programa, exigiu-se do crítico que fornecesse uma indicação compreensível e que arriscasse um juízo crítico sob a sua expressão mais simples e escassa. Nota-se que muitos deles contornam a exigência atribuindo 4 ou 5 estrelas a quase tudo. Trata-se de evitar a escolha, de não ferir as susceptibildades do meio a que pertence, de fazer sobreviver relações num estreitíssimo e muito centralizado meio cultural.

3. As estrelas que classificam a oferta cultural terão nascido, ou ter-se-ão imposto, pelo menos, segundo me parece, no meio do cinema, e mais concretamente nos "Cahiers du Cinema", no início dos anos 60, como uma estratégia crítica de clarificação de gostos e de apostas. Depois alargaram-se lentamente. Não tenho paciência para ir recordar esse episódio e confirmar ou não essa origem.

4. Se eu tive alguma reserva face à atribuição de estrelas perdi-a no átrio de um magnífico museu de Copenhaga onde fui ver um grande pintor local desconhecido no exterior (L. A. Ring). Lá estava uma parede com recortes de imprensa e outras informações - e aí me orientei (em dinamarquês) quanto ao que se recomendava com mais ou menos estrelas (por exemplo uma exposição de Hammershoi, que aliás já conhecia...). É uma questão muito prática, uma forma de comunicabilidade, uma abertura em direcção ao leitor desprevenido - para quem um página de roteiro pode parecer escrita em dinamarquês. (Guy Debord, Jean Baudrillard, Pierre Bourdieu, John Frow são bibliografia escolar, mas aqui, a este nível básico, só fazem ruído.)

5. Não entendo por que razão e para quê se chega a uma frase assim - "Que sejam interlocutores dos mecanismos de criação e de difusão das artes a sustentar a valoração do que vêem e apresentam prioritariamente na dimensão do consumo diz bem de como o sistema das artes perverteu a relação privada da obra com o seu receptor e com o seu autor, gerando um conjunto de falácias que alimentam o populismo e a demagogia sobre as artes e os artistas". Se usamos a expressão oferta cultural, também usamos consumo cultural, não vem daí mal ao mundo, nem assim se impede a tal relação privada. Mas será esta um fim em si mesmo?

 

SEC: cem dias, e sem página

Passados mais de Cem Dias desde que o Governo está em funções, a Secretaria de Estado da Cultura está ainda sem presença na Internet, sem página, o que é tanto mais estranho quanto a dinamização das plataformas digitais da comunicação cultural farão parte das suas competências. A agenda oficial, os comunicados enviados para os orgão de comunicação, os discursos, os documentos que reformam ou reformulam a orgânica, a orientação e a actividade da SEC não se conhecem, a não ser por prestável transcrição da Imprensa.

O estado de coisas é este, tal como se podia constatar no início desta segunda-feira, 3 de Outubro: www.portugal.gov.pt .

Tentando outra via, o resultado não é melhor: www.min-cultura.gov.pt

A situação é tanto mais absurda quanto o titular até é um literato moderno, com experiência da importância dos blogs.

Coches, para rever a matéria dada

Quando o ex-ministro da Economia Manuel Pinho anunciou em Julho de 2008 o projecto do Novo Museu dos Coches (e ele foi da sua responsabilidade por via dos dinheiros do Turismo...), disse que "as obras deverão começar no dia 1 de Setembro próximo e a inauguração está marcada para o dia 5 de Outubro de 2010"... Falharam os coches republicanos (!?) às comemorações do centenário e há agora (2011...) condições para remediar parte do disparate.

antevisão do museu-garagem de Paulo Mendes da Rocha

Sucessivos ministros da Cultura, desde Isabel Pires de Lima, vieram dizer que o projecto do novo Museu dos Coches lhes era alheio, distanciando-se de tal ideia - então retomada à revelia do seu Ministério e do Instituto dos Museus, apesar de se tratar de um longo folhetim que vem pelo menos de 1998 e de António Guterres e M. M. Carrilho (sempre ele...), depois retomado por Santana Lopes (sempre ele), em 2005. António Costa, enquanto presidente da CML, declarara-o "desnecessário" logo em Dezembro de 2008, mas escusou-se a um conflito com Sócrates porque o espaço e a tutela eram do Governo (embora os dinheiros do Casino fossem de Lisboa...)

A última vez que o Ministério da Cultura se descolou publicamente do Novo Museu dos Coches de Paulo Mendes da Rocha foi certamente em 20 de Janeiro 2010, por ocasião da apresentação do plano estratégico "Museus para o séc. XXI" - afirmou então o professor João Brigola, novo director do IMC, que se tratava de um projecto herdado, que "não foi possível reavaliar".

Mas a "primeira pedra" foi mesmo colocada pela ministra Canavilhas e pelo 1º ministro poucos dias depois, a 1 de Fevereiro 2009, por sinal assinalando-se nessa data os 100 dias do Governo Sócrates II. Se a teimosia era uma das suas grandes qualidades, e chamava-se determinação, aqui foi grave insistir no erro sem ouvir ninguém. Ainda por cima, já então se tinha desistido de esvaziar o actual Museu dos Coches para dar lugar à reactivação do Picadeiro Real, desaconselhada por razões de conservação, ainda que tivesse sido esse o motivo inicial para o Museu trocar de lugar.

ALGUNS DADOS - DESDE 1994 - PARA SITUAR A QUESTÃO:

Fim do MC. Sim

Agrada-me a extinção do Ministério da Cultura, ou antes, a sua redução a Secretaria de Estado - independentemente da escolha de nomes (não sei, não conheço) e do montante dos custos (os gastos da mudança de emblema e tabuletas não serão despiciendos).

É pouco o que na área da cultura em geral depende do (ex-)Ministério, e é bom que seja cada vez menos, se considerarmos o que é da competência dos cidadãos invidualmente (autores e públicos), das respectivas associações, das entidades regionais e locais, das empresas e fundações (do BES à Gulbenkian), dos outros ministérios - a economia, o turismo, os negócios estrangeiros (e não é só o Instituto Camões)... É improcedente e inconveniente, além de ser apenas ilusória, a ideia de uma tutela (ou direcção ou administração) governamental sobre a cultura entendida em sentido lato, como convém, e o que se pede à administração central é a gestão eficaz do que dela depende directamente: colecções e património à sua guarda, equipamentos, programas de apoio à produção, circulação e distribuição (incluindo em especial encomendas, aquisições, bolsas, patrocínios, etc).

Não se trata também de regulamentar o sector para além do que são os serviços mínimos (o depósito legal dos livros e a leitura pública, a classificação dos bens patrimoniais e dos espectáculos, etc). Aliás, é já essa a realidade actual, e, extinta a censura, não se aceita que a cultura em geral ou as artes sejam regulamentadas ou administradas pelo Estado e pelo Governo. O que tem a ver com as chamadas indústrias culturais, o turismo cultural e o significado da cultura para o turismo, a economia da cultura e o peso do sector dito cultural no PIB (que inclui todo o audiovisual, a comunicação e o entretenimento) não se incluem de facto nas capacidades e nas competências do MC e não são sequer interministeriáveis - excepto na franja estreita das responsabilidades administrativas directas. Tudo isso depende na realidade de iniciativas e regulamentações de outras entidades governamentais e locais. Todas as elocubrações sobre o 1% do Orçamento têm a ver com o mesmo equívoco.

Não foi só o orçamento do Ministério que se foi reduzindo até níveis que o impedem de exercer todas as suas responsabilidades próprias (e é bom que tenha sido forçado a ir-se desvinculando das responsabilidades alheias - esse caminho está por concluir). Foi também a grandiloquência do MC, a sua tentação de arbitrar gostos e representar "a Nação", que foi sendo forçada a moderar-se - mas esse foi um caminho positivo e ainda há muito a esperar dele. O carácter simbólico do MC, que se tem usado como argumento, já não correspondia a nada - e às vezes foi só uma penosa e comprometedora representação.

A crise, o desemprego, o crescimento exponencial do número dos que se consideram artistas (sem que cheguem a considerar-se candidatos a artistas), porque têm formação ou vocação ou ambição artística e a respectiva auto-estima, mesmo que não tenham o reconhecimento, têm favorecido a tentação assistencialista das intervenções públicas, a pretexto e por via do chamado apoio à criação. Neste campo há que introduzir distinções rigorosas entre o que são responsabilidades de apoio social e intervenção cultural. A concentração das bolsas no segmento dos jovens artistas é apenas um paliativo ilusório (prolongando extensas escolaridades, até alguns encontrarem o seu lugar como professores e desaparecerem como artistas?), e desvia os meios necessários para apoiar efectivamente a produção de quem tem provas dadas, ou seja, obra feita (e é aí que a encomenda, o prémio, a bolsa são essenciais para a concretização de projectos de fôlego, para a patrimonialização dos bens, para a ampliação da escala das obras até à dimensão "pública" ou à presença urbana, etc).

O MC não representa os artistas, nem os profissionais da cultura, nem existe para defender os seus interesses corporativos. Essa deriva em que entrou quando se verificou o falhanço do conceito e do objectivo político progressista de democratização da cultura, e quando se entendeu que o êxito do desenvolvimento cultural se mede mais em percentagem do PIB do que em qualificação dos públicos e da recepção, tem tido consequências, e desde logo a do risco da irrelevância do departamento (e também dos conselheiros junto da sede do governo...). Não existe para satisfazer ou seduzir os artistas, tal como a Educação não existe para os professores e a Saúde para os médicos e enfermeiros. Mas até essa comparação seria errada, porque não se pode pensar a Cultura (e a arte) como um serviço público de idêntica natureza - embora os organismos próprios do MC/SEC o devam prestar, e por vezes disso se esqueçam.

 

cultura inculta

Christiano Cruz (soldado a atirar uma granada)

Que fazer à cultura inculta que por aí escorre - e, em especial, à que se legitima como arte? Exemplo: "O incêndio de um dos últimos pavilhões* do Mundo Português é a desilusão da Neo-Vanguarda". Assim acaba, ou começa, pela direita, com esta frase absurda, a exposição com que reabriu hoje a Galeria Quadrum ( "Anti-Totem" ) sob tutela e programação camarária. O disparate é arte, esta arte é oficial, e eu devia ficar calado. Tenho boas relações pessoais e políticas e de trabalho com os responsáveis culturais camarários.
O que é que aquela frase quereria dizer se fosse certa a referência aos pavilhões de 1940? Nada que se perceba: o incêndio do pavilhão "fascista" não seria uma vitória da neo-vanguarda, é a desilusão desta - a perda, o fim?, das ilusões na ou da neo-vanguarda? Incompreensível. E o que é que a mesma frase significa se o pavilhão ardido não datar da Exposição do Mundo Português, mas sim de bastante mais tarde (1966), e tiver sido, aliás, refundado ou pelo menos regenerado pelo regime democrático? Aquele é, de facto, o pavilhão do painel colectivo do 1º de Maio de 1974 e da Alternativa Zero, de Prado Coelho e Ernesto de Sousa, em 1977, da exposição Wostell em 1979, de uns novos estúdios de video-arte em instalação pela então DGAC (SEC)? Se se quer dizer que era isso a ilusão da Neo-Vanguarda, e o incêndio foi a desilusão, o espectador não tem quaisquer dados prévios para o entender. Aparentemente, os artistas-comissários (?) também não conhecem o "contexto" - e na melhor hipótese decidiram ocultá-lo. Uma trapalhada.

    (Em tempo: porquê um dos últimos? além do MAP e do Espelho de Água, transformados, há os pavilhões naúticos e pelo menos dois edifícios no Jardim Botânico Tropical) 

os artistas "altamente especializados"

‎"Os artistas e demais profissionais das artes são altamente especializados, formados em instituições superiores públicas e privadas, tal como o são os médicos, os historiadores, os engenheiros…" - in "GENTE TENDENCIALMENTE COMUM - Resposta da Plataforma das Artes ao Deputado/Cronista José Pacheco Pereira". (http://www.facebook.com/note.php?note_id=416712036793&id=1618620098 - de facto, não se sabe bem quem e o que é essa Plataforma, e quem fala neste caso concreto, mas a coisa circula sob aplausos vários.)

La Strada, de Fellini (artistas especializados, mas não "altamente"), ilustração apropriada da Plataforma (?)

Essa frase é terrível, é um erro e uma ameaça, só associável aos princípios das corporações medievais - antes de haver conceptualmente "arte" -, e é em especial desmentida por aquilo que Duchamp veio demonstrar com os seus ready-made. (Quanto ao JPP, o desprezo.) A tendência para a burocratização do lugar do artista - ou funcionário à maneira dos regimes comunistas (e de todas as cortes passadas e presentes), ou subsidiado a partir de uma lógica assistencialista - tem-se agudizado a partir de uma indefinição que o MC e o PS têm alimentado a propósito de "redes" e das políticas de apoio às artes e/ou à criação, e em espacial a partir da adopção/negociação dos cortes orçamentais, os quais afectariam em especial, como escreveu o Público, os "artistas independentes" dependentes da DGArtes.

Warhol em Serralves (2000)

Arquivo EXPRESSO Actual 21-04-2000

Crónica "Exta-catálogo" nº 6 (e última)

Warhol em Serralves

"Arte de massas"

«Hoje, o artista é contemporâneo quando se transforma num produtor de vanguarda de massas. É um sub-humano e um pós-humano, cuja destreza reside na capacidade de se adequar à 'moda' e para o qual a fantasia não é mais do que um armazém do qual surge o negócio» - Germano Celant, catálogo «Andy Warhol: a Factory»

«Acabada a economia política, só existe a política económica escorada na pornografia da quantidade» - Vicente Verdú, «A cultura emigrou de si própria», in suplemento «Século XX», «Público-El País», 17-4-2000

O NOVO museu, dito de arte contemporânea, mostra a sua ambição: bater recordes de público, mesmo que à custa de festas nocturnas semanais com «disk jokeys» e bebidas. Trata-se, com Andy Warhol, de afirmar o museu como um lugar da «cultura de massas dos nossos dias», a par da televisão e dos «shoppings». O propósito não tem nada a ver com a velha ideia de democratização da arte e da cultura, ao contrário do que pensarão os mais ingénuos, porque essas duas palavras vão perdendo o sentido que lhes deu a tradição iluminista e não ganharam qualquer outro. A ambição é mesmo a de destituir de qualquer significado as palavras arte e cultura, continuando a usá-las como meras marcas de um incerto sector de actividades, plenamente integrado no universo do espectáculo da política, do consumo e do «entertainment». Se as imagens de Warhol não se distinguem das da circulação mediática, da moda e da publicidade, porque é que o consumo do museu pelas «massas» não se há-de medir por recordes?

2000, o marasmo, Serralves e outras histórias inactuais

Crónicas "Extra-catálogo" (2000): Serralves e outros museus
3/2000: "Navegar à vista"
4/2000: "O marasmo"
5/2000: "O contrato"

Expresso Actual 12 - 02 - 2000

"Navegar à vista"

O TEMPO que decorrerá até à substituição próxima da maioria do Conselho de Administração da Fundação de Serralves (no qual só poderão permanecer Teresa Patrício Gouveia e António Gomes de Pinho, ambos ex-secretários de Estado da Cultura, o segundo representante do Estado no CA, mais António Sousa Gomes e Luís Valente de Oliveira, ex-ministros), poderia dar lugar a uma reflexão que viesse a permitir aperfeiçoar o enquadramento estatutário da Fundação e do seu Museu de Arte Contemporânea.

2000, histórias antigas, Serralves, IPM

Dez anos depois, episódios, circunstâncias, análises e argumentos datados (Crónicas "Extra-catálogo": 1 / 2000: "Mudanças em Serralves"; 2/2000: "Mais IPM")

Arquivo Expresso Actual 29-01-2000

"Mudanças em Serralves"

A FUNDAÇÃO de Serralves vai ter de renovar este ano o seu conselho de administração e de substituir o respectivo presidente, devido às normas estatutárias que impedem a eternização dos mandatos. Além de João Marques Pinto, saem Bernardino Gomes e Vasco Airão. Terá também de ser substituído Belmiro de Azevedo, que se demitiu, e falta preencher o lugar de um dos dois representantes do Estado no mesmo CA. Esse processo, que envolve cinco lugares em nove, poderá decorrer segundo diversos cenários.

Uma das hipóteses é que venha a prolongar-se um estado de tensão e ausência de diálogo que já conduziu, pelo menos, à falhada nomeação pelo ministro da Cultura (Manuel Maria Carrilho) de Francisco Capelo como administrador por parte do Estado, para ocupar a vaga deixada em aberto por Artur Santos Silva (o qual, entretanto, ficou outra vez disponível para assumir o seu anterior mandato). Foi na sequência deste episódio que Belmiro de Azevedo bateu com a porta.

Ano negro

Se o ano foi negro em muitas áreas, por via da crise, ele foi catastrófico na área das artes visuais, embora (ainda?) não o bastante para a pôr radicalmente em causa. Acontece que a cultura em geral e as artes visuais em particular quase não ocupam atenção crítica na imprensa e no terreno dos blogs, e basta para o comprovar a ausência de tags como cultura, arte, museu, etc em respeitáveis espaços de opinião como A Regra do Jogo ou Jugular - sendo estes exemplos indicativos da escolha de um campo político. Para além do profundo e certamente justificado desinteresse, ou desprezo, que um tal silêncio significa (a favor de futebol, economia, política, benfica, sporting; ou religião, política, etc), há outras razões que têm a ver com a opacidade do sector, a falta de autoridade das instâncias de legitimação e o insondável desconcerto das políticas públicas. Entretanto, os discursos críticos encerram-se sobre os seus objectos parcelares e os espaços de diálogo (por exemplo O Infinito ao Espelho , um blog de artistas) escasseiam ou esmorecem ou acautelam-se... A viragem de ano é, porém, uma oportunidade, ou até uma responsabilidade, para levantar algumas pontas do véu.

Nenhuma outra área terá sofrido tão directamente as consequências da crise económica. É que, mais do que ser arrastado nos seus efeitos, veio à superfície com escândalo público o entrosamento do mercado da arte e dos seus agentes institucionais (os críticos, os comissários, os museus) com os aspectos mais obscuros e corruptos do sistema financeiro. Não são ligações acidentais, são vínculos estruturais, ou estruturantes, da realidade actual do mercado de arte. Com o BPP de João Rendeiro caiu a Fundação Ellipse que aparecera como a mais internacionalmente elegante das colecções - e a mais institucionalmente comprometida, por via do assessor cultural de Sócrates, que continua, e do director do Museu do Chiado, a quem parece que darão uma prateleira dourada, mas os comprometimentos ficam por sancionar (e haveria que falar das tropelias das avaliações, etc). Com o BPN de Oliveira Costa revelaram-se aspectos mais soezes do sistema, com circuitos de branqueamento de capitais através da arte, e absurdos acervos de dezenas de mirós, falsas antiguidades egípcias, contentores de moedas comemorativas e muitos quadros avulsos para todos os gostos. Por ambos passavam relações com galerias, artistas cooptados, etc. São casos de polícia que ficam por deslindar.

Zulu. Liderança brasileira

Não pensava precipitar-me a escrever sobre o África.Cont e o seu Encontro a decorrer 6ª e sáb. na Gulbenkian, num muito vago Auditório III. Um ano depois de prometido e anunciado com ilustração arquitectónica a condizer, estão ainda a perguntar o que deve ser a coisa e com a rectaguarda institucional por cumprir. Felizmente. O consórcio não tem parceiros, a fundação de fundações não tem fundadores - nem Berardo, nem Ellipse, nem Serralves, etc; a Gulbenkian amável mas sempre estatutariamente de fora; a crise económica mundial não ajuda e as empresas públicas já não se mobilizam com telefonemas imperiosos (sob escuta?). Angola ausente: se pode comprar Veneza ("Check List Luanda Pop"!!), para que há-de precisar de Lisboa? Nem Embaixadas, nem Bancos. Restam o MNE, a CML e o MC com magros orçamentos para cumprir os mínimos, e também se sabe que os titulares (os mesmos e os novos eleitos) hesitam, duvidam, adiam, consideram, reconsideram ou recusam (em voz baixa, claro). Estão aqui envolvidas questões graves, desígnios e compromissos de Estado, promessas diplomáticas feitas no Pavilhão de Portugal, um ano depois da cimeira UE-África. Mas é agora o momento definitivo de reponderar os custos de construção de um projecto urbanístico e arquitectónico de provável qualidade (embora sem o vantajoso concurso público), de reavaliar verbas de funcionamento regular futuro (disse-se 4,5/5 milhões de euros/ano?), de reexaminar o mérito conceptual de um projecto institucional solitariamente proposto. Declaração de interesses: admiro muito a firmeza política, a determinação, a obstinação mesmo, do primeiro-ministro, mas esta é uma situação em que é necessário recuar. A decisão entusiasmada que tomou um dia numa visita matutina ao cenário grandioso do Palácio Pombal e das Tercenas junto ao Tejo compreende-se, mas as razões do argumento não têm a grandeza do lugar. Bastará referir a crise, o défice...

Não era isto que eu queria dizer, por agora, evitando o papel de "crítico de estimação" que o Fernandes Dias me atribui, mas é desesperante que um ano depois se anuncie entre as mãos de quem abriu o encontro apenas um inventário de questões, mesmo se inteligentes, e não uma entidade em funcionamento no terreno: circulando entre a Cova da Moura e Dakar, entre Maputo e Bamako, entre Joanesburgo e a Baía, etc. Porque se está a perder tempo, definitivamente. Não será um museu (ao contrário do que repetem as notícias), mas também não é uma agência, nem um organismo da diplomacia e da cooperação portuguesa, embora se espere que cumpra uma agenda política - institucional mas independente... Não se dedicará só ou em especial ao espaço lusófono, nem apenas às artes visuais: a arte contemporânea como arte em geral. Teria um vasto centro simbólica e fisicamente monumental, patrimonial e contemporâneo, entre as Janelas Verdes e a 24 de Julho, mas seria também um pólo intermediático de descentralizações, trocas, redes, co-produções e itinerâncias entre o continente e a diáspora, os ex-impérios coloniais e os novos centros emergentes: o mundo todo. Tudo e nada. Aliás, de facto, não se discute aqui e agora o programa possível, mas muito em abstracto a ideia de África, que é plural, fragmentada e diaspórica, ou já uma África "posnacional" e não apenas poscolonial, procurando a próxima moda.

O Zulu do título é bem real. Veio do Brasil e trocou as voltas ao Encontro. Primeiro com um gesto radical e simples: o representante do movimento negro brasileiro e da instituição do Ministério da Cultura para a valorização da cidadania afro-brasileira, Zulu Araújo, presidente da Fundação Cultural Palmares, negou-se a usar o inglês e quebrou  por isso o protocolo: falou em português, que o Brasil defende como língua de trabalho nas organizações internacionais. Um gesto coerente e também exemplo de independência face a uma hegemonia anglo-saxónica que perpetua como língua de produção e domínio do conhecimento o poder autoritário de um centro já só imaginário. Depois, situou o papel de liderança que o Brasil tem vindo a construir em África no quadro diplomático da CPLP, como veículo determinante de novos relacionamentos intercontinentais, e já de um novo intercâmbio afrolatino. Trata-se de dar um sentido político à diplomacia, apoderando-se dos seus instrumentos e usando a sua hierarquia institucional, construindo projectos que não são apenas pontuais e ostentatórios. Trata-se igualmente de pôr em prática um entendimento aberto de cultura, onde à dimensão simbólica que se expressa na linguagem artística se associa o direito à cidadania (as políticas públicas de acesso à produção cultural) e a dimensão económica, considerando a importância do mercado dos produtos culturais. Zulu Araújo trouxe o vigor de um movimento social (afro-brasileiro) em que a cultura desempenha um papel de resistência e de afirmação, no contexto progressista do Brasil de Lula, a um programa marcado pela incerteza ou o epigonismo dos objectivos.

www.palmares.gov.br/

adenda (05/12): por coincidência, www.cenalusofona.pt/ Em Coimbra, de 3 a 6 de Dez.:
Encontro Internacional sobre Políticas de Intercâmbio

ENCONTRO
"Coimbra é uma lição de cultura no intercâmbio da lusofonia"
por PAULA CARMO - Hoje -  http://dn.sapo.pt
Políticos e agentes culturais da Comunidade de Países de Língua Portuguesa (CPLP) discutem relançamento do projecto Cena Lusófona

A ministra pensa

"...quando tudo está incluído na mesma categoria como cultura – dos clássicos intemporais (eruditos ou tradicionais) ao rock e pop-rock mediáticos e ao cançonetismo popular, passando pelas orquestras ligeiras e cantores em play-back, do folclore para turistas às recriações históricas de rua, das expressões genuínas das nossas tradições aos desfiles etnográfico-turístico-religiosos de entretenimento colectivo, dos festivais de verão dedicados à juventude e das práticas recreativas amadoras às iniciativas profissionais institucionais - sempre com a comunicação social generalista a incluir tudo no mesmo pacote nos seus espaços culturais - , como fazer distinguir junto dos cidadãos o que é relevante para a percepção de uma estratégia de desenvolvimento cultural? E mais importante ainda, como fazer passar a mensagem aos destinatários de que nem tudo são “bens meritórios”, logo, subvencionáveis pelo erário público? E o derradeiro desafio: neste quadro, como explicar aos agentes culturais no sentido lato estas diferenças?"

Para a agenda imediata

A surpresa (depois dos palpites toscos que os jornais puseram a circular para dizer alguma coisa) quer dizer neste caso expectativa. Gabriela Canavilhas é da área e de um dos seus sectores mais exigentes (porque a música não dispensou o talento e a aplicação, e não vive de auto-complacências e promoções cúmplices mas sim de trabalho e audiências). Tem experiência de administração, e mesmo de governo (Açores).

1990: "Anos de ouro"

ARQUIVO, EXPRESSO, Cartaz, 14 Julho 1990, pp. 34-35

"SEC: OS ANOS DE OURO?"

(Após os primeiros seis meses de Santana Lopes. Da Europália'91 à Lisboa’94 e o resto)

É PROVAVEL que a modéstia nas intervenções oficiais sobre a cultura, nos últimos anos, tenha correspondido à exiguidade dos orçamentos disponíveis. Mas também é admissível que a grandiloquência demonstrada há poucos dias por Santana Lopes, ao anunciar o período de 90-94 como «os anos de ouro para a cultura portuguesa», vise, antes do mais, tomar posições para enfrentar com mais energia as próximas negociações sobre orçamentos no interior do próprio Governo.
O certo é que esses anos serão essencialmente preenchidos pelo cumprimento de obrigações exteriores a que o Estado português não poderia fugir por mais tempo sem deixar de satisfazer os compromissos mínimos do relacionamento europeu: a Europália em Bruxelas, em 91; o semestre de presidência do conselho das Comunidades, em 92; a capital europeia da cultura, em 94.

Muita cultura para Lisboa, e Porto

( Depois de votar é que vi o programa. Questão de passados e proximidades. Até não tinha nada de pessoal contra o S.L., pelo contrário (um ou outro amigo e/ou conhecido comum, e alguma atenção a uma diligência cultural privada): ofereceu-nos uns "anos de ouro" na SEC (ver índice de 1990) que deram pano para grandes animações jornalísticas e políticas, quando havia debates publicados, e nunca tentou, pelo que sei, ao contrário do outro (assessorado por "amigos" comuns), impor o silêncio e impedir-me de trabalhar, a mim e colaboradores próximos.

Era preciso, para votar, passar adiante, semi-cerrar os olhos a várias coisas desagradáveis ou chocantes, recentes e em curso ou só anunciadas, ignorar as pessoas envolvidas (porquê?), e do mal o menos. O marketing funcionou, ainda bem. Esmiuçar o programa não serviria para nada, depois de uma primeira visita desagradada às chamadas "Estratégias para a cultura", trocando-se a política pela sociologia das marcas e a gestão empresarial (Dinâmia/ISCTE).

Fica aqui o programa para memória futura, com o capítulo específico e aparições sectoriais. As generalidades são constantes, quando o que importava era construir desde logo um inventário de existências e urgências (equipamentos e carências básicas de meios) e abrir linhas de revisão de políticas. ) Mas há alguns tópicos  a reter:

Museus e equiparáveis são referidos seis, cinco deles novos: O da Cidade, para reequacionar e renovar - O MUDE (design e moda comprados ao Francisco Capelo)- O Africa.Cont, que não é um museu, mas quer ser um pólo “pós-colonial” perto das Docas - Outro com a temática da República e da Resistência, no Aljube - Mais o da da Comunidade Judaica, e o da Cidade Islâmica... Um fartote de promessas vaguíssimas, mas

não há uma palavra sobre o Museu/Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, que teve inicial apoio da CML (desde o Abecasis) e está agora ameaçado de fechar... (António Vitorino preside à administração, mas tem mais em que pensar).

e, já agora, a CML "detém" uma das mais importantes casas da fotografia do país (o Arquivo Fotográfico do Arquivo Municipal de Lisboa...) que depois de servir de base ao Mês da Fotografia  de 2003 e 2005 (gestão Santana Lopes, Maria Manuel Pinto Barbosa, J. Monterroso Teixeira) foi deixado sem meios de subsistência. (Pior ou melhor programado, o Mês até exportou o director Sérgio Mah para Madrid...)

Mas dias antes dos votos, a CML anunciou com pompa e ridículo uma "Bienal Portugal Arte 2010"

#

PS, Lisboa Programa de Governo (da cidade)

(…) Uma oportunidade para a cultura

A política cultural do Município deve ter como objectivo principal a viabilização das condições para que a criação e a fruição cultural possam acontecer em toda a sua diversidade. Implica, por isso, uma intervenção de natureza sectorial relacionada com a criação, produção, difusão, valorização dos bens e serviços culturais propriamente ditos nos domínios do património e das artes; e, por outro lado, por uma intervenção de natureza transversal, que exige uma articulação estreita, quer com os domínios da educação, da economia, do urbanismo, do turismo, da acção social, da juventude e demais sectores objecto de intervenção local, quer com as estratégias globais de desenvolvimento do concelho e da cidade e da respectiva inserção em contextos territoriais mais alargados de âmbito regional, nacional e internacional.

A transição de 1991

ARQUIVO / Expresso Revista de 23 Novembro 1991 , pág 12

"Antigos e novos feitos"

(Na entrada de novo governo, depois de Santana Lopes I)

ENTRE as pressões contrárias do calen
dário e do orçamento estar-se-ão certamente a procurar, na Ajuda, as respostas 
para várias questões herdadas no terreno da 
Cultura. Por exemplo, ao acaso: como o Outo
no vai adiantado, não se devia conhecer já a 
temporada de S. Carlos? Estão a programar-se 
com a prudente antecedência os primeiros 
anos do Centro de Belém, depois da inauguração efectiva ser adiada para 93? Ou, passando logo às vertentes de representação externa: 
retocam-se os programas culturais e festivos 
com que se desejou preencher as noites de 
alguns burocratas comunitários arrastados a 
Lisboa por seis meses, graças à fatal itinerân
cia da capital europeia? Preparam-se museus e 
festivais, palácios e catedrais, para acolher 
melhor uns milhares de turistas culturais que 
virão no próximo ano ao engodo europaliano? 
Estudam-se os convites para participar na 
torrente de programas espanhóis de 92, em 
Madrid e Sevilha? Vão mobilizar-se consen
sos e energias para corresponder ao desafio de, 
em 94, se chamar a Lisboa capital cultural?

Dicionário de 1991

"Caso a Caso" (com Inês Pedrosa), a acompanhar uma entrevista com Pedro Santana Lopes, EXPRESSO Revista de 6 de Abril, pp. 10, 11, 12, 15, 16, 18.

"Os casos da Cultura são já tantos que a sua inventariação só se pode fazer através de um dicionário". Em pouco mais de um ano de mandato já se podia falar da balbúrdia da SEC. Mas podia falar-se..., dentro de alguns anos iam ser usados, por outros, métodos sujos de silenciamento

ACORDO ORTOGRÁFICO - S.L. assinou-o. (Ver 
CNALP)

ÁGUA - A EPAL costuma cortá-Ia aos Museus, por acumulação de facturas em atraso. A EDP e os TLP também 
fiam: em Janeiro o total das dívidas do IPPC às três 
empresas públicas ultrapassava os 21 mil contos, tendo 
aquelas começado a ser saldadas, segundo o «DN», com 
verbas saídas (ou desviadas?) do Fundo* de Fomento Cultural. (Ver Museus)

ANOS DE PROJECÇÃO - Santana Lopes anunciou que 
os «anos de ouro» já começaram em 1990 e que vão até 
1994, assim calendarizados:
1990. Comemorações dos 150 anos da restauração da inde
pendência (tratou-se de um início simbólico e talvez por 
isso não se deu por nada - mesmo assim, os festejos em 
Vila Viçosa com a respectiva publicidade devem ter orçado 
em 70 mil contos).
1991. Exposição dos «Tesouros da Coroa Portuguesa» (que 
se deverá inaugurar este Verão na Ajuda, mesmo antes de 
seguirem para Bruxelas). Europália*.
1992. Presidência* do Conselho das Comunidades Europeias, no 1º semestre. Programa anual de animação das 
regiões fronteiriças. Exposição de Sevilha. Circa 92, em 
Washington (Ver Painéis).
1993. Supressão das fronteiras.
1994. Lisboa, Capital * Europeia da Cultura.

Política Cultural em 1991

ARQUIVO
EXPRESSO, Cartaz, 1 de Junho de 1991. pp. 38-39 (Actual / Opinião)

"A cultura do ressentimento"

Comentário ao programa do PS para o sector da Cultura – eleições de 2001, com Jorge Sampaio como secretário geral e presidente da CML.

Edite Estrela e António Reis apresentaram no passado sábado, num hotel de Lisboa, as propostas do Partido Socialista para o sector da cultura. A quatro meses das eleições, um extenso documento intitulado «A política cultural do PS em debate» foi oferecido à apreciação dos «agentes culturais»; a quatro meses das eleições, também, Edite Estrela e António Reis perfilaram-se como candidatos à pasta da cultura num possível governo socialista.

Acontece, entretanto, que as propostas formuladas se revelam absolutamente distanciadas da actual realidade do sector (por efeito do longo afastamento do Poder?, por sobrevivência de um quadro ideológico de referência que impede a compreensão das dinâmicas culturais que atravessam o quotidiano?). São todas as marcas da velha ideia da «mudança das mentalidades», do entendimento burocrático e livresco da cultura como o plano mais «nobre» de uma política de instrução pública de modelo oitocentista, que se reconhecem como inspiradoras do documento. O prazo parece ser curto para que, neste domínio e nesta direcção, a intervenção socialista venha a revelar-se mobilizadora, ou sequer positiva num contexto que é, por outro lado, o do caos generalizado no campo da política governamental da cultura.