Alexandre Pomar

Paulo Ferreira (1911-1999)

Expresso 30 Dez. 1999

Um artista do SNI

FALECEU no passado dia 23, no Estoril, com 88 anos, o pintor, decorador e ilustrador Paulo Ferreira (Paolo), que foi um dos mais efectivos representantes artísticos do regime anterior, um protagonista do chamado estilo SNI (Secretariado Nacional de Informação). Fixado em Paris a partir de 1948, foi também chefe dos serviços artísticos das Casas de Portugal em Paris, Londres e Nova Iorque, entre 1954 e 1974.

Eduardo Chillida (1924-2002)

Expresso Actual de 24/8/2002

"Monumentos de luz"

EC, um dos maiores escultores da segunda metade do século XX

Eduardo Chillida, nascido em 1924 em San Sebastian e reconhecido como um dos maiores escultores da segunda metade do século XX, faleceu na segunda-feira. Tinha 78 anos e sofria de Alzheimer, tendo deixado de comparecer em público desde a inauguração, em Setembro de 2000, do seu museu pessoal em Hernani, o Chillida-Leku (o lugar ou espaço de Chillida, em euskera - ver www.eduardo-chillida.com), a cinco quilómetros de San Sebastian, onde residia.

Niki de Saint Phalle (1930-2002)

EXPRESSO Actual de 25/5/2002

A mãe das «Nanas»

Conhecida pelas suas «Nanas», gordas figuras femininas muito coloridas que multiplicou em esculturas, cerâmicas, balões e jóias, Niki de Saint Phalle era um dos mais importantes artistas franceses. Nasceu em 1930 em Neuilly-sur-Seine, filha de um banqueiro falido, cresceu nos Estados Unidos, trabalhou em inúmeros lugares à volta do mundo e morreu na quarta-feira, em San Diego, Califórnia, de doença prolongada.

Foi modelo (capa da «Life» em 1949, fotografada por Arnold Newman) e começou a pintar como autodidacta, em estilo «naïf». Tornou-se famosa no início dos anos 60, associada ao grupo dos «Novos Realistas» franceses, em especial com as suas «acções» de tiro sobre quadros-assemblage, onde fazia explodir balões de tinta. Logo depois surgiram as primeiras «bonecas» em esculturas de trapos e gesso, revestidas de acumulações de brinquedos e objectos variados - a Colecção Berardo possui uma dessas peças, La Mariée, de 1963. Em 1966, constrói em colaboração com o escultor suíço Jean Tinguely, com quem casara, uma gigantesca «Nana» deitada (Hon, ou Ela), de 26 metros de cumprido, com acesso ao seu interior, encomendada por Pontus Hulton, director do Museu Moderno de Estocolmo. Foi o início de numerosas esculturas públicas, de que a mais famosa é a fonte junto ao Centro Pompidou, também realizada com Tinguely.

O sentido lúdico e a comunicabilidade directa marcam a sua obra, para a qual, mais que as referências eruditas, importam a descoberta de Gaudi e a paixão por criadores marginais de arquitecturas delirantes ou visionárias, como Ferdinand Cheval ou Simon Rodia. É nessa linha que começa a projectar, logo em 1970, esculturas arquitectónicas penetráveis e se dedica depois à construção do seu próprio parque de esculturas, em Garavicchio, na Toscânia. Imenso Jardim do Tarot, desenhado sobre os motivos das 22 cartas, com construções monumentais revestidas de mosaicos de espelho e cerâmica, é uma das mais fascinantes criações da arte contemporânea. É visitável entre Maio e Outubro e pode ser visto em www.nikidesaintfalle.com.

Vespeira (1925-2002)

Expresso Actual de 2/3/2002

"Espaços eróticos"

Neo-realista em 1945 (autor de um dramático Apertado pela Fome, influenciado pelo mexicano Siqueiros, e de um texto de intervenção estético-política intitulado «Carta Aberta aos Pintores Portugueses», publicada no suplemento do diário «A Tarde», do Porto), Vespeira foi surrealista a partir de 1947 e evoluiu em 1951-52 para uma pintura não-figurativa de inspiração erótica, que o situou, a partir de então, no campo da militância abstraccionista. Com 76 anos, faleceu, por doença, no dia 22 em Lisboa.

Uma retrospectiva organizada em 2000 pelo Museu do Chiado deu a conhecer amplamente a sua obra de pintor e também a destacada e menos divulgada actividade profissional que manteve desde muito cedo (a partir de 1942) como publicitário, decorador e designer. Foi da sua autoria o logótipo do MFA, tendo colaborado activamente, com cartazes e «slogans», nas campanhas de Dinamização Cultural, na sequência de posições culturais oposicionistas assumidas desde a juventude.

Fernando de Azevedo (1923-2002)

Expresso Actual de 31/8/2002

"Memória do surrealismo"

Fernando de Azevedo, pintor, «designer» gráfico e crítico de arte, um dos fundadores, em 1947, do Grupo Surrealista de Lisboa, faleceu em Lisboa, na madrugada do dia 28, vítima de súbita doença cardíaca. Foi director gráfico da revista «Colóquio/Artes» e assistente da direcção e depois director do Serviço de Belas Artes da Fundação Gulbenkian, sendo desde 1979 presidente da Sociedade Nacional de Belas Artes. Nascido em 1923 em Vila Nova de Gaia, formou-se na Escola de Artes Decorativas de António Arroio, em Lisboa, expondo pela primeira vez em 1943, com Vespeira, Pedro Oom, José Gomes Pereira e Júlio Pomar, quando iniciava o curso de pintura da Escola de Belas-Artes.

Depois de ter acompanhado o início do movimento neo-realista, em 1945-46, colaborou na organização do movimento surrealista e, em 1949, na primeira (e única) exposição do Grupo de Lisboa. Em 1952, participou com Vespeira e Fernando Lemos na famosa exposição da Casa Jalco.
Na sua obra desses anos tem particular significado a prática da «ocultação», técnica iniciada em Portugal por Alexandre O'Neill que consiste no encobrimento parcial de imagens pré-existentes com tinta da China e guache, criando assim diferentes imagens e sentidos poéticos.
Também em 1947, Fernando Azevedo iniciou a sua actividade na área da publicidade, como «designer» gráfico, e na crítica de arte, nas revistas «Mundo Literário» e «Horizonte». Foi igualmente decorador, distinguido pela sua colaboração no Pavilhão de Portugal na Exposição Mundial de Bruxelas, em 1958, e realizou cenários para peças de teatro e de bailado, nomeadamente para o Ballet Gulbenkian. Em 1961 recebeu um 1º Prémio de pintura (ex-aequo) na Exposição Gulbenkian e em 1971 foi um dos artistas convidados a realizar novas pinturas para A Brasileira do Chiado. Nos últimos anos esteve presente com colagens em numerosas mostras colectivas, mantendo uma intensa actividade de montagem de exposições e de publicação de textos de apresentação de outros artistas plásticos.

- Faltou lembrar os catálogos dos antigos ciclos de cinema da Gulbenkian

Sá Nogueira (1921-2002)

Expresso Actual de 23/11/2002

Artista e professor

Morreu na passada segunda-feira, em Lisboa, onde nascera há 81 anos, Rolando Sá Nogueira, a cuja obra o Museu do Chiado dedicou em 1998 uma vasta retrospectiva. Para além da se afirmar como artista plástico, ilustrador, cenógrafo e decorador, exerceu desde 1965 uma prolongada acção como professor, que constituiu uma das mais influentes vertentes da sua actividade. A primeira aparição pública como pintor data de 1947, na 2ª Exposição Geral de Artes Plásticas, depois de ter começado por estudar Arquitectura e antes de terminar, em 1950, o curso de pintura na Escola de Belas Artes de Lisboa.

Entretanto, dedicara-se ao boxe como amador e começou a frequentar as tertúlias da época e o atelier do arquitecto Frederico George. Sem se associar ao neo-realismo, a sua obra inicial distinguiu-se por um interesse muito original pelo retrato, que se alargou nos finais dos anos 50 às paisagens urbanas, em notáveis pinturas de jardins, grupos em movimento e interiores de cafés.

Fernando Calhau (1948-2002)

Expresso Actual de 15/6/2002
"Carreiras paralelas"

FC, artista plástico e ex-director do IAC

Artista plástico e primeiro director do Instituto de Arte Contemporânea (IAC), Fernando Calhau faleceu na quarta-feira, após prolongada doença. Tinha 54 anos, e as suas últimas obras podem ver-se ainda até ao fim do mês no Pavilhão Branco do Museu da Cidade, numa mostra conjunta com Rui Chafes onde a presença da morte se podia reconhecer logo no título escolhido, «Um Passo no Escuro».

Formado em pintura na Escola de Belas-Artes de Lisboa, em 1973, com estudos de pós-graduação na Slade School de Londres, com Bartolomeu dos Santos, Calhau começou por dedicar-se à gravura. Logo no início dos anos 70, a sua obra tomou a direcção das pesquisas minimalistas e conceptuais, que nunca mais abandonou, tendo participado activamente nas movimentações vanguardistas da década, juntamente com Ernesto de Sousa, Julião Sarmento e outros, nomeadamente na exposição «Alternativa Zero», em 1977. A utilização da fotografia, do filme Super 8 e depois do vídeo tiveram então um largo espaço no seu trabalho, a par da realização de séries de pinturas monocromáticas, onde dominam as superfícies negras.

Joaquim Rodrigo 1912-1997

1
Expresso/Cartaz de 25-1-97 (Actual)

Morreu no passado sábado, com 84 anos, o pintor Joaquim Rodrigo. Nascera em Lisboa, em 1912, e foi agronómo de formação e profissão, durante cerca de 40 anos. No início dos anos 50 começou a dedicar-se à pintura como amador, expondo logo regularmente nos salões da Sociedade Nacional de Belas Artes /EGAP/, e prosseguiu até data recente, com uma última mostra individual em 1994, uma carreira sempre reconhecida pela generalidade da crítica nacional.
Efectivamente, a obra do pintor Joaquim Rodrigo esteve associada em três momentos sucessivos a situações conjunturais de revisão de orientações críticas ou foi considerada como representativa de novos entendimentos formais e estéticos.

"Bergman no cerco"

O livro foi sobrevivendo a todas as mudanças de casa e depurações. A morte de Bergman é a ocasião para o voltar a abrir. Bergman no Cerco tem data de edição de 1962 e a assinatura é de 65. Sobreviveu não por uma particular fidelidade a Ingmar Bergman, talvez porque alguns livros mais antigos que já resistiram a muita coisa, e a muitos acasos, se vão tornando indestrutíveis, inalianáveis (por enquanto).
É o nº 2 dos "Cadernos de Cinema" - edições de autor, que usavam em formato livro, até por causa da censura, o nome da revista de Paris, que depois se tornaria mais famosa. O primeiro, de que não tenho memória, foi O Jazz no Cinema, e não sei se houve mais. Faziam parte de uma identidade mais geral, os "Cadernos de Hoje", cuja extensão de interesses heterodoxos se exemplifica pela edição de Poesia Experimental e do Significado Presente do Realismo Crítico de Georg Lukács, já com prefácio de 57, em tradução de Carlos Saboga, outro livro resistente - estava então em questão uma terceira via para o realismo socialista...
Ilídio Ribeiro (autor de um extenso texto criticamente hostil, Bergman no comércio) devia ser o animador da editora, que tinha sede na Travessa do Fala-Só - em 1980 apareceu como co-argumentista e produtor do filme Verde por Dentro, Vermelho por Fora, realizado por outro Ricardo Costa ( produção independente da Diafilme - 1976/1990 -, empresa não cooperativa mas similar, que o produziu sem subsídios. A firma é gerida por Ricardo Costa, associado com Ilídio Ribeiro, um dos argumentistas. Ambos tinham criado antes a Mondar Editores -1965/1975-, que lançara os Cadernos de Hoje - adap. Wikipedia)

Bergman era então e continuou a ser um cineasta "metafísico",

Eduardo Luiz 1932-1988

"Eduardo Luiz (1932-1988)"
Expresso/Revista,  07-05-1988,  p. 28R (“Na Berra”)

Eduardo Luiz vivia há 30 anos em Paris. Destacara-se nos anos 60 entre alguns pintores portugueses que no exílio então necessário participavam directamente das aventuras do que ficou conhecido como a invenção de uma “nova figuração”, e desde então desenvolvera um itinerário pessoal e solitário acolhido com extremadas reacções.
Cesariny incluiu-o entre os poucos surrealistas da sua lista de 1973, mas o pintor negava a atribuição; outros acentuavam um “preciosismo pictural algo poético” (J.-A. França) enquanto Fernando Gil, num texto de uma lucidez rara entre prefácios de exposições (Galeria 111, 1973), situava na pintura de Eduardo Luiz algumas direcções significativas de um futuro possível: “anuncia uma pós-modernidade em que seja de novo possível denotar – mas em que a denotação seja intrínseca à própria linguagem: Balzac depois de Beckett”.

Retrato Clássico, 1981, o/t 124 x 73 cm, Col. Manuel de Brito

Morreu John Szarkowski

A noticia está no NYT de hoje: nytimes.com
ou
http://www.nytimes.com/2007/07/09/arts/09szarkowski.html?ref=obituaries

John Szarkowski, Curator of Photography, Dies at 81
By PHILIP GEFTER
Published: July 9, 2007

"John Szarkowski, a curator who almost single-handedly elevated photography’s status in the last half-century to that of a fine art, making his case in seminal writings and landmark exhibitions at the Museum of Modern Art in New York, died in on Saturday in Pittsfield, Mass. He was 81." (...)
"In the early 1960’s, when Mr. Szarkowski (pronounced Shar-COW-ski) began his curatorial career, photography was commonly perceived as a utilitarian medium, a means to document the world. Perhaps more than anyone, Mr. Szarkowski changed that perception. For him, the photograph was a form of expression as potent and meaningful as any work of art, and as director of photography at the Modern for almost three decades, beginning in 1962, he was perhaps its most impassioned advocate. Two of his books, “The Photographer’s Eye,” (1964) and “Looking at Photographs: 100 Pictures From the Collection of the Museum of Modern Art” (1973), remain syllabus staples in art history programs." (...)

Os seus livros e os seus catálogos continuarão a ser essenciais.

c. 1968

Sommer Ribeiro, a Gulbenkian, o CAM

Também a propósito da exposição "50 Anos de Arte Portuguesa" e dos 50 anos da Gulbenkian... porque faltam alguns dados para se fazer a história.

1 . Em 28/05/94 referi no Expresso  a saída por reforma do arq. José Sommer Ribeiro do Centro de Arte Moderna, que dirigira desde o início (1983):
"CAM: passagem de testemunho"

2 . e a 23/09/2006 publiquei uma brevíssima notícia necrológica

Sommer Ribeiro (1924-2006)

#

Também se pode ver, no Diário de Notícias de 20 de Julho de 1981, em página inteira, n.n. ("Reportagem"):

"No 25º aniversário da Fundação
SEGUNDO MUSEU GULBENKIAN É DEDICADO À ARTE MODERNA"

publicado na véspera da inauguração da exposição "Antevisão do Centro de Arte Moderna", com base numa entrevista com Sommer Ribeiro, defenindo-se aí o respectivo programa e recordando-se as vicissitudes que conheceu o seu projecto.

Immendorff

A Lisboa veio, pelo menos e em anos recentes, o Café Deutschland II, de 1978, e mais duas obras importantes, de 1990 e 91, reproduzidas no catálogo "Arte alemã do pós-guerra, A Colecção do Kunstmuseum de Bona", CCB 2000.

Na Colecção Berardo encontra-se Anbetung des Inhalts (talvez, Adoração do Conteúdo), 1985, 285 x 330 cm, que certamente só foi exposta na Casa das Mudas, Calheta, Madeira (em "Grande Escala", 2004) e onde as implicações políticas do pintor estão representadas por um retrato de Lenin. Immendorf

#

28.05.2007 |  "German art professor Immendorff dies

One of Germany's most prominent post-war artists Jörg Immendorff has died at his home in Duesseldorf at the age of 61. Immendorf had suffered for several years from an incurable neurological disease. Immendorf was a leftist art professor whose works in the 1970s included "Cafe Deutschland", a series condemning Germany's former division. In March he presented a portrait of former chancellor Gerhard Schröder.

© 2007 Deutsche Welle

Cafe Deutschland I, 1978, 280 x 320 cm
Museum Ludwig Koln

Jörg Immendorff, peintre allemand
LE MONDE | 30.05.07

©

Menez 1926-1995

Não ficou em arquivo (informático) uma entrevista a Menez realizada em parceria com Inês Pedrosa - "Menez: antes das palavras", Expresso/Revista de 22/12/90, por ocasião da retrospectiva na F. Gulbenkian e também do Prémio Pessoa desse ano (um dos prémios mais controverso).

A "entrada" dizia: "Como fala um pintor daquilo que pinta, se detesta o marketing das teorias e das poses, se recusa o cerco dos nomes e a aparência mais fácil das coisas? ..."

Mas ficou a notícia da sua morte

Expresso/ Cartaz de 15-04-95

"Nome: Menez"

Três quadros agora expostos na sede da CGD, e pertencentes à respectiva colecção, dão a ver a pintura de Menez mais e melhor do que podem as palavras, e são já um espaço de memória, no momento da sua morte.
«As suas imagens são uma encantação do desconhecido e têm em si suspenso o reflexo duma profundidade inomeada e oculta», escrevia Sophia de Mello Breyner, apresentando-lhe em 1954 a primeira exposição. Ou, Maria Velho da Costa, no catálogo de uma exposição na Quadrum, em 1977: «Quanto da visão é a sabedoria do véu. Vivacíssimo o olhar sob lágrimas reconhece a primeira claridade, ao tempo em que as coisas não haviam perdido pela evidência o seu destino de presença plena, a decifrar dos nomes». E ainda, segundo Júlio Pomar, em 1980: «O mundo em que Menez consente em mostrar-se — ou que ela re-encontra e nos propõe — ergue-se e define-se fora dos hábitos que obrigam as coisas a escolherem-se um nome».

Naqueles três quadros recentes, que são uma síntese possível da última década da sua obra, até à mais recente exposição de 1994, o véu parece abrir-se a outra claridade em que os nomes se tornam possíveis, mas «a pintura é (ainda) o meio de transmitir a visão que não se deixa apreender», como escreveu Fernando Gil em 1990. Olhando-os na sua sequência temporal, assiste-se  a uma desocultação crescente da mancha de cor como paisagem ou cena de interior (o atelier) e as linhas recortam com nitidez a figura num cenário em que diferentes tempos se encontram. 

Sol LeWitt, 1928-2007

a notícia:
http://www.nytimes.com/2007/04/09/arts/design/09lewitt.html?_r=1&oref=slogin

Uma viagem da arte minimal-conceptual até à "grande decoração".

"Wall Drawing No. 681 C / A wall divided vertically into four equal squares separated and bordered by black bands. Within each square, bands in one of four directions, ink washes superimposed." (Photo Phillip Charles - National Gallery Of Art)

Em 1994, vi em Paris, no Espace Renn, do realizador-produtor Claude Berri), "25 Years of Wall Drawings, 1969-1994" (RENN espace d’art contemporain)

Nam-June Paik 1932-2006

EXPRESSO/Actual de 04-02-2006

Não foi o primeiro a usar a imagem televisiva em instalações artísticas (o precedente é de Wolf Vostell), mas Nam-June Paik tornou-se a figura histórica da vídeo-arte desde que em 1963 apresentou televisores preparados com electro-ímanes, difundindo imagens distorcidas e parasitas. Nascido em Seul em 1932, morreu no domingo na sua casa de Miami.

Com formação musical em Tóquio, encontrou John Cage nos cursos de Darmstadt e integrou em 1961 o grupo neo-dadá Fluxus. Os «happenings» que iniciou em 1962 em Wiesbaden continuaram nos Estados Unidos com a cumplicidade da violoncelista Charlotte Moorman (foi um escândalo a invenção do «TV-Bra», um «soutien» feito de dois receptores).

Interessado por electromagnetismo, cibernética, transmissões por satélite e laser, Paik foi um investigador das relações entre arte e ciência, atribuindo-se-lhe a paternidade da expressão «auto-estradas electrónicas». À reflexão filosófica de raiz oriental e vocação provocadora juntou um forte sentido do humor e do espectáculo, que o levou a criar acumulações de televisores em forma de robot, grandes instalações como a que realizou para os Jogos Olímpicos de Seul, em 1988, com uma torre de 1003 monitores, ou as mais recentes bandeiras americanas feitas de dezenas de ecrãs sincronizados. O seu sentido crítico face às tecnologias de ponta que utilizava e a paródia algo «kitsch» da civilização mediática estiveram presentes numa gigantesca instalação que a Culturgest apresentou em 1996.

Arnold Newman 1918-2006

EXPRESSO/Actual de 10-06-2006

Fotógrafo de celebridades e artistas, Arnold Newman morreu em Nova Iorque com 88 anos. Aí abrira em 1946 um estúdio de retratos, ao mesmo tempo que, com o apoio de Alexey Brodovitch, «art director» do «Harpers Bazaar», iniciava uma brilhante carreira na imprensa como «free-lancer». Sem haver distinção entre encomendas e trabalho pessoal, ficaram famosas, ao longo de cinco décadas, entre muitas outras, imagens de Stravinsky ao piano, Pollock, Alfred Stieglitz e Georgia O’Keefe, John Kennedy ou Marilyn. Os seus retratos caracterizam os modelos através de poses relacionadas com a obra ou a carreira, ou situadas nos espaços de trabalho, a que é habitual chamar «environmental portraiture» (retrato ambiental ou de ambiente).